Les grands champs gravitationnels

Débutons notre périple cosmique par ceux qui ont modelé cette galaxie : les inspirateurs et les producteurs.

Lee Scratch Perry

Le producteur incontournable dans l’histoire du reagge et du dub. Celui-ci fit une apparition remarquée sur Hello Nasty avec le morceau Dr Lee PhD. Une association débutée lors d’une première partie des Beastie assurée par Lee Perry, à l’occasion d’une tournée au Japon en 1996. Mais l’influence est plus ancienne et remonte à l’EP Cooky Puss en 1983, qui comportait les morceaux dub-reggae Beastie Revolution et Bonus Batter Edit : et l’on retrouve également un sample de Dub Revolution sur Ill Communication. Une référence évidente aux B-sides, ces reprises instrumentales créées par Lee Perry et qui donneront naissance au dub.

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Rick Rubin

« Le plus grand producteur de ces 20 dernières années » pour Corey Moss sur le site de MTV. Lister le nombre de groupes qui ont travaillé avec lui est une gageure (On citera rapidement Slayer, Metallica, LL Cool J et Public Enemy pour la forme). Mais son influence sur les Beastie est indéniable. C’est en effet rien moins que le producteur et le coauteur de Licensed to Ill en 1986.

Licensed to Ill. Premier album (LP) des Beastie Boys. Premier album de rap à entrer dans le classement Billboard 200. Vendu à plus de 9 millions d’exemplaires. Décollage immédiat vers la célébrité.

Si l’album nous balance des bombes hip-hop, le fan de metal qu’est Rick Rubin donne aux Beastie Boys l’occasion de nous délivrer Fight for Your Right to Party et No sleep till Brooklyn, avec le solo furieux de Kerry King, guitariste de Slayer. Deux morceaux de rap-metal qui n’ont pas pris une ride après plus de 20 ans.

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Les Dust Brothers

En 1988, la rupture avec Dej Jam, le label créé par Rick Rubin , est consommée. En cause des problèmes de royalties mais également de tempérament. Car la lourdeur musicale du bonhomme déteint un peu sur son caractère. Et les Beastie, passés maitres en conneries diverses et variées, n’ont pas l’intention de devenir juste cons.

Direction donc Los Angeles où ils rencontrent les Dust Brothers. Pas forcement connus du grand public, ils ont pourtant lancé la carrière de Beck (L’album Odelay et son single Loser, c’est eux) et ont composé la BO de Fight Club. Mais dans le coin de galaxie qui nous intéresse, ils sont à l’origine d’un des chefs-d’oeuvre des Beastie (et même pour le fan transi que je suis, le mot n’est pas usurpé) : Paul’s Boutique.

Les samples incalculables qui composent l’album étaient destinés à l’origine à leur usage personnel. Mais les Dust Brothers ont eut le bon goût de laisser les Beastie poser leur voix et leurs instruments dessus (Et problablement divers produits au passage…). Grand bien leur en a pris.

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La scène hardcore

Cela va finir par devenir une antienne sur ce blog mais il est toujours bon de rappeler que nos trois rappeurs de New York ont commencé par du punk-hardcore bien énervé. Comme nous l’avions vu ailleurs, les rastas furieux de Bad Brains, virés en 79 de Washington DC, y ont changé la face de la scène hardcore naissante.

Et celle du bassiste Adam Yauch, futur tiers des Beastie Boys, qui ira les voir jouer plus de 50 fois, comme il le confiait en 1994 dans le magazine Guitar World. Et outre les initiales communes du groupe en guise d’hommage, cette influence s’est manifestée à plusieurs reprises. Brouillés, les membres de Bad Brains se reformeront ainsi en 1995, à l’occasion d’une tournée des Beastie Boys . Et Yauch produira Build a Nation en 2007, leur dernier album en date. Edit : Rajoutons enfin l’utilisation par les Beastie de samples de The Big Take Over et Supertouch / Shift It sur, respectivement, Pass The Mic et The Maestro.
Deux autres groupes à citer également : Black Flag (vu ici ou là), autre grosse influence d’Adam Yauch, et Reagan Youth , groupe new yorkais ayant débuté en même temps qu’eux.

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Les étoiles filantes

Des passages souvent fugaces. Mais ils ont tous permis à la galaxie Beastie d’entrer en expansion.

Madonna

Ca fait un peu étrange de voir ce nom écrit par ici. Moi même je m’en étonne. Pourtant en 1985, le groupe enregistre le single She’s on it avec le tout jeune Rick Rubin. Un carton qui les amène sur la tournée Like a Virgin. Si l’on en garde peu de choses à part une photo (voir plus haut), la légende voudrait qu’un des Beastie y soit passé avec la Madonne dans un placard… Ah, la jeunesse.

