Pendant longtemps, le DJ dans sa version moderne – mixant les morceaux qu’il passait – manipulait exclusivement des vinyles. La musique étant reproduite physiquement dans le sillon du plastique. Puis ces morceaux sont devenus des fichiers numérisés. Les platines CD sont apparues, et ensuite des logiciels intégrant lesdites platines dans des laptops : les supports de mix sont devenus digitaux à leur tour. Et Panasonic a annoncé l’arrêt de la fabrication des platines Technics SL1200 MKII, un peu comme si Fender arrêtait la Stratocaster.

Jeff Mills est un des pionniers du DJing techno, toujours en avance sur son temps. La preuve, il s'apprête ici à poser un CD sur une platine vinyle.

DJ Virtuel

La musique et les outils nécessaires à l’exécution des mix ont été dématérialisés. Reste à savoir si l’intérêt des DJ est également devenu virtuel.

Lors, ci-dessous la mise bout à bout des conséquences négatives de la digitalisation de toute la chaîne de la musique électronique, sorte de pizza du pire, tout devient sombre. Bien des contre-exemples individuels pourront démentir ce Nutella saumâtre, mais au niveau macro, faut bien bouffer cette mauvaise tartine, en commençant par le croûton de son début.

La sortie digitale tend à devenir un passage obligé vite expédié, histoire d’aller gonfler vite fait la partie « Production » des argus promos sur les DJ.

Puisque par exemple la digitalisation des labels et la quasi-disparition de la contrainte de rentabilité ont annihilé leur rôle de filtre légitimé par une direction artistique sélective. Le « maxi », dit aussi « EP », a disparu. Maintenant les DJ se font des compilations par producteur et/ou par genre. Et la fin de la rareté du support musical a atténué le désir des DJ à l’encontre de la musique. Moins de désir donc moins de plaisir dans ce qui était un de leurs points forts : leur capacité à dénicher le vinyle rare (quitte à le payer très cher). Surtout quand la sortie digitale tend à devenir un passage obligé vite expédié, histoire d’aller gonfler vite fait la partie « Production » des argus promos sur les DJ.

Dans ce bouquet de fibre optique sont stockés plusieurs millions de morceaux de musique. Pratique pour le rangement quand on a un petit appartement.

Côté morceaux, et donc fichiers MP3 et la brutale baisse de qualité du signal musical que ce format induit… Le constat s’impose de la diminution du rapport intime avec une musique qui n’est jamais meilleure que lorsqu’elle est ressentie physiquement. Au rayon romantisme : faire l’amour avec le son ? Le grain du vinyle permet la copulation avec des créatures fantasmatiques s’incarnant le temps d’une ronde.

Vulves de porn-stars

Le MP3 de mauvaise qualité facilite, lui, le petit coup vite fait avec des poupées gonflables sans que leurs vulves fussent même moulées sur celles de porn-stars hongroises. Entre les deux, le wav (= signal numérique audio non compressé), perd en profondeur ce qu’il gagne en efficacité frontale. Le son vinyle, on y rentre, quand le son wav relève d’une claque à main plate.

Claques qui se multiplient du fait de l’augmentation de la proportion d’outils de mix digitaux. Car aujourd’hui, pour mixer, un DJ dispose de (liste non exhaustive) :

-          Platines vinyles

-          Platines CD

-          Platines à clé USB ou carte mémoire

-          Serato (logiciel)

-          Traktor (logiciel)

La micro-agitation autour d’une configuration souris-laptop.

Le support change, la prestation évolue. Et la représentation du DJ par le grand public s’en trouve troublée. Pendant longtemps, elle était surtout faite d’images venues du hip-hop et de ses DJ aux performances idéales pour un bon relais en médias : courtes, cherchant le spectaculaire, motivées par la compétition, débouchant sur l’épate. Mais cela était exécuté sur la même configuration technique (deux platines vinyle et une table de mixage au centre) que celle utilisée par le DJ techno, qui pouvait donc expliquer son art à mamie pendant le déjeuner du dimanche en convoquant cette similarité des outils.

Deux platines et une table de mixage : pour être DJ aujourd'hui, une expérience significative à la NASA est requise (photo prise sur le Mix Move 2011).

Aujourd’hui une part croissante des DJ a la même gestuelle que les livers, à savoir la micro-agitation autour d’une configuration souris-laptop. C’est la confusion. D’autant que du côté des DJ qui restent sur une configuration avec platines, force est de constater que celles-ci deviennent de plus en plus des contrôleurs d’effets, de même que les tables de mixage. Le mix se rapproche du live. A part les spécialistes, personne ne sait plus ce que fait un DJ techno. Et ce qu’il doit faire ?

Tradition du DJ shaman

Car qu’attend-on d’un DJ techno en termes de – attention mot qui fâche – prestation globale ? Comment exprimer cela, particulièrement en France, pays où la très 90’s tradition du DJ-shaman (comprendre : un être quasi-invisible emprunt de modestie cosmique et fuyant les regards) a laissé une empreinte forte sur les droits et devoirs des DJ ? Ceux-ci sont chez nous encore très contraints à être low-profile sous peine de se prendre un procès pour star-attitude. Précision : ne sont pas soumis à cette analyse les objets marketing Guetta-Sinclar-Pedro Winter et tous leurs clones, stars avant d’être DJ.

Dans certains milieux, le DJ est toujours considéré (comme dans les années 90) comme un guide, un être de lumière, un magicien des sons et des sens. Et quelques DJ le croient eux-même, d'où des accoutrements.

Si dans la techno, tout vient du dancefloor, et si celui-ci est la vraie star d’un évènement festif, reste que ladite star doit se faire manier les organes pour arriver à son pic orgasmique. Le DJ en tant que bateleur maître de l’ambiance festive, c’est quoi pour qui ?

Que Ritchie Hawtin fasse tressauter sa nouvelle mèche blonde pendant son set et c’est l’extase de masse.

Finalement, cette affaire de digitalisation de toute la chaîne musicale refondant le principe du mix provoque une évolution des attentes du public. Puisqu’enchaîner des morceaux est devenu plus simple grâce aux nouveaux artifices technologiques, alors la charge de la prestation glisse vers un show aux codes restants à fixer. Faire de la masse disparate du dancefloor en début de soirée une star gémissante sous les pratiques de DJ-maestro passera par des voies nombreuses.

A commencer par le renforcement de l’intérêt porté à la présence physique des DJ. De là, le mouvement corporel, intégrant la contrainte d’avoir à rester derrière les platines, prend une importance allant croissante.

Côté techno d’esthète : que Ritchie Hawtin fasse tressauter sa nouvelle mèche blonde pendant son set et c’est l’extase de masse. Voir ci-dessous.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

De l’autre côté du spectre, côté hardcore enflammé : Partyraiser s’empare des instruments dans une gestuelle sans économie. Extase de masse itou. Voir ci-dessous.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

La techno peut finalement être gré à la digitalisation que celle-ci fasse mûrir ce paramètre longtemps minoré de la légende des DJ : l’attitude. Car du côté dancefloor, côté public donc, s’agglomèrent des représentations puisant dans l’effet d’aura du DJ, une aura nourrie de mythes déformés, de perceptions altérées, de légendes détournées. Pour bien jouir, un dancefloor veut vivre la magie, et celle-ci commence par la félicité visuelle.

