Charles Pasi, c’est le genre de gars qui a tout pour énerver. Une belle gueule, une voix capable de chanter tous les styles ou presque, une énergie scénique assez incroyable, et un talent évident d’auteur-compositeur.

Il aurait donc pu se la raconter. Dommage, il n’en est rien. Au contraire, on ressent chez ce parisien d’origine italienne de 27 ans une humilité de chaque instant, comme s’il n’avait pas vraiment conscience de ce qu’il dégage. Il suffit pourtant de l’avoir vu une fois jouer en public pour comprendre que ce garçon est promis à de belles choses.

Ayant commencé la musique assez tardivement, à 17 ans, il considère avoir toujours eu le “complexe du retardataire”, qu’il a compensée depuis par une “boulimie” d’écriture, de composition et de pratique. D’abord en s’inscrivant au conservatoire. Une expérience qu’il considère aujourd’hui avec un certain recul :

J’ai entendu beaucoup d’histoires de potes doués étant enfants mais qui ont été dégoûtés par le conservatoire. Moi j’ai pris ça différemment : il faut savoir ce qui est intéressant pour toi et ce qui ne l’est pas. De toutes façons, on n’apprend pas à être musicien dans une école. Apprendre la musique c’est avant tout une démarche personnelle et je pense qu’il faut s’investir seul avant tout.

C’est pour cela qu’à 17 ans, juste après l’obtention de son bac, il s’expatrie un an à Rome, pour acquérir de l’expérience. Il commence à jouer avec un groupe, à la fois comme harmoniciste et chanteur et enchaîne assez vite les concerts.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

A son retour, enrichi de son année romaine, il s’attaque à l’écriture d’un premier album, qui sortira en autoproduction. Ce disque, bien accueilli, lui permet de beaucoup tourner. En France d’abord, puis à l’étranger, où les dates s’enchaînent en Espagne, Russie, Canada ou encore Hongrie. “Il y avait un côté exotique très enthousiasmant à tourner partout dans le monde, c’était une belle expérience”.

Son second disque, il l’a voulu “très différent du premier, reflétant davantage la palette de musique écoutée dans [sa] vie”. A l’écoute de l’EP Uncaged, sorti en digital fin 2010, on comprend mieux : mélange de soul, de jazz, de rock et de pop, la musique de Charles Pasi s’affranchit facilement de la notion de genre.

Mes influences ont évolué en s’élargissant. Je veux tout montrer de ce que j’ai écouté et ne pas faire une carrière de “rocker”, de “jazzman” ou de “soulman”. L’idée, c’est de mettre toutes ces influences au sein d’un seul morceau.

Il assume bien ce mélange des genres, et on est tenté de penser que c’est ce qui donne à sa musique ce relief. “J’aimerais bien dire que je me sens totalement original et marginal mais pas du tout. Je fais partie d’une génération qui parle plusieurs langues, qui voyage. Presque tout a été fait aujourd’hui, donc il faut tout mélanger.”

Aujourd’hui signé sur le label digital Believe, Charles Pasi nourrit un amusant paradoxe : il accuse un retard considérable mais assumé concernant internet.
“S’il y a un domaine dans lequel je suis marginal, c’est celui-là. Ça me touche et je crois que ça devient incontournable. Mais bon, je n’avais pas Facebook il y a un an. Ma consommation de musique, elle, passe par le streaming, tout simplement parce que je ne sais pas télécharger. C’est plus une question de paresse que de mépris.”

Nous vous proposons de découvrir Better With Butter, extrait de l’album Uncaged, à paraître début mars. Fun fact, le clip qui l’accompagne est signé Louis Garrel, l’acteur préféré des bobos parisiens mélancoliques. Véritable concentré d’énergie jazzy et soul, ce morceau donne un excellent aperçu du style de son auteur, et devrait convaincre sans trop de difficulté. Le choix de l’anglais pour ce morceau, comme pour les autres d’ailleurs, s’est imposé naturellement. “J’ai tout simplement beaucoup de mal avec le français. Je n’y arrive pas, ça ne m’appartient pas. J’adore le français, mais c’est une exigence élitiste qui n’existe pas en anglais. Pour moi le français fonctionne avec les grands auteurs, et moi je n’en suis pas un”.

L’apparente facilité avec laquelle Charles Pasi semble avancer et son humilité ont décidément de quoi énerver.

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L’album Uncaged sortira le 28 février en digital et le 7 mars en physique.

Tournée à partir 18 février, avec un passage au Nouveau Casino le 24 mars.

www.charlespasi.com / Twitter : @charlespasi / Facebook : facebook.com/charlespasi

Crédits photos : (c) Hamza Djenat

Didier Lockwood est l’un des jazzmen français ayant contribué à faire reconnaître l’école de violon jazz française dans le monde. Issu de la génération de Stéphane Grappelli et Jean-Luc Ponty, il est actuellement vice-président du Haut Conseil de l’Education Artistique et Culturelle. Échange autour de son expérience avec le CMDL, l’école de violon et de musiques actuelles qu’il a créée il y a maintenant onze ans en parallèle de sa carrière.

Un peu avant de débuter l’interview, on apprend que Didier Lockwood été mandaté par le ministre de la Culture, Frédéric Mitterrand, pour travailler sur la démocratisation de l’enseignement musical en France, notamment sur les conservatoires. L’occasion d’un échange vivifiant autour d’un certain nombre de questions essentielles pour appréhender les évolutions de l’industrie du disque, et de l’éducation à cette discipline.

“Le ministre m’a mandaté pour cette mission qui consiste à travailler sur les conservatoires et j’ai demandé d’élargir cette mission à l’Éducation Nationale. A cette occasion, un groupe de mission a été constitué avec d’illustres représentants des diverses esthétiques musicales : Jean-Claude Casadesus (chef d’orchestre), Claire Gibault (chef d’orchestre), Michel Jonasz, Manu Katché, Andy Emler (jazz contemporain), Bruno Montovani (compositeur contemporain et nouveau directeur du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris)… Les préconisations sont à rendre en début d’année 2011. A la suite de ce travail et l’acceptation des préconisations par le ministre, un travail approfondi sur les contenus pédagogiques sera engagé. Ces changements devraient toucher le cœur et l’esprit de l’enseignement des arts puisque cette mission, si elle réussit devra s’étendre à l’ensemble des enseignements artistiques.” (Didier Lockwood)

Je propose des préconisations optimales, qui vont dans le sens de la mission dont on m’a chargé. Ce qui est pratique, c’est qu’elles peuvent êtres mises en œuvre progressivement. C’est une réorientation où nous pourrions préconiser le rééquilibrage entre les musiques dites classiques, contemporaines, écrites, et les musiques dites populaires (musiques actuelles, improvisées, traditionnelles, amplifiées…)

C’est une réorientation où nous préconisons la réintroduction des musiques actuelles à la même échelle que les musiques dites “savantes”. Le but étant de faire en sorte que les conservatoires ne soient plus des îlots principalement consacrés à la musique écrite, patrimoniale, musique d’interprétation mais qu’ils puissent s’ouvrir aux techniques d’apprentissage oral et du senti que nous proposent les musiques actuelles et improvisées. Il serait donc possible et souhaitable de repenser à une formation initiale adaptée tel un tronc commun entre les deux apprentissages jusqu’à aujourd’hui distingués.

Dans le souci de préserver un niveau d’excellence, les parcours des élèves permettront de s’engager à partir du deuxième cycle de l’enseignement vers une spécialisation tout en distinguant ceux qui souhaiteraient s’engager dans une voie professionnelle et ceux qui voudraient s’engager dans une voie amateur.

La transversalité qui aura été créée au niveau de la formation initiale permettra à ces élèves de posséder l’ensemble des valeurs dont un musicien a besoin aujourd’hui, au 21ème siècle et devrait permettre aussi de développer et d’élargir les filières professionnelles des musiciens.

Dans le cadre de cette orientation, les pratiques d’ensemble devraient être favorisées et à travers un travail studieux et sérieux, trouver les points d’accroche du plaisir musical.

Cet énorme chantier devrait amener à une restructuration qui pour moi tient plus au rééquilibrage qu’à la remise en cause d’un système. Le souci permanent de nos travaux est de donner à ceux qui sont au cœur du processus (les enseignants) un nouvel élan pour pouvoir peut-être transmettre leur savoir avec une meilleure écoute et un meilleur impact. Tout ceci ne pourra pas se faire sans la prise en compte de la réalité des enseignants et de comment les intégrer dans un nouveau dispositif sans qu’ils s’en sentent rejetés. Tout cela se fera en concertation avec le corps enseignant, sans remise en question de leurs compétences respectives.

Si je suis ma lettre des mission, qui naît un peu de l’exemple de l’Histoire des Arts (obligatoire depuis peu) cette réflexion sur la musique pourrait être la pierre fondamentale d’une remise en question de l’ensemble des enseignements artistiques en France dans un esprit de totale transversalité. Peut-être pourrions-nous penser, à l’instar de l’Histoire des Arts aux “Écoles des Arts”…?

10-15 ans. Il faut considérer cette étape comme une réorientation. Le parc d’enseignants dont nous disposons comporte deux générations différentes, il suffira d’apporter aux uns et aux autres le soutien nécessaire à leur participation à ces éventuelles préconisations.

D’autres points sont abordés par cette mission comme le rôle pédagogique des orchestres symphoniques, se mettre au service de la transmission et de la sensibilisation en déplaçant les orchestres dans les écoles et entreprises mêmes, ce qui se fait déjà beaucoup en Angleterre. Organiser des résidences dans les écoles… plus qu’une mission de représentation, c’est une responsabilité éducative qui est intégrée depuis longtemps dans le cahier des charges de multiples pays européens.

Cela va de soi. Le numérique sera enseigné dès le cycle initial. Dans les cycles spécialisés, ce domaine concernera surtout les musiques actuelles qui utilisent énormément ces supports pour la création autant que pour la promotion.

Lors de la mise en place des contenus des programmes LMD, j’ai fortement insisté sur l’intégration du numérique. En effet, il est indispensable que les cursus classiques s’acclimatent à cet outil, nous sommes d’accord. Ne serait-ce que du point de vue de l’auto-promotion et de l’auto-production.

Les conservatoires commencent à intégrer les musiques improvisées ou actuelles dans leurs section jazz. Nous, au CMDL, essayons de travailler sur un réservoir d’étudiants qui ne soit pas trop important. Ce qui nous importe est d’avoir une relation humaine et qualitative avec les élèves. Nous n’intégrons jamais plus de dix élèves par année par classe. Une cinquantaine d’élèves en tout. Nous n’avons pas de cahier des charges, ce qui nous permet de procéder de la manière que l’on veut. Nous avons une manière extrêmement spécifique d’enseigner et l’on voit en dix ans les résultats que cela a donné. C’est en ce sens qu’il est indispensable que l’on nous accepte dans le cycle de l’enseignement supérieur. Notre statut d’établissement privé nous pose problème quant à cette intégration. Nous essayons de rester dans une réalité populaire. L’aspect élitiste qu’on donne au jazz nous dérange. Réalité populaire ne veut pas dire négliger l’exigence de l’excellence. Populaire n’est pas péjoratif.