Kim Gordon

Restons chez les filles avec la bassiste de Sonic Youth. Outre le fait que Mike D lui ait donné un coup de pouce pour lancer un magasin de vêtements (X large), celle-ci fera une apparition pour un morceau lors de la tournée Tibetan Freedom. De quoi faire lever le sourcil des fans de scène indé.

Spike Jonze

Canonball des Breeders, Electrolite de REM, Da Funk de Daft Punk, c’est lui. Un sympathique CV. Et de la même manière que Rick Rubin, il va offrir parmi les meilleurs clips des Beastie. Sabotage en tête bien sûr, mais n’oublions pas Sure shot (Le morceau qui a fait découvrir le groupe à votre serviteur).
Beastie Boys – Sure Shot

Fatboy Slim

1998. Sortie d’Hello Nasty. Une incroyable variété de styles musicaux s’y entremêlent. Reggae, ballade, easy listening, electro et hip hop. De quoi en décontenancer certains. C’est la même année que sort You’ve Come a Long Way Baby, l’album qui va lancer la carrière de Fatboy Slim auprès du grand public. Les deux entités se rencontrent et accouchent d’un remix de Body Movin, si apprécié par le trio qu’il remplacera l’original pour le clip vidéo

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Q-Tip

On terminera cette section par une autre collaboration unique. Celle de Q Tip du groupe Tribe Called Quest sur le morceau Get it Together, en 1994. Outre la qualité évidente de la chanson, elle permet aux Beastie de rester, malgré leurs succès, profondement ancrés dans la culture hip hop.

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Les satellites

Adam Yauch, Mike D et Adrock, ces trois planètes massives ne doivent pas occulter les satellites, d’apparence certes plus réduite, mais tout aussi majestueux.

Eric Bobo

Sans Eric Bobo, pas de percus sur Ill Communication et Hello Nasty. Ca sonnerait tout de suite moins bien. Il faut dire qu’avec un père à l’origine du latin jazz et pote à Tito Puente, cela aide pour apprendre la musique. Pour plus d’infos je vous conseille d’allez faire un tour sur le site Latin Rapper pour y lire une interview du monsieur.

Après avoir gravité autour des Beastie, Eric Bobo changera d’orbite dans les années 90 pour se rejoindre Cypress Hill. Sympathique coin de l’univers au demeurant.

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Alfredo Ortiz

Remplaçant Eric Bobo aux percus, Alfredo Ortiz est du genre astre itinérant. Pour avoir un aperçu de ses déplacements, direction l’article publié sur l’excellent site Mic to Mic. On rajoutera pour l’anecdote que le sieur Ortiz offre ses talents de percussionniste à Tenacious D (autre plus grand groupe du monde, mais dans la catégorie rock) sur leur album éponyme.

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Mario Caldato Jr

Si Paul’s Boutique est si génial c’est, comme nous l’avons vu dans le post précédent, grâce aux Dust Brothers. Mais également à cet homme, qui opéra en tant qu’ingénieur du son.

En plus de jouer du clavier et des percus dans les groupes Soul Stick, Wake, Phaze et Phaze II, de produire ou d’offrir ses oreilles aiguisées à moults artistes, le bonhomme aura également le temps de produire l’album Hello Nasty et de s’assurer de la qualité du son lors des tournées des Beastie. La légende urbaine voudrait que cet homme trouve le temps de dormir. Peu crédible.

Deux liens à conseiller : une interview (format PDF) en provenance du site Make Shift Studio et une autre lisible sur le site Sound and Colours.

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Money Mark

Le satellite qui se retrouve là un peu par hasard. Money Mark, alias Mark Ramos Nishita, fut en effet répéré par ses dons de charpentier, alors que les Beastie Boys résidaient au G-Spot, leur QG à Los Angeles. Aussi doué avec le bois qu’avec les touches de piano, et accessoirement ami de Mario Caldato, il collaborera aux albums Check Your Head et Ill Communication.

Assez discret, vous le connaissez certainement pour un autre morceau :

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Et oui, le clavier au début, c’est lui.

Money Mark, en plus de jouer dans le Omar Rodriguez Lopez Quintet (projet du guitariste de Mars Volta) et dans Banyan (groupe de Stephen Perkins – Jane’s Addiction, Porno for Pyros-), nous pond de temps à autres des albums en solo. Ambiances naïves et confortables au programme, mais aussi morceaux délicieusement groovy. Votre serviteur n’a point eu le temps d’écouter l’ensemble de son oeuvre, mais l’album Change is Coming est hautement recommandable.

mmandable.