Dimension charnelle

Puisque les DJ ont maintenant un corps, reste aux dancefloors le choix de déterminer avec lequel ils veulent se frotter.

La digitalisation, révélatrice de la dimension charnelle de la techno : voilà un paradoxe annonçant une bonne nouvelle au bout du tunnel des catastrophes numériques.

Party tiiiiiiiiiiiiiime !

Crédits photos : Mahadewa, Von Boot, N. Lepavec, Eline Soumeru, rofi

Plaqué Or est depuis 9 ans un collectif d’artistes activistes. Le collectif est à l’origine de beaucoup d’évènements: After Boudoir @ Bains Douches, Minuit à la Maroquinerie, Kiss the Karpet @ Pulp, Noir @ Rex club, Rediscover @ Rex club, Electropet @ la Java, My House @ Batofar avec Jef K et Shade, After the Rain avec le label Pschent, Electro Park @ Villette Numérique (cité des sciences), les Nuits capitales et la pétition “Paris: Quand La Nuit Meurt en Silence” …. Plus de 600 artistes bookés et près de 400 événements organisés en font une association incontournable des nuits Parisiennes. Les Étranges soirées sont une idée originale de Plaqué Or qui a dès la première édition en 2003, proposé à son ami Adam Love de l’organiser avec lui, puis un an plus tard à son autre ami, Julien Ragnotti, qui rejoindra l’équipe en 2004. Plaqué Or a toujours eu comme objectif de fédérer les publics et les genres. C’est donc naturellement que cette idée de “Noël des dj’s au profit de la lutte contre le sida” nous est venue.

L’objectif est de montrer que la scène électronique et ses clivages sont capables de se fédérer autour d’une problématique qui a touché le monde de la nuit depuis les années 80, qui correspondent à avènement du clubbing et de la house. Trop de grands noms de la musique nous ont quitté trop tôt (djs, promoteurs, journalistes), touchés par le Sida, qui dans les années 80, n’avait pas encore de traitement efficace.

De nombreux bénévoles nous aident à l’organisation, qui est répartie par compétence… la production, l’artistique, la communication…. L’agence Sauvequiprod coordonne l’ensemble avec nous. Mais le format hors norme de cet évènement demande que tout le monde joue le jeu.

Il n’y a qu’à voir la partie “partenaires” pour comprendre que globalement l’ensemble des artistes, médias ou acteurs se mobilisent pour l’évènement. L’ensemble des organisateurs, régisseurs et artistes sont bénévoles, et les “petits plus” (décoration, visuels et projections, voitures pour les artistes) nous sont gracieusement offerts par nos partenaires ! Cet événement se prépare en général en 1 ou 2 mois, délai qui ne permet pas le soutien des institutionnels, qui ont malgré tout été invité à venir participer à l’événement.

La soirée peut permettre de financer un programme du Sidaction sur un an, ce qui est déjà beaucoup ! L’organisation d’ “Un Étrange Printemps” demande beaucoup d’investissement, car nous travaillons deux mois sur celui-ci… Au delà de la soirée je participe régulièrement à des conférences, forums ou manifestations, notamment via Act Up Paris, que nous avons souvent soutenu dans nos évènements caritatifs.

–

Retrouvez toutes les informations sur la soirée Un Etrange Printemps ici.

SV : Il y a 19 ans, j’ai monté un premier lieu qui s’appelle Glazart. La volonté était de créer de la mixité autour d’un projet culturel, dans lequel nous allions réunir différents types d’expressions artistiques, avec différents publics.
Nous ne voulions pas nous enfermer dans un discours : “Moi je suis une salle de concert, moi je suis une galerie, moi je suis un théâtre, moi je suis un lieu de formation”. Si l’on se replace dans le contexte des années 90, il n’y en avait pas, ou peu.

Aujourd’hui, ça a fait école puisqu’il y a beaucoup plus de lieux qui travaillent autour de la pluridisciplinarité.
Glazart existe toujours, mais je m’en suis séparé il y a 3 ans, 4 ans. Entre temps avec toute l’équipe de Glazart, nous avons monté une SAS. Mon idée était de monter une société pour racheter un autre lieux. Nous avons alors racheté le Divan du Monde, qui était en déliquescence en 2002 ou 2003. Nous l’avons rénové, retapé, nous avons remis une programmation, une communication. Le lieu a fonctionné très fort, puis nous l’avons revendu en 2008. Avec un certain nombre des salariés de Glazart et du Divan du Monde, nous avons remonté une structure qui s’appelle Sinny Ooko. C’est comme Glazart d’ailleurs. Glazart, signifie “regard sur l’art”, Sinny Ooko signifie “le cinéma et les oreilles”. Tout ça c’est sorti du langage d’Anthony Burgess d’Orange Mecanique, c’est un gimmick sur toutes les structures que nous créons.

Avec Sinny Ooko, nous nous sommes impliqué dans l’univers de la musique et du cinéma. Aujourd’hui avec cette structure, nous sommes programmateurs des concerts de musique de films au festival de Cannes, au festival d’Angoulême, sur les ciné party que l’on fait un peu partout, et en autre chose le Moulin Rouge, où l’on nous a demandé il y a un an et demi de reprendre la Machine, dans une formule, gestion-programmation-organisation de A à Z

SV : C’est un lieu fantastique, c’est la Loco, tout le monde connaît, elle est presque entrée dans le langage courant. Je ne sais même pas si “boite de nuit” ne trouve pas son synonyme dans la Loco. En tout cas ça a percé entre 80 et 82

Au début du siècle, c’était effectivement l’ancien dancing du Moulin Rouge. C’est ensuite devenu le cinéma du Moulin Rouge. Puis dans les années 80, la salle a été reprise par une bande de gars, pour en faire d’abord une salle de concert où il y a eut des artistes illustres comme David Bowie ou Mick Jagger.
Ils ont embrassé avec beaucoup d’intelligence la vague électro des années 85, 87. Laurent Garnier a fait ses premiers vrais sets ici, peut être plus qu’au Rex Club d’une certaine manière. Jusqu’à ce que ça tombe vraiment en désuétude complète dans les années 2010, entre dépôt de bilan et disparition des caisses, il n’y avait plus de programmation… Plus rien. Il y a donc eu un dépôt de bilan puis un rachat de la structure par le Moulin Rouge.

Parce que pendant toutes ces années, ça n’appartenait pas au Moulin Rouge, ni les murs, ni les fonds. Le Moulin Rouge s’en était séparé il y a très longtemps.
Les locaux appartenaient à la famille Dreyfus, qui était propriétaire de tout cet ensemble immobilier, mais les exploitants du Moulin Rouge n’étaient pas propriétaires des biens. Quand le Moulin Rouge a racheté ses murs, ils ont aussi racheté Loco, mais il y avait des exploitants, différents, comme le théâtre ouvert d’ailleurs.