Quand on enseigne le jazz comme étant une forme “savante” c’est-à dire dans un format élitiste on néglige les valeurs fondamentales (le groove, la danse, le placement rythmique, l’”entertainement”…) qui font de cette musique un art majeur.

En effet, il ne fallait pas qu’elle réponde au critère de musique populaire qui est un terme péjoratif en France. C’est là que le bât blesse et ce que vous soulevez est très important et il faut le mettre en avant car tout ce qui fait référence à l’enseignement en général, et pas seulement de l’art, tout ce qui fait appel à notre animalité, à nos instincts est mis de côté et éclipsé par l’intellect et le cérébral dans notre système actuel. L’animalité et l’instinct ne sont pas reconnus comme des connaissances ou des sciences alors qu’à mon avis, la reconnaissance ou la connaissance de nos instincts est sûrement la plus grande des sciences. Un certain nombre d’études a été fait sur l’improvisation et elles montrent que les personnes qui font du rythme de manière intuitive – ce que l’on appelle la danse intérieure – travaillent sur des algorithmes très élaborés. L’instinct est notre force la plus véridique. Je pense que notre intelligence et notre intellect sont là pour lire les secrets de notre instinct et le transcender.

Le mot “conservatoire” comporte ce terrible aveu : on sépare l’homme. C’est le romantisme qui a voulu ça. C’est tout à fait contraire au concept de la musique dans sa dimension de langage universel.

Ma première intention était de perpétrer cette école de violon jazz français qui est constituée de Stéphane Grappelli, Michel Warlope, Jean-Luc Ponty, moi-même…

Avant de faire du CMDL une école multi-instrumentale, je voulais profiter de cette génération de violonistes qui sont sortis des sentiers battus et ont constitué un répertoire jazz qui fait désormais partie de notre patrimoine culturel français. Il y a deux pays qui sont représentatifs du violon jazz : la Pologne et la France. Deux cultures de musiques improvisées mais avec des accents différents.

Pourquoi en France, parce que j’ai un problème avec les “Amerloques”. Ils ont tendance à tout s’attribuer. Ils ont toujours pensé que le jazz, c’était les États-Unis et maintenant ils déchantent parce qu’ils s’aperçoivent que les musiciens européens ont du style et produisent pas mal d’œuvres de qualité. Et puis, le patrimoine “violonistique” américain se repose plus sur la culture bluegrass quand en France nous avons une grande école de musique classique (l’école impressionniste, sans oublier que les grands musiciens de jazz Américains sont venus suivre les cours de Nadia Boulanger), ce qui nous donne une technique.

Quand on a une spécificité, autant s’en servir et faire école. J’ai eu beaucoup d’influences de Stéphane Grappelli et Jean-Luc Ponty, donc j’ai décidé d’essayer de perpétuer cette tradition. Depuis onze ans, beaucoup de jeunes sont sortis et nous avons des exemples comme Fiona Monbet, jeune violoniste de 20 ans qui va sortir son premier disque très prochainement et qui est dans ma classe depuis l’âge de 9 ans.

Cela a été très mal accueilli. J’étais déjà un peu incontournable à l’époque dans le sens où j’avais une image d’artiste international. Quand un artiste veut se mêler de l’éducation, on trouve toujours ça un peu suspicieux et dangereux. Une certaine forme de défi et de concurrence parce que je ne voulais pas rentrer dans le moule. J’ai dû faire appel à des appuis politiques. Ils m’ont fait trainer un an avant de m’accorder une petite subvention.

“Pourquoi Didier Lockwood plus qu’un autre” et “on a déjà ce qu’il faut en conservatoires”. C’est un peu comme Alain Prost qui voulait ouvrir son écurie de Formule 1, on lui a mis des bâtons dans les roues.

La situation a évolué dans le sens où j’ai pris la vice présidence du HCEA. Ils ne peuvent pas empêcher mon école d’exister tout en me confiant cette mission.

Il y a du progrès mais je me bats quand même, nous devions rentrer dans le pôle supérieur (le diplôme supérieur…) cette année et ils ont refusé notre dossier.

Nous avons un comité de professeurs qui décide des cours majeurs et le reste est constitué de beaucoup d’intervenants qui sont des musiciens professionnels et actifs. C’est quelque chose sur lequel j’insiste beaucoup. Je ne voulais pas nécessairement de professeurs diplômés. Je veux des artistes qui jouent.

Déjà, l’industrie de la musique est un non-sens. La musique n’est pas une industrie. On parle d’économie culturelle. On ne peut pas faire l’économie de l’art.

Je pense que toute propension à vouloir rentabiliser l’art, le valoriser financièrement, est mauvaise. C’est un point de vue tout à fait personnel mais l’argent pollue l’authenticité.

Attention, l’industrie n’est faite que pour la rentabilité et les artistes qui ont accès à cette industrie dans une intention uniquement mercantile ne font pas le même métier que moi.

Si, évidemment nous l’abordons mais je commence toujours l’année avec mon speech qui rappelle aux élèves qu’ils ne sont pas là pour devenir intermittents du spectacle mais artiste. “Vous n’êtes pas ici pour devenir des participants de l’industrie de la musique mais pour devenir des artistes.” Chez moi, on parle de développement intérieur, de personnalité, de créativité, de passion, de votre entrée en musique et non pas seulement dans les métiers de la musique.

On fait venir des intervenants de la SPEDIDAM, de l’ADAMI, de la SACEM, des juristes spécialisés en droits pour expliquer comment ça marche. Expliquer les mécanisme de l’auto-production. Ce que j’essaye de dire c’est juste que la musique n’a pas pour but d’être rentable, ceux pour qui le but est de rentabiliser la musique ne font pas le même métier que moi, je le répète.

Disons qu’il y a un principe de base qui est erroné. Il est intéressant de constater que les supports on déjà beaucoup changé, le fond donc la forme avec. Il est intéressant de faire une comparaison avec les arts plastiques dont les supports se sont modernisés bien plus rapidement qu’en musique. Et ce parce que le support de la photo a été inventé avant les supports de l’enregistrement. On y pense pas souvent mais c’est ça l’histoire. Si on considère l’encadrement de ce marché de la musique, on se rend compte que les programmateurs radios par exemple, formatent de la diffusion donc le goût des gens. Auparavant nous avions des directeurs artistiques qui sortaient de la musique, aujourd’hui, ce sont des gens formés en école de commerce à qui l’on a affaire.

Ce qui importe dans toute forme artistique, au-delà de l’esthétique et de la forme adaptée à un support, c’est le support d’amour, de sincérité et d’authenticité qui est communiqué.

J’ai vu une fille il y a un an, Zaz et elle est tellement impliquée dans ce qu’elle fait que j’ai su qu’elle ferait un carton. Cette fille chanterait du Pierre Boulez que ce serait toujours aussi sincère, on peut lui reprocher son style mais sa voix et l’intention qu’elle y met est incroyablement transmissible. Je reviens d’une tournée avec Mike Stern (ancien guitariste de Miles Davis), pris entre cette nouvelle esthétique très contemporaine du phrasé, de la mélodie et du blues. Quand il joue, il est authentique parce que sa connaissance harmonique complexe moderne transcende ces extraordinaire phrases bluesy. Les gens vont essayer d’intellectualiser mais quand l’animal est là, c’est tout simplement monstrueux. L’artiste est là et pas autre part. Là est la vrai difficulté.

Peut-être est la différence entre l’artisan et l’artiste. L’artisan va bien faire la chose, l’artiste va au-delà.

L’artiste, c’est celui qui est son art. Son art est une prolongation de lui et ça fait une sacré différence. C’est ce que l’on appelle le charisme, la personnalité. La formation d’un musicien ne s’arrête pas à une formation technique, c’est une formation humaine, psychologique et c’est celle-là qui m’intéresse. Les OS (ouvriers spécialisés) de la double croche ne m’émeuvent pas, ce qui m’intéresse, c’est de sortir la personnalité d’un apprenti musicien. Le style, l’esthétique et la forme viendront tout seul et par la suite.

Le conservatoire pourrait altérer dans sa rigueur et dans sa sacralisation l’expression individuelle de la vie. On met en avant l’œuvre et le répertoire et le musicien doit être au service de cette œuvre alors que c’est l’œuvre qui devrait être au service du musicien. Surtout une œuvre écrite.

Nous avons un partenariat avec les écoles de musique de Sao Paulo et Berkley. Nous sommes l’unique école française à faire partie de ce partenariat. Il partent souvent grâce à des bourses françaises qui sont plus facilement accordées quand l’élève appartient à notre école.

Aujourd’hui, avec les pôles supérieurs, les élèves pourront profiter des Erasmus qui vont permettre à plus d’élèves de partir.

Je n’y sens rien de très personnel. On a eu de la grande création avec Debussy, Ravel, la musique impressionniste, de la grande création avec la chanson française, de la grande création avec le jazz, Django Reinhardt et Grappelli. Toutes ces créations étaient très spécifiques à notre culture.

[Pause, Mike Stern est au téléphone]

Je vais vous répondre en vous lisant un extrait du livre que j’espère sortir prochainement. C’est l’histoire d’un homme qui était trader dans une première vie et qui devient ensuite artiste photographe. L’extrait que je vous lis se situe au purgatoire et il répond à la question dans le chapitre Qu’est ce que l’art selon toi?

“[...]L’artiste comme le chercheur sont des visionnaires. Combien d’œuvres d’art furent en ce sens prémonitoires. Ceux qui travaillent dans cette démarche particulière de la pensée, de la recherche, devraient être éclaireurs de l’humanité. Ils pourraient peut-être nous indiquer un chemin moins long et moins chaotique, celui du bonheur. Malheureusement, le monde est bien trop souvent dirigé par des hommes dénués de vision humaniste, des mono maniaques du pouvoir terrestre.[...]

Le charisme de l’artiste est une des clés essentielles de sa communication. Un artiste qui en est empreint capte l’attention. Il est en quelque sorte un Merlin l’enchanteur. Son regard, son port, sa manière de se déplacer, sa voix vont définir ses notions de différence, d’extraordinaire de sensationnel que le public est venu chercher. L’artiste va y laisser sa chaire, son énergie pour se régénérer ensuite par la force du regard de l’autre et de ses applaudissements, de ses remerciements comme un effets de miroir. Alors seulement, il se sent exister et malheureusement souvent, sur exister.[...]

L’art est l’outil universel de cette communication car il nous interroge. Cela signifie-t-il que l’artiste doive adapter son œuvre pour la rendre plus accessible? Il me paraît plus juste de penser que c’est dans la volonté de donner, la charge d’amour à communiquer ou la sincérité du geste qui fondent la réussite de ce processus et cela se fait dans les deux sens. La responsabilité première en incombant bien sur à l’artiste. Celui-ci est porteur de l’objet à communiquer, il doit être lui-même soumis à la grandeur de sa mission sans toute fois devoir la sacraliser. Ce n’est pas son œuvre qu’il va offrir mais celle d’un ailleurs, qui se place entre son monde et celui du public. Réciproquement, le public, pourra, à travers le hiatus faire naître son propre ailleurs et s’y évader. Oui, c’est cela, s’évader[...]c’est le rêve qui permet aux fragments d’esprits de s’évader au-delà de notre cécité.[...]