- Biz Markie

Biz Markie

Un astre resté un peu trop dans l’ombre. Débutant dans les années 80 comme beatboxer (à voir à ce propos un extrait avec Roxanne Chanté en 1986), Biz Markie, doté d’un humour ravageur, va collaborer à plusieurs reprises avec les Beastie Boys (sur les albums Check Your Head, Ill Communication et Hello Nasty) et même se fendre d’une reprise anthologique de Benny and the Jets d’Elton John (disponible sur la compilation The Sounds of Science) :

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Repéré en 1989 grâce à son tube Just a Friend, sa carrière solo ne décollera pourtant pas. Biz Markie s’est en effet retrouvé au coeur d’un des grands procès qui a modifié la scène hip-hop, celui des samples. Lors de la sortie en 1991 chez Warner de son album I Need a Haircut, le musicien folk Gilbert O’Sullivan décide de poursuivre le label pour avoir utilisé sans autorisation un sample de sa chanson Alone Again (Naturally).

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Suite à ce procès, l’album de Biz Markie sera retiré de la vente. Et les maisons de production devront clarifier légalement, auprès de leurs créateurs originaux, l’utilisation de chaque sample. Ce que fera avec humour Biz Markie avec son album suivant, All samples cleared !. Mais sa carrière musicale en solo est définitivement amochée.

Heureusement celui-ci continue sa route, notamment à la télévision dans l’émission In Living Color des frères Wayans (où Jim Carrey fit ses premiers pas télévisuels). On le retrouvera également en animateur d’une radio hip-hop dans le jeu GTA San Andreas, et il se fendra même d’un morceau avec DJ Yoda sur l’album The Amazing Adventures of DJ Yoda, Breakfast Cereal.

Edit : le morceau n’est plus dispo sur Youtube mais vous pouvez l’écouter sur Deezer

Les anneaux en vinyle

Que seraient trois MC sans leur DJ ? Ou plutot leurs DJs. Premier en date, le producteur Rick Rubin qui officiera sur la tournée avec Madonna. Il sera suivi de Dr Dre (à ne pas confondre avec le fondateur de Death Row Records et acolyte entre autres d’Eminem) Edit : Vous pouvez trouver des mixtapes de Dr Dre (au vu des morceaux, je pense qu’il s’agit du MC des Beastie) sur le blog Tha Original Mixtapes & Dj’s. Peu connu du public, Dr Dre sera pourtant, via son émission consacrée au rap sur MTV, pour beaucoup dans la reconnaissance des Beastie Boys.

Deux DJs sortent malgré tout du lot : DJ Hurricane et Mix Master Mike. Le premier a débuté dans le sillage de Run DMC. Et c’est lors d’une tournée commune en 1986, le Raising Hell, que DJ Hurricane rejoint les Beastie Boys, en remplacement de Dr Dre, lassé de la vie sur la route.

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Hurricane travaillera avec les Beastie jusqu’en 1997 et la venue du seul et unique : Mix Master Mike. Trustant les titres de champions du monde des DJ avec son comparse Qbert, tout amateur des Beastie connait désormais la drolatique intro du clip Three MC and one DJ. Et une seule conclusion possible : ce mec est brillant. Et innovateur (En plus d’avoir Will Ferrell pour faire son intro… Y en a qui cumulent, j’vous dis).

Pour ceux qui en douteraient, réécoutez Hello Nasty (cf l’intro à la pédale wa wa sur la version album de Three MC ’s and one DJ) et To the 5 Boroughs. Mais je vous conseille également de vous pencher sur son travail solo, en particulier l’EP Eye of the Cyklops.

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Et pour tous les amoureux des DJs, un documentaire à voir : Scratch (Edit : ou vous pouvez regardez quelques vidéos ici )

Glen Friedman, l’astronome

Nous en avions parlé vite fait ici, aussi je serai bref. Juste pour rappeler que la collaboration entre Friedman et les Beastie remonte aux tous premiers albums publiés chez Def Jam et qu’il est à l’origine d’un paquet de photos mythiques du groupe, dont la plus connue est peut-être celle de Check Your Head, et son noir et blanc classieux.

Run DMC, la planète jumelle

Si l’on se doit de citer Public Enemy dans ce papier (via Party for Your Right to Fight, leur clin d’oeil à Fight for Your Right to Party des Beastie), les liaisons les plus fortes demeurent celles avec Run DMC. Nous les avions déja croisés dans le post précédent, mais comme une piqûre de rappel fait toujours du bien :
Run DMC – It’s Tricky

Run DMC sera souvent cité comme pendant afro-américain des Beastie. Quitte à parfois s’en servir pour rabaisser les Beastie Boys, qualifiés à leurs débuts de pâle copie. La question ne se posait pourtant pas pour les deux groupes. Tournée commune, même DJ, même croisement entre metal et rap (avec le célèbre Walk this Way en duo avec Aerosmith). La chanson Slow and Low de Beastie était de plus à l’origine un morceau de Run DMC. Et pour achever de vous convaincre, autant regarder ces extraits :

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Allez, remuez bien votre popotin avec tout ca. Et rendez-vous demain, direction les mondes parallèles !