Puisque l’affaire a été portée devant le tribunal, c’est le Moulin Rouge qui a racheté, pour recréer un espace beaucoup plus complexe, entre revue, dîner, lieu de nuit, lieu de concert, restaurant terrasse… donc ils ont voulu racheter ça, et ils m’ont demandé de voir si l’on pouvait s’inscrire dans la nuit parisienne d’aujourd’hui, être moins patrimonial que l’est le Moulin Rouge.

Cliquer ici pour voir la vidéo.

SV : Matthieu Jaussaud est quelqu’un que je connais depuis longtemps, parce que Julien Ragnotti est venu ici il y a un an pour commencer à produire un certain nombre de spectacles. Il nous a partagé son souhait de faire une soirée spéciale pour défendre des causes comme le Sidaction. Il nous a demandé si nous pouvions mettre à disposition la salle, et ça tombe sous le sens, il y a un lien fort entre cette cause, ce milieu, les gens qui travaillent là-dedans. On a tous conscience que c’est important de pouvoir amener notre contribution en récoltant de l’argent et en continuant à générer une veille sur l’existence du Sida

SV : Non. Nous donnons la salle, et rémunérons le personnel qui travaille sur l’évènement. Les premiers deniers que nous récupérerons au bar viendront financer le personnel, le reste ira dans les caisses du Sidaction. Les entrées vont elles directement au Sidaction. C’est une vraie notion intelligente de reversement des bénéfices. De vous à moi, il devrait y avoir entre 1000 et 2500 personnes. La salle peut accueillir 1200 personnes et 2000 personnes en turn Over.

Si l’on perd 3000, 4000 voire 5000 euros dans la soirée, ça ne va pas mettre en péril l’existence de la Machine.

Nous n’avons pas pour vocation d’être un lieu qui se met à disposition gracieusement. C’est la première fois que nous le faisons.

Je ne veux pas faire croire que l’on prend des risques inconsidérés. On fait ça dans l’ordre des choses. Le patron du Moulin Rouge était volontaire pour que l’on s’associe à cette opération. C’est comme les artistes qui vont venir, c’est très appréciable de dire : “Aujourd’hui je vais jouer gratuitement, je ne vais pas prendre de cachet”. Tout compte fait on nous propose à tous de venir faire une belle fête ensemble et ça ne nous coûte pas grand chose. Finalement des évènements comme celui là, on devrait en faire bien plus.

Là où c’est beaucoup de travail en revanche, c’est ce que font Plaqué Or, Julien Ragnotti et d’autres qui organisent cette soirée. Ils travaillent beaucoup depuis deux mois sur ce projet. Ils s’impliquent vraiment, alors que nous en tant que salle, nous savons recevoir facilement ce genre d’évènement.

Pour ce qui est de la programmation, on voit le listing des invités s’allonger. Je trouve ça intéressant de voir tout ces gens venir, monter sur scène avec un disque. C’est par contre moins facile de trouver une cohérence artistique sur cet ensemble d’artistes, mais ça va être un sacré patchwork.

–

Interview réalisée par Loïc Dumoulin-Richet / Retranscription : Romain Saillet

Photos : La Machine

Cliquer ici pour voir la vidéo.

RETROUVEZ NOTRE INTERVIEW DE STEPHANE VATINEL, DIRECTEUR DE LA MACHINE, ICI !

RETROUVEZ NOTRE INTERVIEW DE MATTHIEU JAUSSAUD DE PLAQUE OR ET CO-ORGANISATEUR D’UN ETRANGE PRINTEMPS ICI !

De Bob Sinclar à Manu le Malin, en passant par Jennifer Cardini, Benjamin Diamond, Patrick Vidal, Jef K, Radium… ce sont plus de 50 artistes (DJ, performers, VJ…) engagés dans la lutte contre le Sida, que le public pourra retrouver dans les trois salles de la Machine du Moulin Rouge.

A la veille du Sidaction 2011, et dans le cadre des événements de collecte des dons au profit de l’association, une Etrange Soirée est de retour… Né en 2003, cet événement est décliné au gré des saisons ; les précédentes éditions se nommaient ainsi « une Etrange St-Valentin », « un Etrange Noël »… Cette année, c’est un Etrange Printemps ! Organisée par Plaqué Or, Adam Love, Sauvequiprod et produite par l’association Technopol, un Etrange Printemps réunira plus de cinquante artistes issus des musiques électroniques. La Direction de la Machine du Moulin Rouge s’investit également dans la cause en mettant l’ensemble du lieu à disposition et en reversant la totalité des bénéfices qui seront générés aux bars.

Le QR code crée pour l'occasion, et présent sur les supports de communication de l'événement

De la House au Hardcore…

Electro pop-rock, minimale, techno, tech-house, progressive, rave… C’est toute la scène électro qui se donne la main ce soir-là, pour lutter ensemble contre le sida.

Cette édition sera dédiée à Henri Maurel, parti trop tôt le 16 févier dernier

Henri Maurel était le co-président de l’association Technopol (organisatrice de la Techno parade) et fondateur de Radio FG. C’était par ailleurs un activiste hors pair de la liberté d’expression et de la défense des droits de chacun, partisan de « l’utopie » et frondeur passionné pour toutes les causes humanistes dont celle de la lutte contre le Sida.

Le prix d’entrée est une donation obligatoire de 12 € *

Les bénéfices seront reversés à Sidaction, pour financer le projet d’une association africaine ou asiatique, prochainement sélectionné. Les organisateurs des Etranges Soirées assurent la traçabilité de l’attribution des dons, ce qui permet aux donateurs de suivre les avancements et la réalisation du projet.

A propos des Etranges Soirées

“Les Etranges Soirées” est une initiative de Matthieu Jaussaud (Plaqué Or), d’Adam Love et de Julien Ragnotti (Sauvequiprod) qui a vu le jour il y a 8 ans. A ce jour, ce sont déjà plus de 30 000 € de dons immédiats récoltés et reversés à des associations de lutte contre le Sida telles qu’Act Up ou Blue Diamond (via Sidaction). Ces dons ont par exemple, servi à construire un centre de dépistage au Népal sur les seules recettes d’une précédente soirée.

–

Renseignements et programmation complète : http://www.facebook.com/une.etrange.soiree
La Machine du Moulin Rouge : 90 bd de Clichy, 75018 Paris – Métro : Blanche (ligne 2)
* Tarif prévente

Luz est un des piliers de Charlie Hebdo. Dessinateur politique à l’humour acéré, c’est aussi un jouisseur pour qui le DJing est l’occasion de se vautrer dans une luxure d’esthète : celle de transmettre sa vision musicale en faisant danser les gens. Où quand un trentenaire humaniste à la culture rock est arrivé, en prenant les chemins du plaisir, à faire le lien avec les perspectives de l’electro. D’où le jouissif “King of Klub“, dernier recueil en date.