Nous ne pouvons faire l’économie de l’art. Alors pourquoi, comme le proposait Nicolas Sarkozy dans l’esprit de la loi HADOPI, sur la protection des droits d’auteurs, vouloir lui adapter une économie spécifique?[...]

Si quelqu’un doit rémunérer l’artiste au cours du processus des services et échanges internet, ce sont les serveurs, car ces plateformes apportent aux internautes les moyens technologiques de pratiquer le libre échange, service qu’il font payer au prix fort tout en favorisant le piratage. Tant que ces serveurs n’auront pas trouvé les protocoles techniques permettant de protéger les œuvres du pillage, ils devraient s’acquitter des droits comme cela se fait depuis des décennies dans l’audiovisuel, tout comme ceux qui se cachent derrière les mots art et culture à des fins mercantiles devraient apporter leur contribution.

On pourrait alors imaginer que l’argent collecté soit équitablement réparti entre les artistes de cette industrie culturelle et ceux qui en sont systématiquement écartés. Ceci permettrait en toute solidarité à la création de s’épanouir et aux jeunes créateurs d’obtenir des subsides sous forme de commande mais aussi et surtout générer un support à l’éducation artistique pour tous. Car une bonne création nécessite un bon public.

Un système de calcul des rémunérations adapté pourrait ainsi être mis au point. Si l’art perdait ainsi de sa surévaluation financière, nous pourrions voir réapparaitre au service de la communauté des courants artistiques plus libérés s’exprimant dans une éthique conforme à ce que toute expression artistique authentique requiert mais cette solution serait un pis-aller car là où il y a de l’argent, il y a la plupart du temps absence de solidarité, d’humanité, d’intelligence. La problématique est complexe parce que la perception de l’art est subjective, immatérielle.”

La création n’existe pas pour moi. On découvre et on fait des assemblages.

Le financement de l’éducation et de la création devrait donc venir de ceux qui permettent la diffusion de la musique et ceux qui ne travaillent que pour l’industrie musicale. Par exemple, si je générais des droits, je serai taxé comme tous les autres. Un pourcentage serait prélevé aux artistes générant des droits. Moi, Beyoncé, ou Pierre Boulez.

Si nous souhaitons que l’art puisse rester dans son qualitatif un outil d’éveil des consciences, que ceux qui ne vont pas dans ce sens là, qui se servent de la musique comme un outil de manipulation des masses pour que ce soit rémunérateurs de droits, financent l’éducation des publics et artistes dont ils profitent. On sait très bien comment ça se passe dans le système de consommation.

On sait très bien qu’aujourd’hui, toutes les musiques qui sont des musiques de création, de recherche, d’expérimentation ne sont pas dans l’industrie, elles ne génèrent aucun droit puisqu’elles ne sont pas diffusées.

Le fait de former des publics au goût ferait que la musique “industrielle” devrait aussi monter son niveau puisque l’exigence du public s’élèverait elle aussi.

Une redistribution plus équitable pour l’éducation des publics, un maintien de la qualité de la musique et un support à la création. Une philosophie totalement anti-libérale.

Si l’on n’a pas l’éducation pour recevoir et l’écouter la musique sophistiquée et riche, eh bien on zappe.

Tel que je le vois aujourd’hui, on retourne à des formes primitives. Être idéaliste c’est dire ce qui serait le meilleur pour tel ou telle chose. La question est donc: qu’est-ce qui ferait en sorte de favoriser l’art pour qu’il puisse grandir? L’art ne peut grandir que si les gens à qui il s’adresse grandissent.

Nicolas Sarkozy dit qu’il faut protéger la création mais encore faudrait-il se mettre d’accord sur ce qu’est la création. Après ces bonnes paroles, il protège l’industrie musicale. Mais pour dire la vérité, il ne peut pas faire les deux. On ne peut pas protéger l’industrie musicale et la création.

C’est un problème. L’argent “valorise” tout sauf les valeurs universelles. C’est à dire que pour de l’argent, on va sacrifier de la vie humaine. Pour de l’argent, on va sacrifier de l’intelligence. Avec l’argent on maintient l’homme dans l’ignorance pour mieux le manipuler.

Quand je reçois l’ancien patron d’une grande chaine de télévision au Haut Conseil et qu’il me dit: “oui, je manipule les cerveaux car je suis une entreprise, pas une entreprise philanthropique”, ça veut donc dire que la loi du marché passe avant tout. Et si elle passe avant tout, ça veut dire qu’une société ne peut pas fonctionner en adéquation avec des valeurs humanistes.

Internet, c’est une vraie bouée de sauvetage. Puisque c’est quelque chose qui se passe d’internautes à internautes, il n’y a plus de filtre! Sauf qu’il se prépare actuellement une réelle guerre sur les protocoles de possession des filtres. Et là, les politiques émettront des lois restrictives telle HADOPI pour pouvoir contrôler le marché, faire passer leurs pubs et leurs humeurs. Il y aura guerre parce qu’il y aura une révolte. Les internautes sont, on le sait, bien plus rapides et efficaces que les équipes engagée par les gouvernements et la guerre risque d’être violente. Les protocoles techniques que les politiques tentent de mettre en place sont tout de suite déjoués par n’importe quel hacker. Tout est immédiatement piraté, c’est un jeu d’enfant pour les hacker.

Dès que les politiques touchent à cet espace de liberté, il y a tout de suite de gros remous. HADOPI représente un nerf de cette guerre qui est loin d’être terminée.

Je ne suis effectivement pas pour HADOPI pour toutes les raisons évoquées précédemment.

Mon devoir à moi, quand je suis au conseil est de tenter de sauvegarder la pratique artistique et plus encore d’encourager la formation du public. Le seul moyen est de toujours revenir sur la base de la réflexion: qu’est-ce que l’art? L’art ne doit en tout cas pas être un outil d’asservissement mais un véhicule d’élévation.

La plupart des gens veulent faire de la musique pour être riche et célèbre. Pourquoi pas, mais n’appelons pas ça nécessairement de l’art mais simplement un besoin de reconnaissance.

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Crédits photos : FlickR CC Guillaume Laurent

Avant l’interview, Didier Lockwood confie qu’il travaille actuellement sur un projet intéressant. La surprise est de taille, puisqu’on apprend qu’il a été mandaté par le ministre de la Culture, Frédéric Mitterrand, pour travailler sur la démocratisation de l’enseignement musical en France, notamment sur les conservatoires.

“Le ministre m’a mandaté pour cette mission qui consiste à travailler sur les conservatoires et j’ai demandé d’élargir cette mission à l’Education Nationale. A cette occasion, un groupe de mission a été constitué avec d’illustres représentants des diverses esthétiques musicales : Jean-Claude Casadesus (chef d’orchestre), Claire Gibault (chef d’orchestre), Michel Jonasz, Manu Katché, Andy Emler (jazz contemporain), Bruno Montovani (compositeur contemporain et nouveau directeur du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris)… Les préconisations sont à rendre en début d’année 2011. A la suite de ce travail et l’acceptation des préconisations par le ministre, un travail approfondi sur les contenus pédagogiques sera engagé. Ces changements devraient toucher le cœur et l’esprit de l’enseignement des arts puisque cette mission, si elle réussit devra s’étendre à l’ensemble des enseignements artistiques.” (Didier Lockwood)

Je propose des préconisations optimales, qui vont dans le sens de la mission dont on m’a chargé. Ce qui est pratique, c’est qu’elles peuvent êtres mises en œuvre progressivement. C’est une réorientation où nous pourrions préconiser le rééquilibrage entre les musiques dites classiques, contemporaines, écrites, et les musiques dites populaires (musiques actuelles, improvisées, traditionnelles, amplifiées…)

C’est une réorientation où nous préconisons la réintroduction des musiques actuelles à la même échelle que les musiques dites “savantes”. Le but étant de faire en sorte que les conservatoires ne soient plus des îlots principalement consacrés à la musique écrite, patrimoniale, musique d’interprétation mais qu’ils puissent s’ouvrir aux techniques d’apprentissage oral et du senti que nous proposent les musiques actuelles et improvisées. Il serait donc possible et souhaitable de repenser à une formation initiale adaptée tel un tronc commun entre les deux apprentissages jusqu’à aujourd’hui distingués.

Dans le souci de préserver un niveau d’excellence, les parcours des élèves permettront de s’engager à partir du deuxième cycle de l’enseignement vers une spécialisation tout en distinguant ceux qui souhaiteraient s’engager dans une voie professionnelle et ceux qui voudraient s’engager dans une voie amateur.

La transversalité qui aura été créée au niveau de la formation initiale permettra à ces élèves de posséder l’ensemble des valeurs dont un musicien a besoin aujourd’hui, au 21ème siècle et devrait permettre aussi de développer et d’élargir les filières professionnelles des musiciens.

Dans le cadre de cette orientation, les pratiques d’ensemble devraient être favorisées et à travers un travail studieux et sérieux, trouver les points d’accroche du plaisir musical.

Cet énorme chantier devrait amener à une restructuration qui pour moi tient plus au rééquilibrage qu’à la remise en cause d’un système. Le souci permanent de nos travaux est de donner à ceux qui sont au cœur du processus (les enseignants) un nouvel élan pour pouvoir peut-être transmettre leur savoir avec une meilleure écoute et un meilleur impact. Tout ceci ne pourra pas se faire sans la prise en compte de la réalité des enseignants et de comment les intégrer dans un nouveau dispositif sans qu’ils s’en sentent rejetés. Tout cela se fera en concertation avec le corps enseignant, sans remise en question de leurs compétences respectives.

Si je suis ma lettre des mission, qui naît un peu de l’exemple de l’Histoire des Arts (obligatoire depuis peu) cette réflexion sur la musique pourrait être la pierre fondamentale d’une remise en question de l’ensemble des enseignements artistiques en France dans un esprit de totale transversalité. Peut-être pourrions-nous penser, à l’instar de l’Histoire des Arts aux “Écoles des Arts”…?

10-15 ans. Il faut considérer cette étape comme une réorientation. Le parc d’enseignants dont nous disposons comporte deux générations différentes, il suffira d’apporter aux uns et aux autres le soutien nécessaire à leur participation à ces éventuelles préconisations.

D’autres points sont abordés par cette mission comme le rôle pédagogique des orchestres symphoniques, se mettre au service de la transmission et de la sensibilisation en déplaçant les orchestres dans les écoles et entreprises mêmes, ce qui se fait déjà beaucoup en Angleterre. Organiser des résidences dans les écoles… plus qu’une mission de représentation, c’est une responsabilité éducative qui est intégrée depuis longtemps dans le cahier des charges de multiples pays européens.

Cela va de soi. Le numérique sera enseigné dès le cycle initial. Dans les cycles spécialisés, ce domaine concernera surtout les musiques actuelles qui utilisent énormément ces supports pour la création autant que pour la promotion.