Article publié initialement sur Centrifugue en 2 parties

Photo montage à partir des photos FlickR CC : MrDevlar et jaygoldman et Loguy

Le jour, Ian Wright est un garçon poli et courtois qui compose de la musique et qui monte des vidéos. La nuit, portant un masque de monstre ou une cagoule de terroriste, il devient DJ Plague et terrasse les dancefloors avec la forme la plus extrême de la techno : le speedcore. Et il réalise des afterfilms de soirées. La rencontre avec cette éminence bruitiste a révélé un formidable conteur, donnant sa version des faits suite à la dématérialisation de la musique, la conséquence de l’informatisation de la société, ou la légitimité de porter un masque pour jouer en public. Ah oui, il est canadien, et vient de se faire virer de la Hollande où il habitait depuis six ans. Elle est belle l’Europe, tiens.

Eh bien après être allé et venu sans problèmes pendant 6 ans, ils ont dit que j’étais resté trop longtemps et m’ont expliqué que je devais rester hors d’Europe pendant 3 mois, et qu’il y avait une possibilité d’une exclusion de 5 ans avant de pouvoir revenir. Je ne sais pas si c’est vraiment si sérieux, vu que ça n’a jamais été un problème avant, mais en tous les cas, le système d’immigration en Europe est un ratage.

J’ai déjà attendu 6 ans de recevoir mes autorisations de travail, donc ça et une douzaine d’autres facteurs, incluant la fin du vinyle et la scène qui rétrécit encore et encore, ça a entraîné ma décision de rentrer au Canada. Peut-être retournerai-je en Europe occasionnellement pour des tournées courtes, mais il n’y a aucun avenir pour moi à vivre ici toute ma vie comme un immigré clandestin.

Oui, il semble que ça prenne cette direction de plus en plus. Il était établi que les platines vinyle étaient le dispositif principal de la régie son. Maintenant elles sont le plus souvent poussées sur le côté et les platines CD sont le standard. Peut-être que dans 5 ans, voire moins, les platines vinyle auront complètement disparu [Depuis cette interview, Panasonic a annoncé la fin de la production de ses légendaires platines Technics SL1200].

Je ne comprends pas du tout le principe du « net label ». Puisqu’il n’y a aucun coût lié à la sortie des morceaux, il n’y a plus aucun besoin pour des labels.

N’importe qui peut mettre ses morceaux en téléchargement sur internet. C’est devenu vraiment compliqué de chercher de la bonne musique puisque les labels agissaient comme des filtres exposant les meilleurs morceaux. Mais ça donne une chance aux gens qui veulent sortir leurs morceaux. Le seul problème est qu’il y a un océan de morceaux amateurs à passer au crible, donc ce qui relevait de la recherche de vinyles relève maintenant de la recherche dans les forums et les sites de téléchargement pour trouver de bons morceaux.

L’arme secrète du DJ

De mon expérience, le feeling n’est pas le même. Quand j’ai commencé à aller en rave j’avais l’habitude de regarder le DJ de près, de scruter le label sur le disque qui tournait, et de voir le morceau qui allait suivre. De regarder le graphisme sur les pochettes. Le sac à disques était comme la pochette surprise du DJ. Son arme secrète.

Maintenant, regarder un DJ consulter son range-CD est aussi intéressant que de le regarder consulter un annuaire téléphonique. Ou regarder un DJ sur ordinateur portable est comme regarder quelqu’un consulter ses emails.

C’est pareil pour le mix, bien qu’il y ait beaucoup d’effets particuliers. Et s’il n’y a plus ce problème de diamant qui saute, mixer sur CD est un peu trop technique. Il n’y a plus cette sensation merveilleuse de claquer un bon gros vinyle sur la platine et toucher la musique avec ses mains. Mais c’est la voie que suit la société en général. Mettre des ordinateurs entre les humains et l’expérience réelle, tout ça au nom du « progrès ».

Eh bien ce n’est certainement pas sans bénéfices. Tu peux plus facilement appliquer des effets pendant le mix. Mais les gens doivent être avertis du côté négatif de tout ce « progrès ». Quand tout est facilement accessible, la valeur de chaque chose décroît. Et avec la musique en général, avec l’invention de l’iPod et la capacité de transporter avec soi des milliers de chansons, celles-ci ne sont plus aussi précieuses que quand elles étaient sur un album complet avec sa pochette et son livret. De même que tous les magasins de disques font faillite parce que la musique migre sur internet.

Cela revient à enlever l’interaction humaine de l’équation. C’est un gros changement, qui contient de bonnes choses, et des mauvaises. C’est juste qu’il est important de ne pas sauter aveuglément dans ce qu’on pense être un progrès sans comprendre les coûts cachés d’abord.