Et quand Luz le caricaturiste politique met son art de l’observation au service de la musique live, il en révèle les plus lointains et primaires soubassements. Et quant à la question ô combien récurrente de l’état du clubbing français, Luz apporte quelques réponses… basées sur le rythme, la basse, et … « une hystérie spatio-metal ». Luz + musique = voyage.

Le lien s’est fait tout seul car je suis devenu DJ à une période où le DJ n’était plus méprisé des rockers. C’était la belle affaire des années 2000, après l’arrivée des 2 Many DJs, qui ont eu cette bonne inspiration de mélanger tous les styles musicaux, en passant du coq à l’âne. Je suis arrivé là-dedans par hasard. C’était par l’intermédiaire de l’équipe du magazine Magic. Ils m’ont fait mixer dans une soirée Blur. Ils se sont aperçus que je n’avais passé aucun titre de ce groupe, alors ils ont décrété que j’étais un très bon DJ et qu’il fallait que je recommence.

Ce qui m’a intéressé, c’est le fait de pouvoir transmettre des envies musicales, en établissant un lien de confiance avec le public en face de moi. Et cela sans être ennuyeux… C’est mon obsession depuis que je suis gamin : comment transmettre la musique à des gens qui ne la connaissent pas.

Luz et sa compagne Stéphanie Meylan, photographe

Mon anti-conception plutôt, c’est ce que m’a dit un DJ rock un jour : « Il faut pouvoir être plus intelligent que ton public ». Je me suis demandé ce que ça pouvait bien signifier… Mais il avait un collier à boules en bois, et en général tu portes assez peu de crédit à quelqu’un qui porte ça. Et j’ai eu la conviction que je ne voulais pas ressembler à ce genre d’individu. Car quand tu mixes, tu amènes une partie de toi-même. Quand tu mixes chez les autres, il faut d’abord écouter les disques chez soi, dans l’intimité. Et la transmission de cette intimité passe aussi par ce que tu veux présenter de toi. Cela change tous les jours, toutes les semaines. Donc un DJ qui sait d’avance ce qu’il va passer, du premier au dernier morceau, ce n’est pas un DJ… OK il sait enchaîner mais sans plus. Tu dois construire une histoire en direct. Donc : improvisation, de telle sorte que, racontant ton histoire, les gens te racontent la leur. Si tout d’un coup il n’y a plus de réaction, ou si au contraire ça réagit sur un morceau, c’est une information, ça a un sens. Et cela change ta manière de raconter l’histoire.

Mise en danger

A mort. Surtout que le premier intérêt de tout cela, c’est cette mise en danger. C’est ce qui m’a tout de suite plu : le fait que les gens voient ton travail en direct, ce que tu n’as pas dans le dessin. Et aussi ce qui est bien, c’est d’accomplir ce rêve d’adolescent, d’arriver et de dire « Bonsoir Paris ! »… quand tu es à Paris. Ou « Bonsoir Dijon ! » quand tu es à Dijon. Donc ça caresse l’égo, à condition de mettre des choses qui viennent de toi. Si tu ne mets que des tubes du moment, OK les gens sont contents, mais qu’as-tu amené de toi ? Être DJ, c’est le meilleur moyen d’aller dans une soirée où il y a de la bonne musique puisque c’est la tienne qui passe. Donc si tu ne passes que ce que les gens attendent, tu finis par passer de la merde. Donc tu passes de la musique que tu défends. Ca m’est arrivé de jouer ce que les gens attendaient, car parfois on se cherche… Mais à quoi ça sert ? Cela dit il ne faut pas être non plus dans le plan ultra-autiste du mec qui ne fait pas attention à ce qu’il y a autour de lui.

Le festival Benicassim quand j’ai joué dans la tente Pop. J’avais mixé tard, à 4h du matin. Je devais mixer une heure et demie. Avant ça, ambiance Benicassim, Espagne… J’avais fait Pac Man toute la journée. Tout y est passé. Tout. Les copains me disaient que je ne pouvais pas monter sur scène. Moi ça allait très bien, j’étais super conscient. J’étais dans un état de sur-stonerie et je voyais très bien ce que je voulais faire. J’ai pris les platines. Je me suis lancé dans un show bizarre. Je me suis dessiné sur le corps, des trucs comme ça… A un moment, j’ai passé un morceau des Breeders, et un deuxième, car j’ai raté mon enchaînement avec l’autre morceau que j’avais prévu. Mais personne ne s’en est aperçu tellement les gens étaient à bloc.

Je me suis dit que j’avais fait une connerie devant 2000 personnes.

Bref, tout roulait. A un moment, j’ai eu envie de silence, j’ai mis « Hallelujah » de Jeff Buckley, ça a scotché tout le monde, moi y compris. Je me suis dit que j’avais fait une connerie devant 2000 personnes. Mais les gens se tenaient par la main, s’embrassaient, pleuraient. Tout le monde a eu la même remontée de drogue au même moment. C’était LOVE ! J’en ai encore des frissons. Voilà, ça c’était très intime : on se sent bien ensemble, on teste un truc. Si les gens se sentent bien avec toi, on se sent beaucoup plus libre d’essayer.

Pacman la nuit, Pacman le jour : les deux visages d'un héros très populaire, entre lesquels la joie s'infiltre.

Je n’ai pas l’impression. Ou alors c’est le fait de vouloir faire plus Ed Banger que Ed Banger. Alors ça c’est très français. Et ça c’est très très dur. Surtout quand tu as une soirée en France avec Ed Banger et les clones de Ed Banger réunis. Je me souviens d’une soirée au Rex, comme ça. C’était plus possible.

Justice sur NRJ, c’était comme  une grande victoire.

Mais je trouve ça bien, Ed Banger. Je trouve ça bien qu’il y ait une marque qui signifie à l’international qu’il se passe quelque chose en France, mais aussi qui signifie aux français qu’il se passe quelque chose chez eux. Et que cela traverse la barricade de la radio populaire. La première fois que j’ai entendu Justice sur NRJ, c’était comme  une grande victoire, même si c’est une radio mainstream. Normalement, quand tu es un groupe français qui fait de la musique instrumentale, tu n’es pas sur les ondes, ce que j’ai compris un jour où Jean-Michel Jarre pleurnichait, car il n’est pas considéré comme de la musique française. Donc il ne rentre pas dans les quotas. Alors si la musique française qui ne rentre pas dans les quotas arrive à percer les quotas et devenir mainstream, c’est intéressant. C’est un combat gagné, en tous cas une brèche.

La basse qui malaxe

Le clubber en moi est multiple ! En tant que clubber j’aime être surpris. J’aime quand je suis au bar et me faire avoir par le DJ, de telle sorte que je suis attiré sur le dancefloor.

N’importe laquelle. Cela dit il me faut de la basse. Une basse roulante, un drive. Qui me malaxe les couilles. De la basse physique. Et ça tu l’as dans presque toutes les musiques.

Luz, entre abandon de soi et sauvagerie festive.