Lors de la mise en place des contenus des programmes LMD, j’ai fortement insisté sur l’intégration du numérique. En effet, il est indispensable que les cursus classiques s’acclimatent à cet outil, nous sommes d’accord. Ne serait-ce que du point de vue de l’auto-promotion et de l’auto-production.

Les conservatoires commencent à intégrer les musiques improvisées ou actuelles dans leurs section jazz. Nous, au CMDL, essayons de travailler sur un réservoir d’étudiants qui ne soit pas trop important. Ce qui nous importe est d’avoir une relation humaine et qualitative avec les élèves. Nous n’intégrons jamais plus de dix élèves par année par classe. Une cinquantaine d’élèves en tout. Nous n’avons pas de cahier des charges, ce qui nous permet de procéder de la manière que l’on veut. Nous avons une manière extrêmement spécifique d’enseigner et l’on voit en dix ans les résultats que cela a donné. C’est en ce sens qu’il est indispensable que l’on nous accepte dans le cycle de l’enseignement supérieur. Notre statut d’établissement privé nous pose problème quant à cette intégration. Nous essayons de rester dans une réalité populaire. L’aspect élitiste qu’on donne au jazz nous dérange. Réalité populaire ne veut pas dire négliger l’exigence de l’excellence. Populaire n’est pas péjoratif.

Quand on enseigne le jazz comme étant une forme “savante” c’est-à dire dans un format élitiste on néglige les valeurs fondamentales (le groove, la danse, le placement rythmique, l’”entertainement”…) qui font de cette musique un art majeur.

En effet, il ne fallait pas qu’elle réponde au critère de musique populaire qui est un terme péjoratif en France. C’est là que le bât blesse et ce que vous soulevez est très important et il faut le mettre en avant car tout ce qui fait référence à l’enseignement en général, et pas seulement de l’art, tout ce qui fait appel à notre animalité, à nos instincts est mis de côté et éclipsé par l’intellect et le cérébral dans notre système actuel. L’animalité et l’instinct ne sont pas reconnus comme des connaissances ou des sciences alors qu’à mon avis, la reconnaissance ou la connaissance de nos instincts est sûrement la plus grande des sciences. Un certain nombre d’études a été fait sur l’improvisation et elles montrent que les personnes qui font du rythme de manière intuitive – ce que l’on appelle la danse intérieure – travaillent sur des algorithmes très élaborés. L’instinct est notre force la plus véridique. Je pense que notre intelligence et notre intellect sont là pour lire les secrets de notre instinct et le transcender.

Le mot “conservatoire” comporte ce terrible aveu : on sépare l’homme. C’est le romantisme qui a voulu ça. C’est tout à fait contraire au concept de la musique dans sa dimension de langage universel.

Ma première intention était de perpétrer cette école de violon jazz français qui est constituée de Stéphane Grappelli, Michel Warlope, Jean-Luc Ponty, moi-même…

Avant de faire du CMDL une école multi-instrumentale, je voulais profiter de cette génération de violonistes qui sont sortis des sentiers battus et ont constitué un répertoire jazz qui fait désormais partie de notre patrimoine culturel français. Il y a deux pays qui sont représentatifs du violon jazz : la Pologne et la France. Deux cultures de musiques improvisées mais avec des accents différents.

Pourquoi en France, parce que j’ai un problème avec les “Amerloques”. Ils ont tendance à tout s’attribuer. Ils ont toujours pensé que le jazz, c’était les États-Unis et maintenant ils déchantent parce qu’ils s’aperçoivent que les musiciens européens ont du style et produisent pas mal d’œuvres de qualité. Et puis, le patrimoine “violonistique” américain se repose plus sur la culture bluegrass quand en France nous avons une grande école de musique classique (l’école impressionniste, sans oublier que les grands musiciens de jazz Américains sont venus suivre les cours de Nadia Boulanger), ce qui nous donne une technique.

Quand on a une spécificité, autant s’en servir et faire école. J’ai eu beaucoup d’influences de Stéphane Grappelli et Jean-Luc Ponty, donc j’ai décidé d’essayer de perpétuer cette tradition. Depuis onze ans, beaucoup de jeunes sont sortis et nous avons des exemples comme Fiona Monbet, jeune violoniste de 20 ans qui va sortir son premier disque très prochainement et qui est dans ma classe depuis l’âge de 9 ans.

Cela a été très mal accueilli. J’étais déjà un peu incontournable à l’époque dans le sens où j’avais une image d’artiste international. Quand un artiste veut se mêler de l’éducation, on trouve toujours ça un peu suspicieux et dangereux. Une certaine forme de défi et de concurrence parce que je ne voulais pas rentrer dans le moule. J’ai dû faire appel à des appuis politiques. Ils m’ont fait trainer un an avant de m’accorder une petite subvention.

“Pourquoi Didier Lockwood plus qu’un autre” et “on a déjà ce qu’il faut en conservatoires”. C’est un peu comme Alain Prost qui voulait ouvrir son écurie de Formule 1, on lui a mis des bâtons dans les roues.

La situation a évolué dans le sens où j’ai pris la vice présidence du HCEA. Ils ne peuvent pas empêcher mon école d’exister tout en me confiant cette mission.

Il y a du progrès mais je me bats quand même, nous devions rentrer dans le pôle supérieur (le diplôme supérieur…) cette année et ils ont refusé notre dossier.

Nous avons un comité de professeurs qui décide des cours majeurs et le reste est constitué de beaucoup d’intervenants qui sont des musiciens professionnels et actifs. C’est quelque chose sur lequel j’insiste beaucoup. Je ne voulais pas nécessairement de professeurs diplômés. Je veux des artistes qui jouent.

Déjà, l’industrie de la musique est un non-sens. La musique n’est pas une industrie. On parle d’économie culturelle. On ne peut pas faire l’économie de l’art.

Je pense que toute propension à vouloir rentabiliser l’art, le valoriser financièrement, est mauvaise. C’est un point de vue tout à fait personnel mais l’argent pollue l’authenticité.

Attention, l’industrie n’est faite que pour la rentabilité et les artistes qui ont accès à cette industrie dans une intention uniquement mercantile ne font pas le même métier que moi.

Si, évidemment nous l’abordons mais je commence toujours l’année avec mon speech qui rappelle aux élèves qu’ils ne sont pas là pour devenir intermittents du spectacle mais artiste. “Vous n’êtes pas ici pour devenir des participants de l’industrie de la musique mais pour devenir des artistes.” Chez moi, on parle de développement intérieur, de personnalité, de créativité, de passion, de votre entrée en musique et non pas seulement dans les métiers de la musique.

On fait venir des intervenants de la SPEDIDAM, de l’ADAMI, de la SACEM, des juristes spécialisés en droits pour expliquer comment ça marche. Expliquer les mécanisme de l’auto-production. Ce que j’essaye de dire c’est juste que la musique n’a pas pour but d’être rentable, ceux pour qui le but est de rentabiliser la musique ne font pas le même métier que moi, je le répète.

Disons qu’il y a un principe de base qui est erroné. Il est intéressant de constater que les supports on déjà beaucoup changé, le fond donc la forme avec. Il est intéressant de faire une comparaison avec les arts plastiques dont les supports se sont modernisés bien plus rapidement qu’en musique. Et ce parce que le support de la photo a été inventé avant les supports de l’enregistrement. On y pense pas souvent mais c’est ça l’histoire. Si on considère l’encadrement de ce marché de la musique, on se rend compte que les programmateurs radios par exemple, formatent de la diffusion donc le goût des gens. Auparavant nous avions des directeurs artistiques qui sortaient de la musique, aujourd’hui, ce sont des gens formés en école de commerce à qui l’on a affaire.

Ce qui importe dans toute forme artistique, au-delà de l’esthétique et de la forme adaptée à un support, c’est le support d’amour, de sincérité et d’authenticité qui est communiqué.

J’ai vu une fille il y a un an, Zaz et elle est tellement impliquée dans ce qu’elle fait que j’ai su qu’elle ferait un carton. Cette fille chanterait du Pierre Boulez que ce serait toujours aussi sincère, on peut lui reprocher son style mais sa voix et l’intention qu’elle y met est incroyablement transmissible. Je reviens d’une tournée avec Mike Stern (ancien guitariste de Miles Davis), pris entre cette nouvelle esthétique très contemporaine du phrasé, de la mélodie et du blues. Quand il joue, il est authentique parce que sa connaissance harmonique complexe moderne transcende ces extraordinaire phrases bluesy. Les gens vont essayer d’intellectualiser mais quand l’animal est là, c’est tout simplement monstrueux. L’artiste est là et pas autre part. Là est la vrai difficulté.

Peut-être est la différence entre l’artisan et l’artiste. L’artisan va bien faire la chose, l’artiste va au-delà.

L’artiste, c’est celui qui est son art. Son art est une prolongation de lui et ça fait une sacré différence. C’est ce que l’on appelle le charisme, la personnalité. La formation d’un musicien ne s’arrête pas à une formation technique, c’est une formation humaine, psychologique et c’est celle-là qui m’intéresse. Les OS (ouvriers spécialisés) de la double croche ne m’émeuvent pas, ce qui m’intéresse, c’est de sortir la personnalité d’un apprenti musicien. Le style, l’esthétique et la forme viendront tout seul et par la suite.

Le conservatoire pourrait altérer dans sa rigueur et dans sa sacralisation l’expression individuelle de la vie. On met en avant l’œuvre et le répertoire et le musicien doit être au service de cette œuvre alors que c’est l’œuvre qui devrait être au service du musicien. Surtout une œuvre écrite.

Nous avons un partenariat avec les écoles de musique de Sao Paulo et Berkley. Nous sommes l’unique école française à faire partie de ce partenariat. Il partent souvent grâce à des bourses françaises qui sont plus facilement accordées quand l’élève appartient à notre école.

Aujourd’hui, avec les pôles supérieurs, les élèves pourront profiter des Erasmus qui vont permettre à plus d’élèves de partir.

Je n’y sens rien de très personnel. On a eu de la grande création avec Debussy, Ravel, la musique impressionniste, de la grande création avec la chanson française, de la grande création avec le jazz, Django Reinhardt et Grappelli. Toutes ces créations étaient très spécifiques à notre culture.

[Pause, Mike Stern est au téléphone]

Je vais vous répondre en vous lisant un extrait du livre que j’espère sortir prochainement. C’est l’histoire d’un homme qui était trader dans une première vie et qui devient ensuite artiste photographe. L’extrait que je vous lis se situe au purgatoire et il répond à la question dans le chapitre Qu’est ce que l’art selon toi?

“[...]L’artiste comme le chercheur sont des visionnaires. Combien d’œuvres d’art furent en ce sens prémonitoires. Ceux qui travaillent dans cette démarche particulière de la pensée, de la recherche, devraient être éclaireurs de l’humanité. Ils pourraient peut-être nous indiquer un chemin moins long et moins chaotique, celui du bonheur. Malheureusement, le monde est bien trop souvent dirigé par des hommes dénués de vision humaniste, des mono maniaques du pouvoir terrestre.[...]