En vinyle : GFB vs Rotello – “One In Seven” / Sonic Overkill – “Born In Hell” (Speedcore) / Kenny Gee – “Full Scale Riot” / Canadian Speedcore Resistance 6. En CD : “Yatsuzaki Hardcore”. Et quasiment tout de Sonic Overkill, Mutante ou Speed Freak (c’est vraiment une liste au hasard de ce qui me vient à l’esprit là tout de suite).

La scène évolue par cycles. Les grosses organisations se construisent sur une scène fertile, libre d’interventions policières et de restrictions gouvernementales, une fois qu’elles deviennent suffisamment grosses des organisations plus petites grandissent autour d’elles. Il finit par y avoir trop de soirées et il n’y a pas de quoi les faire tourner, alors la scène décline et seules les grosses organisations ont suffisamment d’assises financière pour continuer. Alors la scène rétrécit et si la base est toujours fertile, alors la même chose se reproduira. La difficulté maintenant avec la mort du vinyle et la facilité de téléchargement des MP3, c’est que beaucoup de grosses organisations souffrent que ce qui constituait une importante source de revenus ait disparu. Alors pour la première fois on voit des sociétés comme Midtown fermer leurs portes [Midtown existe toujours, ce sont d’autres qui ferment, NDA], et ce n’est pas bon signe, puisque si les grosses organisations coulent, ça sera très dur pour les petites de démarrer dans le futur puisqu’il n’y aura pas de scène sur laquelle se reposer.

En 1996 il y avait un seul DJ à Toronto qui mixait hardcore, DJ Dominik. J’allais à chaque soirée où il jouait et j’attendais son set à 7 heures du matin. Il jouait toujours à la fin ou au début.

Mais j’ai fini par apprendre qu’il y avait bien plus de styles de hardcore, et après en avoir eu assez d’attendre qu’il sorte de nouvelles mixtapes j’ai décidé de mixer moi-même. Cependant une fois que j’ai commencé à acheter des disques, le hardcore est soudainement devenu lent et ennuyeux. Alors j’ai découvert Shockwave et des labels anglais comme Area 51 et plus tard Deathchant. C’est là que j’ai décidé de jouer du hardcore rapide, ou du speedcore, comme on dit.

Alors j’ai rencontré Interrupt Vector qui produisait du speedcore, and nous avons décidé de créer notre propre label, Canadian Speedcore Resistance (CSR). Grâce à des soirées organisées par Terrorist Kriss en ce temps-là (vers 2001), les choses ont bien évolué, jusqu’à ce qu’après quelques tournées j’ai déménagé en Europe pour me consacrer entièrement à CSR.

Quant au masque, j’ai compris qu’on ne peut pas avoir se montrer en ayant l’air normal, dans cette musique. Tu dois ressembler à ce dont la musique sonne, alors tu dois avoir un masque. A moins que tu sois The Vizitor qui a suffisamment l’air dur comme ça [The Vizitor est un DJ hollandais fervent pratiquant du body-building, NDA].

Le death metal de la techno

Bien sûr que c’est possible. Regarde Insane Clown Posse, Slipknot, ou même Marilyn Manson. Tu as déjà vu Marilyn Manson sans maquillage ? Le mec a l’air complètement banal.

Eh bien ce sont tous des termes inventés dans différents pays. Au Canada nous avions seulement le hardcore (Neophyte, Paul, RTC etc..) et le speedcore (DOA, Deathchant, Shockwave etc…)

Quand je suis allé en Hollande, tout le monde a commencé à appeler ce que je jouais “terror”, donc je me suis dit, OK, c’est du terror.

Je pense que le terror est dur et rapide, souvent avec des guitars et des cris, et tourne dans les 230 à 290 bpm. Je dis aux gens que c’est comme le death metal de la techno. (Le frenchcore étant quelque part de 190 à 230, le hardcore généralement de 150 à 190 bpm et le plus souvent basé sur un gros kick et des synthés, et le speedcore étant censé être plus rapide que tout et concentré essentiellement sur des rythmes rapides. Certains parlent de « splitter », qui fait penser à des mitrailleuses). Mais tous ces noms sont un peu vagues, et les gens vont en débattre pendant des jours sur les forums du web.

OUI ! Cela aurait dû commencer il y a très longtemps déjà. C’est la même chose depuis 10 ans ou presque. Quand ça a ralenti je pensais que cette tendance durerait 2 ans, mais ça continue encore 10 ans après.