Vous êtes très ami avec James Murphy de LCD Soundsystem…

Oui. Il a été étiqueté electro-rock, alors que c’est un discoboy. Il écoute de la disco. Sauf qu’il est passé par le grunge, plein d’autres choses… Mais il a une manière disco. LCD a été très important, car j’ai compris que ce que j’écoutais depuis des années pouvait être joyeux. La première fois que je suis tombé sur le EP « Losing My Edge », j’étais à fond dans le post-punk genre The Fall, du punk intellectuel… Et tout d’un coup j’entends ça, qui est du The Fall avec un truc dans le slip, jouissif, chaloupé. J’aime le chaloupement. C’est ce qui me fait aller sur le dancefloor comme attiré par le joueur de flûte qui attire les rats. Je veux être comme un rat qu’on conduit dans le ravin du dancefloor. Ca c’est vraiment excitant. Donc avec « Losing My Edge », j’ai compris que la musique n’était pas uniquement faite pour écouter chez soi. Il y a une transmission. Un besoin de se libérer de l’écoute intime pour la partager avec les autres sur le dancefloor.

Je veux être comme un rat qu’on conduit dans le ravin du dancefloor.

LCD, c’est la quintessence de ce que j’aime car c’est un passeur. Il assume de dire que sa musique, il ne la crée pas de rien. Il y a des influences Eno, Bowie, disco, punk, pop. C’est une musique qui te dit : « commence par moi, et vas chercher ailleurs ». Un de mes amis m’a dit : « Je suis très jaloux des jeunes gens qui ont découvert la musique avec LCD Soundsystem ». C’est magnifique. Je suis aussi très jaloux… J’ai découvert des choses avec LCD, mais j’en connaissais pas mal. Il a fait naître des auditeurs electro-rock. Ni electro ni rock… ni pop mais pop en même temps. Ni hip-hop mais hip-hop en même temps. Et donc ces auditeurs sont obligés d’aller voir ailleurs pour trouver encore mieux. Il a cette humilité de dire « Je ne suis pas le meilleur groupe du monde. Les meilleurs groupes du monde, je les ai écoutés et ils passent à travers moi ».

Prétention & détention

C’est quoi le problème du clubbing à la française ?

Quand tu es sur le dancefloor en France, il faut pouvoir exprimer au DJ qu’il doit te mériter. C’est insupportable, et c’est très français. Il y a un problème français tout court, le même dans tous les secteurs culturels. La prétention d’être détenteur d’un passé glorieux et de tout mesurer à l’aune de cette référence. On fait la morale à tout le monde et on a du mal à regarder ce qu’on fait nous-mêmes. On se targue de Hugo, de Balzac, d’être un grand pays de littérature alors qu’en la matière on ne fait plus rien depuis des années. En musique électronique, on peut dire qu’il y a eu Daft Punk. So what ? OK, il y a eu ce truc prestigieux car d’un coup l’international nous a regardés.

Luz, qui dessine souvent la Une de Charlie Hebdo, prouve qu'on peut être DJ et avoir de l'humour. Rare.

Les anglais ont quelque chose de très bien : le NME. Un journal où la musique populaire est traitée pour ce qu’elle est : superficielle. Et on en parle de manière superficielle. On assume cette idée. On ne fait pas semblant de croire que la musique, c’est de l’histoire. Les groupes qui sont présentés sont des kleenex, ils se bagarrent entre eux, on leur pose des questions vachardes et après on les jette. Comme les groupes ont conscience d’être des kleenex, ils sont plus libres que les autres. Ils savent qu’on peut les jeter au bout de trois ans, mais qu’au bout de dix ans ils peuvent réapparaître avec un autre projet. Chez  nous, les groupes sont des mouchoirs en soie, on se branle dedans et on les met sous un cadre avec des moulures.

Cette morgue, cette prétention très française se retrouve aussi dans le clubbing. Le clubbing, c’est sérieux.

Je constate ça dans la chanson française : il faut rentrer dans cette petite photo où il y a Brassens, Brel et Ferré, pour être le quatrième… En pop/rock, si c’est chanté en anglais, ça se voudra très sérieux. Cette morgue, cette prétention très française se retrouve aussi dans le clubbing. Le clubbing, c’est sérieux. La manière de prendre des drogues, c’est sérieux. La manière de boire, c’est sérieux.

Il y a des spécificités de culture. L’esprit français, ça existe. Cette petite prétention permanente. Les clubbers français attendent l’excellence. Ils veulent avoir le moment historique. Mais bon, ça suffit ! On est aussi là pour prendre du plaisir ! Alors maintenant qu’à Paris il y a très peu de clubs et qu’ils sont très chers, on va à l’étranger.

Alors il n’y a pas d’espoir pour le clubbing à la française ?

Je n’en sais rien… Un truc qui me fait marrer, c’est quand les gens disent qu’ils ne vont plus en club car les boissons sont trop chères. J’ai envie de leur dire « T’as qu’à danser, connard, et après tu bois un coca ! ». Si aller en club, c’est uniquement pour se saoûler la gueule, tant pis. Après, je ne sais pas vraiment où se situe la faille, en France. C’est moins fun.

Bande kilométrique sous Traktor

Donc vous concevez une scène musicale vouée à l’entertainment ?

Oui. C’est plus simple.

Sachant qu’entertainment, c’est un gros mot, en France.

Ouh là oui, c’est un gros mot ! Moi j’assume la superficialité. En tant que DJ, j’ai le souci de transmettre des « valeurs musicales », une façon d’écouter la musique que j’aime, une sensibilité. Mais si les gens n’aiment pas et restent au bar, ce n’est pas grave. S’ils ne se barrent pas, c’est déjà une bonne soirée pour eux.

Il faut bien ça pour désamorcer l'insupportable charge béni oui-oui de la chanson française...

Mais si tu vas dans un petit club à Paris, tu auras un mec derrière son laptop, qui te regarde avec une condescendance d’insupportable connard. Tu t’en fous, tu es venu danser. Mais tu ne peux pas ! Car son truc, c’est de faire de la bande kilométrique sous Traktor. Et tu te dis, « Qu’est-ce que je fous là, je ne suis pas là pour la musique ?!? », justement d’ailleurs parce que le mec n’est pas là pour la musique. Si le DJ est là pour la musique, il est là pour transmettre quelque chose de la musique. Son petit set sous Traktor, on s’en branle.

Le problème avec Traktor, c’est le niveau de bpm qui est toujours le même.

Est-ce que Traktor est un des drames qui afflige l’art du DJing ?