Le charisme de l’artiste est une des clés essentielles de sa communication. Un artiste qui en est empreint capte l’attention. Il est en quelque sorte un Merlin l’enchanteur. Son regard, son port, sa manière de se déplacer, sa voix vont définir ses notions de différence, d’extraordinaire de sensationnel que le public est venu chercher. L’artiste va y laisser sa chaire, son énergie pour se régénérer ensuite par la force du regard de l’autre et de ses applaudissements, de ses remerciements comme un effets de miroir. Alors seulement, il se sent exister et malheureusement souvent, sur exister.[...]

L’art est l’outil universel de cette communication car il nous interroge. Cela signifie-t-il que l’artiste doive adapter son œuvre pour la rendre plus accessible? Il me paraît plus juste de penser que c’est dans la volonté de donner, la charge d’amour à communiquer ou la sincérité du geste qui fondent la réussite de ce processus et cela se fait dans les deux sens. La responsabilité première en incombant bien sur à l’artiste. Celui-ci est porteur de l’objet à communiquer, il doit être lui-même soumis à la grandeur de sa mission sans toute fois devoir la sacraliser. Ce n’est pas son œuvre qu’il va offrir mais celle d’un ailleurs, qui se place entre son monde et celui du public. Réciproquement, le public, pourra, à travers le hiatus faire naître son propre ailleurs et s’y évader. Oui, c’est cela, s’évader[...]c’est le rêve qui permet aux fragments d’esprits de s’évader au-delà de notre cécité.[...]

Nous ne pouvons faire l’économie de l’art. Alors pourquoi, comme le proposait Nicolas Sarkozy dans l’esprit de la loi HADOPI, sur la protection des droits d’auteurs, vouloir lui adapter une économie spécifique?[...]

Si quelqu’un doit rémunérer l’artiste au cours du processus des services et échanges internet, ce sont les serveurs, car ces plateformes apportent aux internautes les moyens technologiques de pratiquer le libre échange, service qu’il font payer au prix fort tout en favorisant le piratage. Tant que ces serveurs n’auront pas trouvé les protocoles techniques permettant de protéger les œuvres du pillage, ils devraient s’acquitter des droits comme cela se fait depuis des décennies dans l’audiovisuel, tout comme ceux qui se cachent derrière les mots art et culture à des fins mercantiles devraient apporter leur contribution.

On pourrait alors imaginer que l’argent collecté soit équitablement réparti entre les artistes de cette industrie culturelle et ceux qui en sont systématiquement écartés. Ceci permettrait en toute solidarité à la création de s’épanouir et aux jeunes créateurs d’obtenir des subsides sous forme de commande mais aussi et surtout générer un support à l’éducation artistique pour tous. Car une bonne création nécessite un bon public.

Un système de calcul des rémunérations adapté pourrait ainsi être mis au point. Si l’art perdait ainsi de sa surévaluation financière, nous pourrions voir réapparaitre au service de la communauté des courants artistiques plus libérés s’exprimant dans une éthique conforme à ce que toute expression artistique authentique requiert mais cette solution serait un pis-aller car là où il y a de l’argent, il y a la plupart du temps absence de solidarité, d’humanité, d’intelligence. La problématique est complexe parce que la perception de l’art est subjective, immatérielle.”

La création n’existe pas pour moi. On découvre et on fait des assemblages.

Le financement de l’éducation et de la création devrait donc venir de ceux qui permettent la diffusion de la musique et ceux qui ne travaillent que pour l’industrie musicale. Par exemple, si je générais des droits, je serai taxé comme tous les autres. Un pourcentage serait prélevé aux artistes générant des droits. Moi, Beyoncé, ou Pierre Boulez.

Si nous souhaitons que l’art puisse rester dans son qualitatif un outil d’éveil des consciences, que ceux qui ne vont pas dans ce sens là, qui se servent de la musique comme un outil de manipulation des masses pour que ce soit rémunérateurs de droits, financent l’éducation des publics et artistes dont ils profitent. On sait très bien comment ça se passe dans le système de consommation.

On sait très bien qu’aujourd’hui, toutes les musiques qui sont des musiques de création, de recherche, d’expérimentation ne sont pas dans l’industrie, elles ne génèrent aucun droit puisqu’elles ne sont pas diffusées.

Le fait de former des publics au goût ferait que la musique “industrielle” devrait aussi monter son niveau puisque l’exigence du public s’élèverait elle aussi.

Une redistribution plus équitable pour l’éducation des publics, un maintien de la qualité de la musique et un support à la création. Une philosophie totalement anti-libérale.

Si l’on n’a pas l’éducation pour recevoir et l’écouter la musique sophistiquée et riche, eh bien on zappe.

Tel que je le vois aujourd’hui, on retourne à des formes primitives. Être idéaliste c’est dire ce qui serait le meilleur pour tel ou telle chose. La question est donc: qu’est-ce qui ferait en sorte de favoriser l’art pour qu’il puisse grandir? L’art ne peut grandir que si les gens à qui il s’adresse grandissent.

Nicolas Sarkozy dit qu’il faut protéger la création mais encore faudrait-il se mettre d’accord sur ce qu’est la création. Après ces bonnes paroles, il protège l’industrie musicale. Mais pour dire la vérité, il ne peut pas faire les deux. On ne peut pas protéger l’industrie musicale et la création.

C’est un problème. L’argent “valorise” tout sauf les valeurs universelles. C’est à dire que pour de l’argent, on va sacrifier de la vie humaine. Pour de l’argent, on va sacrifier de l’intelligence. Avec l’argent on maintient l’homme dans l’ignorance pour mieux le manipuler.

Quand je reçois l’ancien patron d’une grande chaine de télévision au Haut Conseil et qu’il me dit: “oui, je manipule les cerveaux car je suis une entreprise, pas une entreprise philanthropique”, ça veut donc dire que la loi du marché passe avant tout. Et si elle passe avant tout, ça veut dire qu’une société ne peut pas fonctionner en adéquation avec des valeurs humanistes.

Internet, c’est une vraie bouée de sauvetage. Puisque c’est quelque chose qui se passe d’internautes à internautes, il n’y a plus de filtre! Sauf qu’il se prépare actuellement une réelle guerre sur les protocoles de possession des filtres. Et là, les politiques émettront des lois restrictives telle HADOPI pour pouvoir contrôler le marché, faire passer leurs pubs et leurs humeurs. Il y aura guerre parce qu’il y aura une révolte. Les internautes sont, on le sait, bien plus rapides et efficaces que les équipes engagée par les gouvernements et la guerre risque d’être violente. Les protocoles techniques que les politiques tentent de mettre en place sont tout de suite déjoués par n’importe quel hacker. Tout est immédiatement piraté, c’est un jeu d’enfant pour les hacker.

Dès que les politiques touchent à cet espace de liberté, il y a tout de suite de gros remous. HADOPI représente un nerf de cette guerre qui est loin d’être terminée.

Je ne suis effectivement pas pour HADOPI pour toutes les raisons évoquées précédemment.

Mon devoir à moi, quand je suis au conseil est de tenter de sauvegarder la pratique artistique et plus encore d’encourager la formation du public. Le seul moyen est de toujours revenir sur la base de la réflexion: qu’est-ce que l’art? L’art ne doit en tout cas pas être un outil d’asservissement mais un véhicule d’élévation.

La plupart des gens veulent faire de la musique pour être riche et célèbre. Pourquoi pas, mais n’appelons pas ça nécessairement de l’art mais simplement un besoin de reconnaissance.

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Crédits photos : FlickR CC Guillaume Laurent;

Christian Scott, 27 ans, est très certainement le trompettiste de jazz le plus brillant aujourd’hui. Neveu du saxophoniste Donald Harrison, très ancré dans la tradition du jazz de la Nouvelle-Orléans, il dépasse toutes les barrières que de simples critiques pourraient mettre sur son chemin. Quand il parle de ses musiciens de référence, c’est plus souvent Bob Dylan et Jimi Hendrix qui reviennent qu’un classique Miles Davis. Ce qui ne l’a pas empêché d’être appelé par Marcus Miller pour “jouer le rôle” de celui qui régna sur le monde de la trompette pendant 30 ans, pour la tournée “Tutu revisited”, en 2009. Depuis, Christian Scott a sorti son quatrième album solo, Yesterday you said tomorrow, et a encore fait un pas supplémentaire pour sortir de l’ombre de celui auquel on ne cesse de le comparer. En 2010, en plus d’un album et de deux tournées avec son groupe, le jeune homme a pris le temps de répondre à l’invitation de Thom Yorke à le rejoindre sur la tournée d’Atoms For Peace. Le leader de Radiohead dont il a d’ailleurs repris un des titres, The Eraser, comme pour affirmer qu’il n’avait pas fini de nous surprendre. Il se balade du jazz, aux sons hip hop, en passant par le rock avec une étonnante simplicité.
Christian Scott est un garçon moderne, simple et gentil, militant, passionné de mode et de hip hop et assez populaire pour passer chez Jimmy Fallon ou Jimmy Kimmel. Il a par ailleurs directement inspiré un des personnages de la série Treme, Delmond Lambreaux, et a donné des cours à Mickey Rourke pour son interprétation d’un trompettiste dans Passion play. Il ne s’arrête jamais d’être passionné, quoi qu’il fasse, même une interview.

Ça ne me pose pas de problème. Pour moi, la musique est une expérience que je partage avec les gens ; il y a une relation entre l’ artiste et le public. Si on ne vivait pas dans une société dans laquelle l’ argent était aussi important, je la diffuserais gratuitement. Mais c’ est compliqué si on veut réussir à vivre de sa musique, et c’ est pour ça qu’on est presque tous obligés de faire payer pour les CD et les téléchargements. Mais le téléchargement illégal ne me pose vraiment pas de problème, je vois même ça comme une sorte de relation amoureuse.
Quand tu sors avec quelqu’un, tu ne vas pas lui demander de l’ argent en échange de ce que tu apportes à la relation, il ne devrait pas payer pour sortir avec toi, tu vois ce que je veux dire ?
Pour moi, la musique, c’ est la même chose. En plus je suis du genre à filer pas mal de musique gratos. J’ ai des coupons de téléchargement dans mon sac, qu’ on offre à la fin des concerts. C’est pas une question de business ou de capitalisme, on fait ça pour toucher les gens. Pour moi le problème c’ est que les maisons de disques ne comprennent pas la psyché humaine. Quand l’ Homme a besoin de quelque chose, si tu lui compliques la tâche, il finira toujours par trouver un autre moyen de se le procurer. Je vais faire un parallèle : si tu es pauvre, tu aurais beau être très religieux, très pieux, à la fin de la journée si tu as faim mais que tu n’as pas les moyens d’acheter à manger, tu finirais probablement par voler ta nourriture.
Plein de gens vont te dire que c’est des conneries, mais j’ai grandi à la Nouvelle-Orléans et quand tu as vu les choses que j’ ai vues, tu sais que si un mec a faim, il va faire tout pour manger. C’ est pareil avec la musique, les gens en ont besoin pour leur santé mentale. Ça n’ est pas juste du bruit, ça touche bien plus qu’ on ne le pense. C’est pour ça qu’on se sent d’une certaine manière quand on écoute certaines chansons, tout ça est connecté. Et si tu prives quelqu’un de ce dont il a besoin, ou de ce dont il pense avoir besoin pour survivre, il va trouver un moyen de se le procurer.