Difficile là encore… Et là encore, au hasard… Rotello vs GFB – “The Berzerk Manolo Macchetta” / Sonic Overkill – “Raise Ya Fist” / Mutante – “Money” / m1dy vs M-Project – “Squid vs Pantyhose” / D.O.A. – “New York City Speedcore” (un ultra-classique, NDA). La liste change tout le temps ! Il y a tellement de bons trucs…

Je ne considère pas du tout que CSR soit expérimental. L’idée était de combler le vide entre le hardcore trop lent, et le speedcore trop rapide et extrême. De rester rapide, mais de rester écoutable également. A Toronto il y avait toujours des frictions entre le breakcore et le speedcore. Le breakcore essayait d’être plus expérimental et intellectuel, alors que le speedcore était juste une question de dire fuck tout.

Mon idée du speedcore est plutôt d’éprouver des émotions brutes et de laisser tes frustrations s’extérioriser par la musique. Honnêtement il n’y a pas beaucoup de place pour l’expérimentation dans ce genre musical. Ca se limite à des kicks et des samples et comment ils peuvent être découpés, arrangés et masterisés. Je sais qu’il y a pas mal de gens qui se targuent d’être expérimentaux et branchés. Mais je veux juste une musique très énergique avec un bon rythme qui te fait bouger. Si tu es trop expérimental alors ça ne se passe pas bien sur le dancefloor, alors que si tu es un DJ tu fais justement en sorte de le faire bouger.

Une fois j’ai vu un type dans une soirée avec un t-shirt qui disait « Fuck art, let’s dance » (« L’art va se faire foutre, dansons »). Tout est dit en peu de mots.

Filmer le plus de filles

Difficile de dire ce qui a évolué. Je pense que c’est devenu un style à part entière plutôt que d’être dans la petite salle d’une soirée hardcore. Mais ça reste quand même encore pas mal confiné là-bas. J’ai vu récemment une vidéo de 1998 et la salle terror avait déjà exactement l’air de ce que c’est maintenant. L’énergie que la musique génère tendra à attirer les mêmes personnes, quels que soient l’époque ou l’endroit.

Donc plus les choses changent, plus elles demeurent.

Haha ! Loue une bonne caméra, ne filme pas un dancefloor vide, filme beaucoup de lasers, bouge avec la caméra, et filme le plus de filles possible.

Oui c’est possible. J’ai étudié les beaux-arts, et la réalisation de films en faisait partie. J’aime faire plein de choses, alors que faire juste du son ou du montage vidéo est limité. Je préfère faire toute la production, et créer tout un concept en ayant la main sur chaque étape du projet.

Vraiment au hasard, et plein de gens diront “Oh, il a oublié lui et lui !”… Mais bon…

Salle Hardcore / Terror / Speedcore : Sonic Overkill – The Speed Freak – Mutante – Smurf – Fishead – Micropoint – Ron D Core – Drokz & Akira – Noisekick – The Vizitor – Moshpit – The Berzerker – m1dy – Ozigiri – RoughSketch – Speedloader ;) – et moi…

Salle Early Rave (tous jouent le style qu’ils jouaient en 1997) : Ruffneck – Neophyte – Rotterdam Terror Corps – Predator – Masochist – Scott Brown – Dj Dominik (Le DJ de Toronto qui a lancé le hardcore au Canada) – Brisk – Clarkee – SOS.

En ce moment je travaille avec DJ Mutante sur un nouvel album. On a déjà quelques tracks et il en reste pas mal à faire. Pour le futur de CSR j’ai pensé à des façons de l’emmener un pas plus loin. Peut-être le transformer en bande dessinée ou même un dessin animé. Quelque chose qui puisse utiliser la musique comme une partie de toute une histoire. Une manière de lui donner une nouvelle dimension, comme ça elle n’est plus seulement confinée dans la petite salle d’une soirée hardcore. Il y aura toujours des gens qui voudront évacuer leurs émotions avec cette musique, alors cela est un moyen de toucher un public plus large. Ce qui est sûr, c’est que je travaillerai de plus en plus avec la scène japonaise. Ils ont plus d’un style qui m’intéresse. Une scène très éclectique, et un hardcore plein de variations, qui ne se repose pas seulement sur le niveau de dureté d’un kick. Ils ont plein de producteurs différents et ils ont plein de potentiel.

Nous verrons bien. Il n’y a pas de mort, juste des nouveaux départs.

Il y en a plein, mais ça dépend de tes goûts car il y a une grande variété de styles. Il y a Sharpnel, m1dy, RoughSketch, M-Project, Ozigiri, Chucky, C-Type, Shimamura, Akira Death et plein d’autres. Ca va du speedcore extrême au happy hardcore, mais tout est bien fait.

Le show de DJ Plague, tous les jeudis soirs sur Hardcore Radio

A Toronto il y a une scène très éclectique. Faite de plein de gens différents, de pays et de cultures différents. Il est impossible de faire une grosse soirée hardcore comme en Hollande. Il y a plein de clubs, tu ne peux pas demander plus de 5$ à l’entrée, alors c’est difficile de rentrer dans ses frais. Il est plutôt question de rassembler ses amis et de décider d’organiser une soirée. L’avantage de ça et que tu as plein de styles différents, et le public est généralement composé de gens qui aiment la musique. Puisqu’ils ont à rechercher ce genre de soirées, ça signifie qu’ils connaissent bien la musique et qu’ils viennent l’esprit ouvert.