A fond ! Bon, c’est super pour faire des enchaînements. Je suis désespéré de ne pas savoir faire de vrais mix, je ne serai toute ma vie qu’un selector mineur. Mais le problème avec Traktor, c’est le niveau de bpm qui est toujours le même. 124bpm. Fuck ! En tant que clubber, je veux me faire gifler ! Me faire fouetter ! J’ai envie qu’on m’embarque ailleurs, que ça ne soit pas monorythmique. Ce qui tue le clubbing, c’est le monorythme. Si c’est du très bas bpm, ça peut à la limite t’embarquer dans un truc un peu spatial, tout dépend de ce que tu as fait avant, pendant, et de ce que tu feras peut-être après. Mais si tu fais du Ed Banger ou de la minimale allemande et que tu as toujours le même rythme, finalement, c’est pas plus intéressant que la musique du Buddha Bar. Papier peint sonore. Pour moi le rythme est un élément essentiel du DJing. Jouer avec, pouvoir le casser, le ralentir, l’augmenter, le fracasser. C’est ça qui était intéressant dans les productions de Ed Banger à un certain moment, c’était le cassage de rythme. Du côté de chez Institubes il y a eu des choses pas mal de ce point de vue là aussi. Mais 4 ou 6 heures sur un rythme identique, c’est difficilement tenable.

J’ai dansé là-dessus, qui suis-je ?

C’est pour ça que j’aimais bien les sets de Jean Nippon. Il y a un lien entre le R&B et le hardcore sans que ce soit simplement juxtaposé ! Il m’a foutu en transe ! Comment il a réussi à me faire danser sur du zouk, alors que deux secondes j’étais à bloc sur une hystérie spatio-metal, je ne comprends pas. Il réussit à te faire te surprendre toi-même. Tu te dis, « J’ai dansé là-dessus, qu’est-ce qui s’est passé ? Qui suis-je (rires) ? ». Quand c’est toujours le même rythme, ça arrive difficilement.

La couverture du salvateur "King of Klub", qui démystifie les dieux vivants du DJing à la française.

Quel est votre rapport aux musiciens ? Avez-vous besoin de les idéaliser pour les dessiner comme vous le faites ?

Non, car idéaliser les gens les rend difficiles à dessiner. Par exemple, Philippe Katerine. Quand j’ai voulu le dessiner en concert pendant les premiers morceaux, ça ne marchait pas du tout. Parce que je l’avais déjà beaucoup vu à la télévision, il faisait partie de ma famille visuelle. Genre Sarkozy on le voit tellement à la télévision, on croit que c’est le voisin de palier. On ne remarque plus rien. Si je devais voir un concert de Bowie, ça serait difficile pour moi de le dessiner très vite. Par contre, ce qui est intéressant dans les dessins de concert, c’est de ne pas aller dans le portrait. Alors ça me change de mon travail de caricaturiste. C’est mon repos. Tu n’as pas besoin de faire quelque chose de ressemblant.

Dépassement du corps

Dessiner l’univers de la musique, c’est plus libre ?

Oui car on est dans le reportage. Et on peut mettre en scène du fantasme. C’est pour ça que j’aime bien le travail que je fais avec Stéphanie Meylan (sa compagne, NDA). En concert elle fait des portraits photo très rapprochés. C’est une fan qui voudrait lécher la joue de chaque musicien. Donc moi ça me dégage de l’obligation de faire un dessin ressemblant. Je m’attache donc à la justesse des mouvements, à la bonne représentation de la façon dont quelqu’un veut représenter sa musique sur scène. C’est ça que j’aime dans le live : la manière qu’ont les gens de s’auto-représenter et de représenter leur travail.

Une logique de spectacle pur, donc ?

Oui, parce que si je vais dessiner un concert folk, ça pourra être très joli, mais ça sera sans intérêt. Parce que je ne vais pas bouger… Sauf à de rares exceptions. Comme quand j’ai dessiné Antony and the Johnsons. Il y a un truc qui s’est passé entre moi et, euh… Antony (rires) ! Tout d’un coup il a dégagé un truc, alors qu’il ne fout rien. Il a une tronche, un corps bizarre, mais il est arrivé un dépassement de ce corps que j’ai pu essayer de traduire en dessin.

"Celui qui faire danser les filles saura, en feu le dancefloor mettra." (Tables de la Loi du DJ, verset 66)

Ce que vous dessinez, ce sont les impressions et les émotions liées à ces impressions, plus que du fantasme ?

Oui, plus que du fantasme. Il faut que le concert s’écrive sur moi, pour que je puisse le dessiner.

La réalité de l’énergie

Vous dessinez le passage de l’énergie live sur vous ?

Oui. C’est cette énergie qui est super excitante quand on dessine. Moi je dessine en apnée. A chaque trait, je ne respire pas. Quand tu dessines dans un concert, tu es obligé d’arrêter de danser, à un moment donné. Et c’est génial. Tout d’un coup, tu ressens juste la musique. Et donc le dessin est un moyen de se remplir de l’énergie de l’autre. Et puis je ne suis pas un bon portraitiste, donc je vais vers la caricature. Du coup, j’assume de ne pas traduire la réalité, mais l’énergie. Comme l’énergie ça n’existe pas, la réalité de l’énergie se réinvente en permanence.

En tant que dessinateur politique vous pouvez être très engagé. Mais côté musique, il n’y a pas d’engagement. Est-ce que c’est crédible, d’ailleurs, la musique engagée politiquement ? Avec le recul, on peut dire par exemple que les Clash et leurs agitations marxisantes, c’était petit-bourgeois et compagnie…

Je parlerais plutôt des Dead Kennedys. Il y a une démarche politique précise, et une démarche artistique qui s’assume en dehors de la politique, qui relève plutôt de la manière de chanter du chanteur Jello Biafra. Il montre qu’il a du recul sur son propre discours. Et il y a une manière de jouer en live avec la politique qui est unique. Il se drape toujours dans le discours du salaud, pour le rendre ridicule. Quand Biafra chante, ce n’est pas lui qui chante. Biafra chante les comportements d’une crapule. Sur scène, c’est un grand théâtre… Dans « California Über Alles » (chanson mythique des Dead Kennedys de 1979, portant sur la politique du gouverneur de Californie de l’époque, Jerry Brown – NDA), il imitait Jerry Brown, puis Schwarzenegger. Et il va réimiter Jerry Brown.

Pas besoin de mettre des paroles pour faire de la musique politique.

Bref, ici, la politique, elle est déjà dans la manière de jouer la musique. Pas besoin de mettre des paroles pour faire de la musique politique. La musique politique, ça a du sens. C’est la musique qui n’est pas circonscrite. La musique circonscrite, c’est de la musique fasciste. Genre les derniers albums de Madonna. Elle est dans un genre dont elle ne sort pas. Elle a vocation à drainer les foules non pas pour transmettre quelque chose de la musique mais pour gagner de l’argent. Elle ne donne rien, elle ne partage pas, ne pose pas de questions.

Jello Biafra, chanteur des Dead Kennedys, groupe légendaire du punk américain (ici dans ses jeunes années)

Donc la musique politique, c’est la musique qui questionne, même s’il n’y a pas de paroles qui appellent à la révolution ?

Oui… J’ai un ressenti très particulier quand j’entends certains morceaux, par exemple le premier album de Superpitcher, qui continue de me questionner en permanence. C’est pour moi de la véritable musique politique, parce que ça libère, ça fait avancer sur autre chose. Physiquement, tu peux ressentir de la mélancolie, et donc tu te demandes, « qu’est-ce que ça veut dire de moi ? », et donc on peut trouver des réponses qu’on ne trouvera pas dans un discours politique, et qui feront avancer aussi. Je préfère la musique politique aux chansons politiques.