Je viens de voir « The Social Network » et il y a ce type, Sean Parker, qui a créé Napster et qui raconte comment il a détruit l’ industrie de la musique. C’ est intéressant parce que pour moi, ce film montre l’anarchie à échelle réduite. J’ai l’impression que tout ce qui se passe aujourd’hui avec le téléchargement et l’ évolution de l’ industrie musicale, ça a mis un peu tout le monde sur un pied d’égalité. Ça a permis à des groupes qui ne sont pas signés chez de grandes maisons de disques ou qui ne sont pas assez « commerciaux » pour un comptable ou un label, de contribuer au « canon » de cette génération de musiciens. Et grâce à ça, le paysage musical aujourd’hui est plus étendu que jamais.
Je suis chez une major mais je suis un musicien de jazz, donc j’ ai une sorte de vision d’ensemble du sujet. Ma musique est plus proche de l’indie, en fait. Je vous parie ma carrière que l’industrie musicale ne restera pas comme elle est aujourd’hui ; elle va changer, et de manière radicale. De toute façon, ces grandes maisons de disques ont beaucoup d’argent et de ressources, et je pense qu’ elle finiront par trouver un autre moyen de manipuler les artistes et de se faire de l’ argent en abusant des gens. Ça craint et je n’approuve pas cette manière de faire, mais en même temps je comprends leur mode de pensée. Ils se fichent des conséquences de leurs actes, et ils n’ont aucune espèce de morale dans la manière dont ils traitent les artistes et les auditeurs. Ces gens-là qui détiennent des millions de dollars vont trouver un moyen d’empêcher leurs artistes de partir.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Oui, carrément. En fait je suis en train de monter un nouveau label, Harmony American Music, sur lequel on va sortir les disque de Matthew Stevens, le guitariste de mon groupe, de Jamire Williams, mon batteur, de quelques MC de New-York, et de chanteurs soul. En ce moment on est en train de réfléchir au processus de distribution, mais ouais, ça me plairait de faire quelque chose comme ça. C’ est génial pour la musique en général de dire : « Tiens, prends, et donne ce que tu peux en échange ». J’ ai déjà travaillé avec Thom Yorke, on a fait cette tournée ensemble avec Atoms For Peace aux Etats-Unis, et c’est quelqu’un d’incroyable.
On a beaucoup discuté, c’ est un musicien passionné, un artiste qui bouillonne d’idées, un mec brillant. C’était génial d’avoir la chance de travailler à ses côtés. Quand il m’ a invité à les rejoindre sur la tournée, je tournais déjà avec mon propre groupe, donc je n’ ai joué avec eux que cinq fois, mais c’ était incroyable.

Complètement ! En fait je ne perçois pas la musique de cette manière, je la vois comme je vois les gens. Les gens peuvent te rendre heureux, triste, te blesser… Quand j’écoute de la musique plutôt positive, je m’y mets à fond, et j’ essaie d’ en apprendre le plus possible. Pour moi la musique c’est ce qui fait que le monde tel qu’il est, et si elle a un effet positif, alors ça m’ intéresse. Ça peut être de la polka, ça peut être n’ importe quoi si je pense que la personne qui la fait la fait avec son cœur, et si cette musique doit faire bouger les choses, ou aider les gens à surmonter des épreuves.

Je suis né dans les années 80 et à l’ époque, c’était cassette ou CD. Mon grand-père avait une collection de plus de 7,500 disques de jazz et j’ ai grandi en écoutant des vinyles, donc je préfère avoir quelque chose de tangible dans les mains. Mais je fais partie d’une génération de paresseux donc ça m’arrive d’aller sur iTunes, d’acheter des morceaux, et ça me va aussi. Ça dépend du genre de musique en fait, si c’est le nouvel Arcade Fire, ça ne me dérange pas de ne pas l’ avoir dans les mains. Mais si j’ achète Charlie Parker with strings ou Blonde on Blonde de Bob Dylan, je préfère l’ avoir en vinyle ou en CD, parce qu’ à un moment, je vais avoir envie de les transmettre à mes enfants. Offrir des morceaux iTunes à quelqu’un, ça n’a rien à voir. C’est quelque chose qui compte beaucoup pour moi. J’ ai Blonde on Blonde en vinyle, et je peux écouter « 4th time around » encore et encore. Ma chanson préférée de Dylan c’est « Only A Pawn In Their Game ». Un jour, un journaliste qui m’interviewait a cru m’ insulter en me disant que j’ étais le « Bob Dylan du jazz ». J’ ai explosé de rire et je lui ai répondu : « C’ est le plus beau compliment qu’on puisse me faire ! ».

C’ est assez bizarre, parce que je suis quelqu’un de plutôt secret. Je suis en tournée 10 mois par an, et quand je suis chez moi je passe du temps avec ma famille, avec les gens que j’ aime. Quand je suis sur la route j’ai des journées de dingue et je n’ ai pas vraiment le temps d’ aller sur Facebook. Je reçois une cinquantaine de mails par jour ; du producteur, du manager, du manager de la tournée… Sans parler des mails persos. J’ aime bien aller sur Twitter et Facebook, mais je n’ aime pas trop l’ idée que tout le monde sache le moindre truc sur toi.
Mon manager, mon agent, les distributeurs me disent : « Putain, mais tu devrais avoir 50 000 followers sur Twitter », mais ça ne m’ intéresse pas vraiment. Mes amis Facebook et moi on ne s’apporte pas grand chose, en vrai.

À force d’expérience, de voyager, d’ être un « citoyen du monde », j’ ai réalisé que dans le monde entier des gens se battent pour être entendus. J’ aime rencontrer les gens, leur parler, et tout le monde semble avoir quelque chose à dire sur un truc qu’ on leur a imposé, quelque chose qui aurait dû changer dans leur vie mais qui est resté le même. Je voulais faire un album pour dire que c’ est maintenant qu’ on doit changer les choses. Chaque génération a ses propres problèmes, mais s’il y a une chose qui reste immuable c’ est cette dynamique entre le prolétariat et la bourgeoisie, entre ceux qui ont et ceux qui n’ ont pas. Ceux qui n’ ont pas se sont toujours battus pour avoir des droits et pouvoir faire ce que les nantis font sans se poser de question. Mon message c’était: « Ça fait des dizaines d’années que vous avez promis de régler ces problèmes. Il est temps d’ agir car nous n’ allons plus vous laisser faire ».
L’autre explication, ça a à voir avec mon grand-père. Quand on était petits avec mon frère jumeau, il nous forçait à lire tous les jours. Il nous faisait lire La Dialectique d’ Hegel, l’ autobiographie de Malcolm X, L’ Homme révolté de Camus… Tous les matins, il nous demandait ce qu’ on avait lu, ce qu’ on en avait pensé, et on échangeait nos idées dessus. Si on n’ avait pas encore fini notre livre, notre grand-père disait : « Hier tu disais demain » (Yesterday you said tomorrow).

Mon oncle est saxophoniste, Donald Harrison Jr. Quand j’ étais petit, je voulais tellement être tout le temps avec lui que j’ ai décidé de commencer la trompette. Quand tu côtoies de telles pointures, Donald ou Wynton Marsalis, tu apprends des choses qu’on n’apprend pas dans les écoles de musique. C’ est bien plus que des notes. À cause de mes origines, la plupart des gens s’ attendaient à ce que mon premier album soit dans cette lignée, du jazz classique. Mais ce que je voulais c’ était faire quelque chose qui intéresserait notre génération. J’ ai eu la chance de voir mon premier album nommé aux Grammy Awards, ça a facilité beaucoup de choses.
Mais j’avais envie d’ essayer de créer une palette et synthétiser un son lié à cette génération.
Au fil des cinq albums suivants, j’ ai juste cherché à peaufiner cette palette, ce son, ces concepts et ces idées. En fait ce qu’on essaie de faire c’est créer des palettes et travailler avec des textures, des sons et des contrastes qui donneront à la prochaine génération de jazzmen différentes brèches où s’ engouffrer.

Pas vraiment. Depuis que j’ ai 14 ans, les gens disent « C’ est le nouveau Miles Davis », même avant que je joue vraiment bien. D’ un côté je déteste ça, et d’ un autre, ça me flatte. Ils ne disent pas que ma musique ressemble à la sienne, parce que c’est faux, mais je crois que ce qu’ ils veulent dire, c’ est qu’ on a un peu la même approche des choses, que comme lui je cherche constamment à évoluer, à peaufiner des choses. Tous les musiciens ne sont pas comme ça ; beaucoup d’entre eux sont très bien là où ils sont. Même en créant ces trompettes (ndlr : il a deux nouvelles trompettes qu’ il a lui-même dessinées) j’ai essayé de m’ améliorer, de toucher quelque chose. Dans ce sens, j’ apprécie la comparaison. Mais Miles Davis a vécu, est mort, et a dit ce qu’ il avait à dire. Et personne d’ autre que Miles Davis ne pourra le dire mieux que lui. Tout comme personne ne pourra venir après moi et faire du Christian Scott mieux que moi. Quand Marcus m’ a appelé, j’ ai dit oui à l’ idée de tourner avec Marcus Miller. C’ est un génie, il sait diriger un groupe, il est juste et particulièrement doué pour comprendre la relation qu’ont les gens à la musique. Et je savais que ça m’ apporterait beaucoup de côtoyer un tel maître, un monsieur qui a cinquante ans mais qui est au sommet de son art. Il m’ a dit : « Écoute, je ne veux pas que tu joues comme Miles Davis. Miles Davis n’ aurait pas voulu que tu joues comme lui. Mais tu as la bonne approche. » Alors j’ ai dit oui.

Je pense qu’il est fondamental d’ apprendre les règles. En ne perdant pas de vue que la plupart du temps, les règles sont culturelles. Dans les conservatoires, les écoles de musique, on apprend la musique à la manière occidentale. A Bombay par exemple, le système est complètement différent. Pour moi, il est très important quand on enseigne la musique à un enfant de lui dire que ce n’est pas la seule manière d’apprendre et qu’il devrait essayer d’ en découvrir d’autres, autant qu’il peut. Comme la plupart des gens, j’ai d’abord appris à l’occidentale, et ensuite je me suis intéressé aux autres systèmes d’apprentissage. Quand tu commences le jazz à la Nouvelle-Orléans, que tu apprends avec ceux qui ont créé cette musique, dans les bars et les rues, pas à Berklee, tu comprends que la musique est comme ça parce que les Africains de la Nouvelle-Orléans ont trouvé un moyen de manipuler ce système occidental en y apportant des harmonies qui n’ existaient pas en Occident. Ils avaient plus de notes. Pour moi, les règles existent, et il faut les apprendre, mais elles sont aussi là pour être transgressées. Si tu saisis à quel point les règles sont culturelles et que tu essaies de toutes les comprendre, ça ne fera de toi qu’un meilleur musicien.
Pour Berklee, c’ est compliqué. Je ne veux pas passer pour quelqu’un de prétentieux, mais quand je suis arrivé là-bas, je me suis rendu compte que je savais mieux jouer que certains de mes professeurs. Je suis resté deux ans et j’ ai eu deux diplômes qu’ on obtient normalement en six années. J’ ai plus appris de mes pairs, c’ est ça qui est cool à Berklee. Tu peux te retrouver dans une classe avec un Algérien avec des dents en or et un mec d’ Osaka avec une iroquois, et ils ont un groupe ensemble. T’ imagines quel genre de musique peut naître de gens avec des cultures aussi différentes ? C’ est beau, je trouve ça extraordinaire. Berklee c’est le meilleur endroit au monde pour apprendre la musique, grâce à tous ces gens qui viennent des quatre coins du monde. Ce n’ est pas bien ou pas bien, on te dit « C’ est juste des sons, maintenant jouez tous ensemble ».