De moins en moins. J’aime la musique et l’aimerai toujours, mais plus tu vieillis, moins tu as d’énergie pour faire la fête et boire des coups. C’est un autre facteur de ma décision de repartir au Canada. Je ne vais jamais totalement abandonner la musique, puisque je l’aime, et sans doute reviendrai-je pour des bookings particuliers. Mais ça ne doit jamais devenir un job que je fais seulement pour l’argent. Si tu le fais seulement pour l’argent et pas par amour de la musique, tu dois arrêter. Tu dois toujours être passionné par ce que tu fais.

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Cet article a été initialement publié sur culture DJ

Crédit photo flickr CC: Christiano Betta; Roberto; Amandabhstater, miss_blackbutterfly

En route pour Ground Zero 2010 : dancefloor, stations-services, jetons-boissons et Djs.

Mise en bouche

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Ground Zero fait la part belle aux genres durs de la Techno : plusieurs variantes de Hardcore y sont représentées. Mais on peut y entendre également des légendes de la House et de la Rave des années 90… dont les rythmes colorés donnent la cadence à un cadre festif proche de la fête foraine.

Ground Zero a été créé en 2006 par UDC et Multigroove. La cinquième édition, en 2010, c’est :

• 9 scènes et plus de 100 DJs et livers

• Des styles musicaux allant de la House old-school au Hardcore

• Plus de 20 000 personnes réunies de 21h le samedi 3 juillet 2010 à 7h le dimanche 4 juillet 2010.

• Une direction artistique assurée par DJ Dano, une légende de la rave

• 45 euros l’entrée; 2,50 euros le soft drink et la bière

• Une grande roue

Le road trip

Le New Clubbing, pour qui l’Europe est un dancefloor géant, revitalise le mythe de la route cher aux beatniks. Bien sûr, si en 2010 l’aventure n’est pas sur le bitume mais au bout de celui-ci, il reste que les 549km entre Paris et Bussloo (NL) sont ponctués de rituels précédant la fête. Ainsi, les stations-service deviennent le lieu d’enthousiasmes préliminaires : il n’est pas un distributeur de café en plastique de l’A1 qui ne connaisse les noms d’au moins 200 DJs pour les avoir entendus scander par des fans en fusion.

Car le New Clubbing optimise la consommation de la fête : chaque party people a préparé son line-up idéal et le confronte à celui de ses collègues festifs, chacun valorisant ses choix par la citation d’expériences passées. La crédibilité d’un New Clubber passe aussi par l’énumération de mix de folie joués par des DJ mythiques dans des soirées légendaires. A quel degré peux-tu t’approprier le mythe?

Quoi qu’il en soit, tout adapté qu’il soit à l’ultra-paramétrage de la vie moderne, le New Clubbing reste l’expression la plus agitée de ce qui fait la valeur de la fête : l’inattendu, le non-gérable, l’anti-rationnel.

Bref, le New Clubbing est une réalité sociologique qui reste fun.

En France, ces dernières années, les stations service ont fait un bond en matière d’aménagement et de services. Le quasi-monopole de Daunat sur les sandwichs pain de mie n’enlève rien au bonheur de pouvoir, depuis peu, se procurer du Red Bull en toute légalité.

En Belgique, sur l’axe Gent-Antwerpen (Gand-Anvers), les stations sont rares et de niveau disparate. Le français prendra soin de signaler son origine par d’explicites références gauloises dans son discours, au risque, le cas échéant, de passer pour un wallon, ce qui auprès des flamands schismatiques est générateur d’ambiances refroidies.

En Hollande, on trouve dans les stations des distributeurs de saucisses chaudes et les toilettes sont payantes. Même avant la démocratisation des GPS, il était facile d’aller festoyer en Hollande car le pays est petit et quadrillé serré par les autoroutes. On pouvait louper la sortie sans autres conséquences que d’avoir à traverser des villages où les gens se meuvent en vélo.

Le festival

Les rock-critics ont raison : la Techno n’a pas à supporter ce fardeau de la pose rebelle avortée qui est un pilier du marketing rock. En tant que plaisir moderne, la Techno vit bien son hédonisme à l’industrialisation marketée. Sauf en France , pays crispé sur le souvenir douloureux des teknivals.