Chercher les gens

Quel est votre regard sur le vieillissement de la culture rock, avec d’un côté Iggy inamovible et tout en muscles, et de l’autre côté la cohorte qui oscille entre épave et maquillage ? Est-ce que ça peut vieillir autrement qu’en étant un objet de musée ?

En fait Iggy n’est pas un objet de musée. Je l’ai revu il y a quelques mois. Ses concerts sont d’une générosité incroyable. Il donne beaucoup et va chercher le public, le provoque. Il ne fout plus sa bite à l’air, cela dit. C’était une marque de fabrique. Mais s’il foutait encore sa bite à l’air, ça poserait un problème. C’est peut-être plus très joli à voir (Iggy est né en 1947, NDA). Bref, c’était un concert à Paléo, un gros festival suisse. Des gens étaient déçus, car ils venaient voir l’icône, et ils demandaient, « mais comment un type de son âge peut-il faire des choses pareilles ? ». Et là, Iggy était venu chercher les gens, un peu comme Saint Sébastien, tout le temps à montrer son torse, façon de dire aux gens « Réagissez, je suis peut-être votre idole, je suis peut-être un vieux con, mais réagissez, je veux que vous ayez une réaction autre que celle que vous avez d’habitude ».

L'affiche d'une exposition dédiée à "Trois premiers morceaux sans flash", le livre de Stefmel et Luz mêlant photos de concert et dessins. Ici : Iggy, tout en peau.

Et tous les autres ? Ozzy (Ozzy Osbourne, NDA), par exemple.

Ozzy, premier album génial, mais Ozzy on s’en fout (rires) ! Par contre, Suicide, c’est intéressant. Ils vieillissent bien.

La mort la plus horrible, ça serait de tomber dans les tripes d’Alan Vega sans savoir comment en sortir.

Déjà ils vieillissent, c’est bien.

C’est un exploit… Musicalement, même le dernier album de Martin Rev (un des deux membres de Suicide – NDA), sur la mort de sa femme. Il a écrit une musique très symphonique… Le type propose un monde intérieur rare, alors même que c’est du pur rock’n roll. Ils ne se sont jamais demandé s’ils faisaient de la musique électronique. C’est beaucoup plus rock’n roll que les White Stripes. C’est une réinvention. L’album d’Alan Vega (le chanteur de Suicide – NDA) avec Marc Hurtado qui s’appelle « Sniper », c’est hyper bien, à part quelques poncifs. Ils te balancent dans les tréfonds. Vega t’embarque dans ses tripes. D’ailleurs, la mort la plus horrible, ça serait de tomber dans les tripes d’Alan Vega sans savoir comment en sortir. Mais ça serait l’expérience la plus géniale. Voilà, cet album est comme ça (rires). Eux, Suicide, vieillissent bien. Ils ont quelque chose à proposer tellement ils se mettent encore en danger. Le fait de mettre par terre devant les autres son intimité est éminemment politique. Le rock’n roll a été une forme de proposition. Qui, aujourd’hui, fait ce genre de proposition là ? Je ne sais pas si les White Stripes vont bien vieillir. D’ailleurs ils viennent de se séparer. Les Kills, peut-être. Mais c’est déjà vieux. En tous cas ça vieillira beaucoup mieux que les BB Brunes ! (Rires de fin).

–

Crédit photo “Luz et sa compagne Stéphanie Meylan, photographe” : Renaud Monfourny

Article initialement publié sur Culture DJ

Depuis plusieurs années, un DJ qui se présente à un organisateur, un média, ou même dans un dîner mondain, doit répondre à une question aussi automatique que sentencieuse : « Tu produis ? ». Gare à lui s’il répond négativement. Le DJ est une figure d’artiste par qui la musique électronique festive devient une culture mondiale, pourtant il ne peut pas exister en tant que tel.

Pour mixer en soirée, il faut avoir produit des tubes

DJ tout seul, c’est la honte… DJ tout seul, ça ne devrait plus exister. Un DJ, donc quelqu’un qui mixe des morceaux de musique entre eux, doit être capable de créer des morceaux. Un DJ qui ne fait que jouer les morceaux des autres appartient à un lumpen prolétariat qu’un business techno tente de circonscrire aux fêtes d’appartement. Il est aujourd’hui admis que pour mixer en soirée, il faut avoir produit des tubes. Ah bon.

Un DJ sommé de produire pour exister, c’est un peu comme le pilote de F1 qui devrait savoir concevoir et construire la voiture qu’il conduit. En 2011, le DJ doit produire pour exister.

La musique électronique fait subir à ses acteurs-clés, les DJ, un sort que le rock, la pop et la chanson, genres pourtant taxés de toutes les tares liées à leur industrialisation, ne réservent pas à leurs interprètes. La musique électronique s’est inventé une tare propre. Comme s’il avait fallu remplacer par d’autres handicaps les stigmatisations ayant ponctué ses premiers pas.

Des producteurs venus enchaîner leurs morceaux

Cela induit des biais qui touchent toute la chaîne de la culture électronique festive, centrée sur le dancefloor et donc les évènements. Cela fait plusieurs années que les plateaux de toutes les soirées de tous les sous-genres de musique électronique (electro, house, techno, drum&bass, hardcore) sont remplis à 75% d’auteurs de tubes – ou vendus comme tels par un marketing à courte vue.

Conséquence : bien des DJ se produisant en soirée sont avant tout des producteurs venus enchaîner leurs morceaux… Bien des DJ se produisant en soirée sont avant tout des ingénieurs/mécaniciens qui prennent le volant de la F1… La musique électronique festive, en intégrant une contrainte dictée par l’industrie, s’est tiré une balle dans le pied.

De plus en plus souvent on s’ennuie en soirée

A tout accepter pour faire tourner la billetterie, les producteurs d’évènements ont avalé la grosse pomme du serpent de la rentabilité à court terme.

Car le délire festif que savent amener les DJ s’est envolé de bien des évènements, soirées, raves, festivals. On attend des producteurs qu’ils jouent leurs tubes, quelques exclus, un ou deux remixes de collègues producteurs. Un DJ viable en 2011, c’est celui qui saura remplir au mieux un cahier des charges prédéfini par un organisateur d’évènements. Créativité, originalité, technique aux platines pendant la prestation publique… sont devenues des options.

Le problème, c’est l’obligation

Résultat : de plus en plus souvent, en soirée et sur évènement on s’ennuie.

Attention : un DJ est légitime à produire, un producteur est légitime à mixer. Question d’envie. Pas question ici de critiquer la légitime démarche créative d’artistes désirant développer leur champ d’action. Et depuis les débuts de la techno, il existe d’illustres figures de DJ-producteurs (Plastikman, Jeff Mills, Laurent Garnier pour citer les plus vénérables, Radium, TSX ou AK47 pour les potes).

Toute éternité

C’est plutôt que les exigences suicidaires d’un système dévoyé commencent à remplir le caniveau de bébés Guetta (qui a inventé le mix sans les mains puisqu’il est tout le temps les bras en l’air).