Le directeur musical du groupe, c’ est Matthew Stevens, le guitariste. Il vient de Toronto, il est fantastique. On s’ est rencontrés à Berklee il y a dix ans. Il y a une sincérité dans son jeu, c’est quelque chose de plutôt inhabituel. Il a un peu dû se battre contre l’ idée débile que les blancs ne peuvent pas jouer du blues ou du jazz. Je ne suis pas d’ accord avec ça, quand je l’ écoute jouer du blues, ça n’ est pas moins du blues qu’un autre, ça vient juste d’ une expérience différente.
Mon batteur, c’ est Jamire Williams. Il joue avec une telle intensité, je l’ adore. Ce mec est une anomalie. Quand tu l’ écoutes jouer, tu te dis : « Putain mais il est en train de se passer un truc complètement dingue là ?! »
Je cherche des musiciens qui ont une psychologie particulière. Lui quand il était gamin, il était tellement doué que personne ne le comprenait, les autres se moquaient de lui. Ça l’ a poussé à travailler dix fois plus que les autres. Il connaît tout de son instrument ; tous les sons qu’il peut en tirer, tous les plus grands batteurs. On a un nouveau pianiste qui a 21 ans, je l’ ai entendu mais on n’ a encore jamais joué ensemble.
Kris Funn c’est notre contrebassiste. Il est taré, je l’ adore. Il y a tellement de blues dans son jeu, putain ce mec est le musicien le plus métissé qui aie jamais joué de contrebasse. Il joue comme s’ il venait du quartier. Musicalement, on parle le même langage lui et moi.

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Crédits photos CC flickr (photo clé): evert-jan; mitch98000; zbook

Crédits photos Droits Réservés (live @ New Morning Paris): Jokerwoman

Traduit par Anastasia Levy et Nora Bouazzouni

À équidistance des Roots et autres A Tribe Called Quest, leurs influences sont autant d’indices qui prennent un malin plaisir à nous perdre. On se prend à les imaginer débarquant directement de la côte Est, qui défile sous nos yeux au son de leurs influences jazz et funk.

Pourtant, même si c’est bien à l’Est qu’a éclot ce collectif, bien loin de Philadelphie et de New York, c’est à Strasbourg qu’il brûle ses premières planches.

Né du hasard et d’une rencontre improbable entre un MC New-Yorkais et une bande de zicos alsaciens, Art District a écrit plus de tubes en un seul et unique album que pas mal de groupes dans toute leurs carrières. D’un “Back in the day” presque lascif et envoûtant à un “Moz’Art District” enjoué et en passant par un “Cell” urgent et incandescent.

“Cell“, justement. C’est le titre que nous avons choisi, frappés par son évidence. Un refrain tonitruant, une basse délicieusement funk et un flow bondissant font de cette chanson un hymne délicieusement groovy.

Élégant et évident, cet hymne ne pouvait rester longtemps étranger à cette étrange aventure qu’est OWNImusic. L’album est en écoute un peu partout, et disponible sur le site du groupe.

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> Lire une interview du groupe

> Écouter l’album sur Deezer

> Écouter l’album sur Spotify

Crédits photos CC : Elements Records

Furtive, lascive, Emma s’enfuit, se volatilise. Thomas s’agrippe. A une histoire qui n’est pas la sienne… N’était. N’aurait jamais du être. Plongée familiale au coeur d’un Panam en rouge et noir. Entre lap dance et guerre des clans. Sous l’oeil de Max, Archie Shepp himself, «vieil américain hanté par un drame personnel dans le Pigalle des années 50». Voilà pour le pitch. Reste le beat. Saccadé, hanté, persuadé, jazzurbanisé. Phat Jam in Pigalle. L’accroche n’aurait pas dénoté. Transposition de ce soir de Jazz d’or, d’agglomération strasbourgeoise, vers un destin plus suave et plus brutal. Costume sombre, black hat. Sur la scène du M.A.C., Archie donne la note à Maddox – beat box napoléonienne made in Cincinnati, Ohio.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

Archie, la joue sax vocal. Voix rauque, éraillée, écorchée, tel un Tom Waits du jazz. Shepp parle de New Orleans et de black women. Maddox, en fond de scène ou de cale, accroupi, reprend, box(e), frappe et encore. Battle jam sous forme de slam. La rime tient la corde et la salle jamais ne lâche. Puis vient «The life we chose», en résonance, qui sait, à Tom et Emma. Raccourci sans doute, loin, très loin de Pigalle. A moins que… Il y a du Spike et du Lee dans la rime. Du Do the Right Thing. Destins croisées, certes différents mais toujours en déshérence. Voilà ce qui parle peut-être dans l’Archie-Jazz. De Strasbourg à Paris. De Paris à Londres. De Londres à New-York. Désunion de temps et de lieux, réunis en une seule et même Comédie Humaine. Noire, rouge, suave ou brutale. Entre sax, slam, drums, piano and bass. Archie jam entre deux MAC.

Photo: Jenfi Décieux

Interpellé par son regard critique, lucide et parfois même radical, nous avons eu quelques courts échanges mais il m’en fallait davantage. Disponible, elle a accepté de répondre à mes questions pour Owni.

Attention les yeux, ça pétille !

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• Diane Tell bonjour, pouvez-vous vous présenter… en 140 caractères ?

Je le peux, à condition d’y ajouter quelques liens vers ce qui m’est extérieur mais pas étranger ! Je suis ce que j’aime ! Espaces compris !

(140 précisément !) [NDLR : bravo, c'est ce qu'on appelle un twoosh]

• On connaissait la chanteuse venue de la Belle Province et installée dans le Pays Basque, j’ai découvert plus récemment votre activité numérique : un blog, un compte Twitter, mais aussi Facebook, MySpace, FlickR, YouTube. Depuis quand assurez-vous votre présence numérique ?

Le numérique est présent, sans interruption, dans ma vie depuis le début des années 80. J’ai acheté en 1981, dès sa sortie, le premier IBM PC avec son processeur à 4,77 MHz, sa mémoire RAM 16K extensible à 64K et son affichage monochrome mode texte uniquement ! (Je l’ai toujours)

Pour ce qui est de ma présence sur la toile, mes premières connections datent de 1996, année de ma rencontre avec Jean-Pierre Joignant mon fidèle collaborateur. Nous avons débuté en ligne avec Zeruko Txalupa , site dédié à notre engagement auprès d’Air Solidarité, rallye humanitaire aéronautique auquel j’ai participé en tant que pilote et marraine de 96 à 99. Les internautes pouvaient suivre le journal du voyage presque en temps réel ! A l’époque en Afrique, pour envoyer une image de quelques dizaines de kilobytes, il fallait s’adresser à un fournisseur d’accès local et lui verser une coquette somme en FR CFA ! Pour les textes, j’envoyais des fax manuscrits et Jean-Pierre mettait en ligne ses transcriptions. Le passage à l’ère du XXIème siècle à peine franchi, j’ai troqué mon casque David Clark de pilote pour un Sony Pro de studio et me suis remise à la musique à plein temps. En 2003, www.dianetell.com version flash est lancé, un site plus axé sur la musique, et en 2008 j’entre dans l’univers des blogueurs du net ! J’ai créé ensuite des pages Web 2.0, sortes de satellites au site principal avec l’avantage d’un hébergement sur un serveur communautaire très populaire.

• Pour quelle raison : est-ce par goût personnel, pour vous exprimer en ligne, pour préserver votre image et votre identité numérique, pour entretenir des relations avec vos fans ?

Je ne sais pas s’il est possible de préserver une image sur le net mais il est indéniable que l’on peut y transmettre une impression plus personnelle, plus complète de son travail et de ses idées. Le temps d’antenne des médias classiques est très court. Ma contribution chatouille un peu l’image reçue, le cliché façonné par le temps qui passe et par tout ce qui ne passe pas dans les médias traditionnels. Pour ce qui est des fans, ceux qui suivent mon parcours avec une ferveur touchante, j’ai surtout envie de leur donner de la matière… Je préfère l’idée de transmettre du pur contenu à celle de communiquer de l’information. Quant au contact direct avec le public, il me rapproche de la scène ! On se sent moins seul, la réaction est immédiate. J’ai toujours l’impression de donner moins que je ne reçois mais j’y passe un temps fou alors je ne culpabilise pas trop !

• D’après vous, est-ce que la relation directe entre le public et l’artiste et la désintermédiation des rapports en général sont devenus des passages obligés ? Ou bien une chance à savoir saisir ?

Internet, ou plus généralement l’informatique, est une chance pour les uns, un passage obligé pour les autres. Personnellement je me régale. J’aime l’outil et j’aime l’esprit de la communauté qui y adhère. Je surfe beaucoup et m’occupe de tout le contenu de mon site et des pages web 2.0. L’industrie de la musique, en particulier ses artistes, techniciens et créateurs, est l’un des premiers secteurs à avoir exploité tous les avantages techniques (parfois trop !) et innovants de l’informatique dès les années 80. Malgré les clichés défaitistes, la musique est très présente sur la toile, super diversifiée, en « net » progression ! Ce qui n’est pas le cas dans les médias traditionnels.

Les jeunes artistes qui débutent aujourd’hui ont un avantage sur leurs prédécesseurs : ils sont nés sur le net où surfe leur public H 24. Un artiste qui a fait des LP peut s’adapter, maitriser les nouveaux outils, innover, transgresser les codes mais son public le suivra-t-il ? Ou devra-t-il en fin de compte séduire un nouveau public ?

• Votre compte MySpace fait un peu penser au 1337 5|*34|< (leet speak) des geeks, vous êtes une technophile avertie ?

Pour répondre à votre question, j’ai dû aller voir ce que « leet speak » signifiait, c’est vous dire mon niveau de geek ! Pour tous ces détails, il faudrait s’adresser à Céline, Jean-Pierre et Julie. Je peux mettre en ligne du contenu, j’ai longtemps travaillée avec le logiciel Digial Performer, aujourd’hui avec Protools pour la musique, Photoshop pour l’image, etc. Mais pour moi entrer dans un programme informatique, c’est comme ouvrir le capot d’une voiture… je ne peux qu’admirer béatement l’air puissant de l’engin : je ne saurais pas quoi en faire !

• Vous commentez également en ligne, et de manière abondante. Pourquoi si peu d’artistes s’expriment-ils en ligne, non pas dans leur espace, mais ailleurs ?