A Ground Zero, Bussloo, Hollande, tout est prêt ce soir pour accueillir 20000 danseurs. Plus de 100 DJs donneront leur meilleur, chargés de mettre en œuvre la promesse d’ambiance d’un marketing bien rôdé. Car cela fait longtemps que les professionnels de la Techno savent que l’identité d’un évènement ne passe pas seulement par l’énumération des artistes qui s’y produisent. Le mythe du DJ a son importance. Le DJ de musique dancefloor : un peu showman, un peu shaman, de la bogossité, une attitude bien évidemment, tout ça lié par le talent, et zou ! La loi du Kick-Tout-Puissant fait le reste en distillant ses commandements à travers les gestes agiles du DJ sur sa table de mixage.

A noter que telle petite sauterie n’est rendue possible que par une auto-discipline aigue des publics. Avoir accès, pour 45 euros, au meilleur des prestations artistiques, techniques et d’accueil, se mérite au prix d’une absence totale de débordements. Ce que garantissent également une sécurité très ferme à l’entrée et la présence d’un poste de police à l’intérieur même du festival. Tant pis pour les ouins-ouins libertaires pour qui la Techno a été, en d’autres temps, le prétexte au n’importe quoi généralisé et au laisser-faire systématique.

Les artistes français

L’édition 2010 de Ground Zero se distingue aussi par une grosse présence d’artistes français, grâce notamment à l’action d’un agent français précurseur: Insane Bookings. La Hollande étant la Terre Promise de la dance music, et la scène Techno française n’ayant pas toujours offert beaucoup de perspectives à ses différents acteurs, les artistes français montreront ce soir une détermination de chiens de l’enfer prêts aux dernières extrémités. Au programme : Radium, Sonam, Kill Em All, Manu le Malin, IOM Factory, Speedloader, Dr Macabre, AK47, Tieum, Laurent Ho et Fight.

Y-a-t-il un style de mix « à la française » ? Sans doute. Là où les hollandais pratiquent des enchaînements courts très basés sur les cuts, les français expriment en général un certains lyrisme. Les enchaînement peuvent être plus longs, plus personnels aussi, la longueur de temps pouvant conférer une dimension ésotérique à un mix bien mené. Autrement dit, on entendrait presque de la furia rimbaldienne dans la musique de ces artistes.

Mais qu’on ne s’y trompe pas : ce 3 juillet à Ground Zero, les beats seront lourds et les mix vicieux. Personne n’est là pour badiner. Faut que ça tape.

Le public

Ca tombe bien, cela fait des mois que le public se conditionne pour manger du beat. Si les hollandais sont majoritaires, les français, allemands et italiens sont nombreux. Et on trouve bien sûr des anglais, des suisses, et de nombreuses autres nationalités. Qu’on se le dise : la Hollande est depuis 25 ans l’épicentre de l’évènementiel Techno. C’est pourquoi ce soir à Ground Zero, le public a de 18 à 45 ans… Les moins de 30 ans sont les plus nombreux, mais ce sont bien plusieurs générations festives qui se mélangent dans le Grand Bain Rythmique Electronique.

Et, dans cette chaude ambiance, les occasionnels côtoient les experts, les alternatifs trinquent avec les clubbers, les gabbers fraternisent avec les houseux. Car, loin des tentations sectaristes très au goût du jour en France, les organisateurs de Ground Zero savent que le mélange des publics est une des clés du succès.

La transmission de l’ambiance

Pour parfaire ce dispositif mettant en scène le mythe Techno tout en le nourrissant, rien de mieux que la perpétuation de la mémoire grâce aux serveurs et aux disques durs.
Car, avec internet et les transports low-cost, la vidéo est la troisième variable de l’équation – sans inconnue – du New Clubbing.
Sur DVD ou sur une chaîne YouTube, les heures d’images captées toute la nuit par l’organisation rajouteront une couche au mythe. Le « J’y étais » devenu composante statutaire dans la culture New Clubbing est en effet un levier marketing fort.

L’explosion de la vidéo amateur a aussi sa responsabilité dans le développement de la culture New Clubbing. Autour des vidéos officielles (leur image HD, leur son propre, leur réalisation narrative) se grefferont des nuages de vidéos personnelles révélant l’intensité de l’ambiance dans tout son remuant fouillis. Image sautante, son saturé ? Par grave : le mythe est à portée de mémoire d’Iphone.
Alors même qu’il est la norme de penser que la Techno est une musique ennuyeuse à regarder, c’est grâce à la vidéo qu’elle a répandu son règne sur le monde festif.

OK boys and girls ! La Techno est le rythme du train festif traversant vos vies d’androïde occidental perclus d’engrenages et de routines.
Les DJ dévient le convoi du tracé initialement prévu.
Et Ground Zero 2010 fut une gare volcanique et douce, conviviale et agitée : la débauche par la danse.
L’ennui rôde : dansons !

> Article initialement publié sur Culture DJ, le blog de DJ Speedloader, aka Florian Pittion Rossillon