Les pages d’artistes « installés » sont généralement des espaces dédiés à la communication. Simple gestion d’image. Peu d’artistes s’expriment personnellement sur leur site, ce qu’ils ont à dire, ils le disent dans leurs œuvres – album, livre, film, photographie… Je peux comprendre ce choix de ne pas en rajouter. Pour ma part, j’en montre un peu plus par goût pour la réflexion, l’échange, l’écriture, la petite histoire et les archives ! Ce n’est pas pour me mettre en avant que je blogue, c’est pour me mettre en mémoire.

Si les artistes en contrat s’expriment peu sur Hadopi c’est peut-être pour ne pas contrarier leur maison de disques plutôt « pour » et préserver leur image auprès du public assez « contre ». Un artiste a très peu de pouvoir dans cette industrie, alors qu’il intervienne ou non, ça ne changera pas le cours des choses. Le seul pouvoir qu’on lui reconnaît et encore, c’est celui de « vendre ». C’est une industrie, pas un parc d’amusement. Ce qui me gêne c’est le décalage entre le discours officiel en faveur de la création et la cruelle réalité du marché depuis toujours.

• Vous vous êtes manifestée ouvertement et très fermement contre Hadopi : qu’est-ce qui ne va pas dans cette loi ?

Mes problèmes avec cette loi en devenir ont commencé en 2006. Une personne chez Sony m’a envoyé une pétition à signer en faveur de la répression des pirates ou contre la piraterie, je n’ai pas le souvenir précis du contenu de la lettre mais ça allait dans ce sens. J’ai refusé. Une heure après le numéro 2 de la maison de disques me téléphone pour m’engueuler !

J’étais la seule artiste du groupe à ne pas avoir signé, rendez-vous compte ! Nous sortions de la très mauvaise période des DRM sur les CD, je ne voulais pas soutenir un autre modèle sans suite…

a) Commençons par la fin, cette loi est dépassée. Le téléchargement sauvage n’est pas mort mais y’a comme une odeur. Il a déjà perdu une très grande part de marché noir face au streaming. Et le flux, c’est l’avenir. Pourquoi avoir chez soi de gros disques durs pleins à craquer et susceptibles de planter à tout moment alors qu’on peut accéder facilement sans stockage au même contenu ? Pourquoi s’emmerder à télécharger de lourds fichiers et tous les additifs viraux qu’ils peuvent transmettent ? La question des supports n’est pas réglée. La mutation suit en cours. Ce qui ne va pas dans cette loi c’est son attachement au support. Le support n’a plus d’intérêt aujourd’hui. Le support physique CD oui, pour la pochette. Avoir un fichier chez soi ou sur un serveur à Seattle c’est exactement la même chose.

b) Si j’ai bien compris, c’est aux ayant-droits de signaler à la Haute Autorité les fraudes. Aux ayant-droits d’enquêter, d’apporter les preuves et d’identifier les coupables. Qui sont-ils et comment vont-ils s’y prendre ? Qui prend en charge les frais ? Ca me choque de ne pas avoir de réponses à ces questions.

c) Faites un retour en arrière et observez la France en 1980 et la musique diffusée alors sur les ondes de Radio France, RTL, Europe 1 et Radio Monte-Carlo. Imaginez un an plus tard l’irruption sur tous les toits de dizaines d’émetteurs et sur la bande FM la diffusion du contenu anarchique de radios libres de tout contrôle, sans règles ni ambition, des improvisanimateurs dopés de convictions, en roues libres, NRJ période Jean-Pierre d’Amico, des radios créées de toutes pièces dans un appartement, un garage, hyper communautaire, un peu comme Internet aujourd’hui. Regardez maintenant ce que la FM est devenue 28 ans plus tard, ce qu’est devenu NRJ, le formatage, les antennes toutes regroupées en holding. Imaginez Internet dans une vingtaine d’années. Je suis pour plus de liberté. Je ne souhaite pas qu’Internet devienne dans 20 ans le terrain de jeux d’argent de 4 majors qui m’imposeraient leurs goûts, leurs couleurs et leurs règles. Je parle en tant qu’artiste et citoyenne !

d) Internet est à la fois distributeur et diffuseur de contenu. La FNAC et France Inter réunies. Le streaming, c’est de la diffusion ou de la distribution de contenu ? L’outil est formidable, mais c’est très nouveau. Hadopi ne se penche pas sur ces questions, elle ne valide qu’une chose : que les lois du monde réel s’appliquent au monde virtuel. Ceux qui ont le pouvoir dans le monde réel tentent de le faire valoir dans le monde virtuel en s’appuyant sur des lois.

• Quel rapport entretenez-vous avec les maisons de disque ?

J’en ai trois ! Une pour le passé, une pour le numérique et une pour le nouvel album ! Les rapports sont différents avec chaque collaborateur mais toujours bons je crois, pour moi en tous les cas.

• Vous n’y allez pas de main morte : « Le CD c’est certain deviendra d’ici peu au mieux un produit d’appel au pire un produit dérivé, au même titre qu’un t-shirt, un poster, un autocollant ou autre babiole à l’effigie de l’artiste. […] Le troisième millénaire signe la mort du contenant, de l’emballage, du paquet cadeau ». Quels modèles économiques envisagez-vous pour permettre aux artistes musicaux et vidéo de vivre de leur travail ? Quels choix avez-vous fait personnellement ? (scène, petit label, production, maison de disque en ligne, autoproduction…).

Les disquaires ferment leurs portes, l’espace consacré à la musique diminue ou disparaît des espaces informatico-culturels, il ne peut pas y avoir de ventes sans surface de ventes. Les gens sont passés à autre chose. Le CD (ou autre support) a un avenir en tant qu’objet pour fan ou collectionneur et puis il faudra bien en fabriquer pour les concerts ! Il se vend beaucoup de CD les soirs de concerts. Le CD est à l’album ce que la sortie en salle est au film. Symboliquement l’objet a sa valeur. Sur le marché, il en a encore, moins qu’hier, plus que demain. Je n’ai pas de modèle à défendre pour l’artiste qui veut vivre de son art aujourd’hui.

L’artiste doit se comporter comme un artisan, se faire respecter pour la qualité de son travail, vendre celui-ci librement à sa clientèle. Si possible, conserver ses droits : d’auteurs, éditoriaux, phonographiques, voisins etc. On vend peut-être un artiste mais ce qui rapporte c’est la chanson et son enregistrement x autant d’albums.

Pour ma part je suis producteur et éditeur depuis très longtemps, je travaille avec une major Sony, une e-compagny Believe et un historique petit label Celluloid. J’ai ouvert ma boutique en ligne sur mon site. J’expédie dans le monde, c’est l’avantage et le CD arrive dédicacé !

• Vous portez un regard critique sur les médias, que vous consultez manifestement avec attention. Vous lisez plutôt par fidélité, ou au hasard selon les thèmes ?

Je peux répondre très précisément à cette question. Je suis abonnée à Libération.fr, @si, XXI, Backchich, Médiapart, et je soutiens d’une brique Rue89… Je me suis abonnée à ces sources d’information parce que je prends plaisir à les lire et par engagement. Je lis aussi le Canard et Technikart. Je survole toute l’autre presse en ligne tous les jours et vais sur quelques blogs… beaucoup de titres français, je surfe aussi au Canada, aux Etats-Unis, ailleurs…

• En quoi la crise de la presse (crise économique, crise de confiance) en France vous touche-t-elle ? Comment cela se passe-t-il de l’autre côté de l’Atlantique ?

La fermeture d’un journal, qu’il soit ou non à notre goût est une triste affaire. Internet bouleverse considérablement l’industrie de l’information parce que c’est bien d’une industrie qu’il s’agit. On vend du papier, de la publicité, je dirais presque, peu importe le contenu ! Tous les chemins mènent au support. En ligne il y a d’avantage de contenu qu’en version papier, avec les archives, il y a même de l’audio, des images en diaporama et des vidéos. Et puis lire son journal en ligne, écologiquement, c’est un geste fort ! Le problème c’est qu’il n’y a pas de support, donc pas de prix, pas d’acheteur. Je ne sais pas comment ça se passe en Amérique mais sans risques de me tromper je dirais que les mêmes causes produisent les mêmes effets à plus ou moins grande échelle dans les pays économiquement proches.

• Vous avez dédié une rubrique « Si j’étais journaliste » à votre blog. Vous auriez aimé être journaliste ?

J’aime lire et écrire, je suis curieuse et photographe, indépendante et rigoureuse mais je suis aussi très naïve, et ça c’est incompatible avec le métier de journaliste ! Je me contente d’écrire quelques billets librement sur mon blog. J’aime beaucoup aller sur les blogs des autres également.

• L’irruption en force des lecteurs, commentateurs et des blogueurs dans le panorama de l’information, c’est un mouvement qui vous paraît superficiel, utile, perturbateur ?

Rue89 a fait une étude révélant qu’une toute petite partie des riverains de leur site participaient à la discussion en rédigeant des commentaires. Peut-être, mais ils sont très lus. A prendre et à laisser. Peut-on juger un journal par ses lecteurs, un élu par son électorat, un artiste par son public ? Je ne sais pas. La parole est utile à celui qui la prend puisqu’il l’a prise. Pas toujours à celui qui la lit. Il y a d’excellents blogueurs sur le net, je suis friande, je surfe beaucoup, parfois à l’aveugle ou presque.

• Un petit mot sur votre actualité : Docteur Boris et Mister Vian est sorti il y a quelques jours sur iTunes. On ne vous connaissant pas si jazzy, c’est récent ou s’agit-il d’assouvir une envie déjà existante ?

J’ai étudié la guitare jazz, c’était mon instrument à la fin de mes études. Mon premier album était pur jazz, même, avec des chansons originales. Un solo de voix par titre, rien que ça ! Pour les albums suivants, toujours quelques titres jazz : Gilberto, L’indésirable, Les trottoirs du boulevard St-Laurent, Dégriff’moi… J’ai toujours flirté avec le jazz, ce répertoire de standards adaptés par Boris Vian était irrésistible !

• Des projets sur scène, ou au théâtre ?

Je fais toujours de la scène, je prépare avec Deghelt Production une tournée en 2010 avec Laurent de Wilde comme directeur musical et trois autres musiciens.

• Verra-t-on un jour exposées vos photographies ?

J’ai exposé tout l’été, d’autres expositions sont en préparation pour mes Pixous, des photos argentiques découpées au pixel ! Un travail que l’on peut voir en ligne toute l’année.

• Quel est votre plus beau souvenir de scène ?

Mon premier Olympia me vient à l’esprit ! Un soir seulement, mais une salle comblissime et de très bons musiciens pour m’accompagner : Manu Katché, D’Angelo… Véronique Sanson y était installée pour un mois. Un lundi soir de relâche pour elle, j’ai pris la scène, j’ai pu chanter mes chansons, dans son décor avec ses musiciens… On a eu beaucoup de succès… Mon père était présent. 1983. Inoubliable.

• Merci Diane, et à bientôt sur la Toile !

(crédits photos et illustrations… Diane Tell, bien sûr !)

Petit bonus : Rue d’la flemme.

Cliquer ici pour voir la vidéo.