Le problème, ce n’est pas la production. Le problème, c’est l’obligation.

Cette obligation de produire qui, posée en condition sine qua non pour les DJ, révèle de façon flagrante l’immaturité marketing de la musique électronique en tant que secteur économique. Celui-ci, pour développer ses marques d’évènements, a distordu un de ses préceptes de base : la liberté du DJ dans sa sélection musicale, paramètre fondateur et pourtant oublié.

Cette logique a eu pour aboutissement la facilité à laquelle se sont livrés moult promoteurs d’évènements : faire reposer toute leur communication sur le plateau. La somme des noms affichés sur un flyer valant garantie de réussite pour une soirée. Alors que de toute éternité (et plus certainement depuis 20 ans), la qualité d’un évènement techno se mesure à l’éclat de son nom en tant que marque festive, au-delà de l’empilage de têtes d’affiches abonnées à tous les festivals.

Promesse d’ambiance

La multiplication des évènements petits ou gros et la déconvenue de certains organisateurs entraîne toutefois que soit posée de plus en plus régulièrement la question du nouveau graal du marketing festif : et la promesse d’ambiance bordel ?

Tant il est vrai que pour la techno, tout se joue sur le dancefloor.

___

Cet article à été initialement publié sous le titre de “Splendeur et misère du DJing : l’obligation de produire”

Crédits photos : Hadche, Pierre J, Nanard34

Le jour, Ian Wright est un garçon poli et courtois qui compose de la musique et qui monte des vidéos. La nuit, portant un masque de monstre ou une cagoule de terroriste, il devient DJ Plague et terrasse les dancefloors avec la forme la plus extrême de la techno : le speedcore. Et il réalise des afterfilms de soirées. La rencontre avec cette éminence bruitiste a révélé un formidable conteur, donnant sa version des faits suite à la dématérialisation de la musique, la conséquence de l’informatisation de la société, ou la légitimité de porter un masque pour jouer en public. Ah oui, il est canadien, et vient de se faire virer de la Hollande où il habitait depuis six ans. Elle est belle l’Europe, tiens.

Eh bien après être allé et venu sans problèmes pendant 6 ans, ils ont dit que j’étais resté trop longtemps et m’ont expliqué que je devais rester hors d’Europe pendant 3 mois, et qu’il y avait une possibilité d’une exclusion de 5 ans avant de pouvoir revenir. Je ne sais pas si c’est vraiment si sérieux, vu que ça n’a jamais été un problème avant, mais en tous les cas, le système d’immigration en Europe est un ratage.

J’ai déjà attendu 6 ans de recevoir mes autorisations de travail, donc ça et une douzaine d’autres facteurs, incluant la fin du vinyle et la scène qui rétrécit encore et encore, ça a entraîné ma décision de rentrer au Canada. Peut-être retournerai-je en Europe occasionnellement pour des tournées courtes, mais il n’y a aucun avenir pour moi à vivre ici toute ma vie comme un immigré clandestin.

Oui, il semble que ça prenne cette direction de plus en plus. Il était établi que les platines vinyle étaient le dispositif principal de la régie son. Maintenant elles sont le plus souvent poussées sur le côté et les platines CD sont le standard. Peut-être que dans 5 ans, voire moins, les platines vinyle auront complètement disparu [Depuis cette interview, Panasonic a annoncé la fin de la production de ses légendaires platines Technics SL1200].

Je ne comprends pas du tout le principe du « net label ». Puisqu’il n’y a aucun coût lié à la sortie des morceaux, il n’y a plus aucun besoin pour des labels.

N’importe qui peut mettre ses morceaux en téléchargement sur internet. C’est devenu vraiment compliqué de chercher de la bonne musique puisque les labels agissaient comme des filtres exposant les meilleurs morceaux. Mais ça donne une chance aux gens qui veulent sortir leurs morceaux. Le seul problème est qu’il y a un océan de morceaux amateurs à passer au crible, donc ce qui relevait de la recherche de vinyles relève maintenant de la recherche dans les forums et les sites de téléchargement pour trouver de bons morceaux.

L’arme secrète du DJ

De mon expérience, le feeling n’est pas le même. Quand j’ai commencé à aller en rave j’avais l’habitude de regarder le DJ de près, de scruter le label sur le disque qui tournait, et de voir le morceau qui allait suivre. De regarder le graphisme sur les pochettes. Le sac à disques était comme la pochette surprise du DJ. Son arme secrète.

Maintenant, regarder un DJ consulter son range-CD est aussi intéressant que de le regarder consulter un annuaire téléphonique. Ou regarder un DJ sur ordinateur portable est comme regarder quelqu’un consulter ses emails.

C’est pareil pour le mix, bien qu’il y ait beaucoup d’effets particuliers. Et s’il n’y a plus ce problème de diamant qui saute, mixer sur CD est un peu trop technique. Il n’y a plus cette sensation merveilleuse de claquer un bon gros vinyle sur la platine et toucher la musique avec ses mains. Mais c’est la voie que suit la société en général. Mettre des ordinateurs entre les humains et l’expérience réelle, tout ça au nom du « progrès ».

Eh bien ce n’est certainement pas sans bénéfices. Tu peux plus facilement appliquer des effets pendant le mix. Mais les gens doivent être avertis du côté négatif de tout ce « progrès ». Quand tout est facilement accessible, la valeur de chaque chose décroît. Et avec la musique en général, avec l’invention de l’iPod et la capacité de transporter avec soi des milliers de chansons, celles-ci ne sont plus aussi précieuses que quand elles étaient sur un album complet avec sa pochette et son livret. De même que tous les magasins de disques font faillite parce que la musique migre sur internet.

Cela revient à enlever l’interaction humaine de l’équation. C’est un gros changement, qui contient de bonnes choses, et des mauvaises. C’est juste qu’il est important de ne pas sauter aveuglément dans ce qu’on pense être un progrès sans comprendre les coûts cachés d’abord.

En vinyle : GFB vs Rotello – “One In Seven” / Sonic Overkill – “Born In Hell” (Speedcore) / Kenny Gee – “Full Scale Riot” / Canadian Speedcore Resistance 6. En CD : “Yatsuzaki Hardcore”. Et quasiment tout de Sonic Overkill, Mutante ou Speed Freak (c’est vraiment une liste au hasard de ce qui me vient à l’esprit là tout de suite).

La scène évolue par cycles. Les grosses organisations se construisent sur une scène fertile, libre d’interventions policières et de restrictions gouvernementales, une fois qu’elles deviennent suffisamment grosses des organisations plus petites grandissent autour d’elles. Il finit par y avoir trop de soirées et il n’y a pas de quoi les faire tourner, alors la scène décline et seules les grosses organisations ont suffisamment d’assises financière pour continuer. Alors la scène rétrécit et si la base est toujours fertile, alors la même chose se reproduira. La difficulté maintenant avec la mort du vinyle et la facilité de téléchargement des MP3, c’est que beaucoup de grosses organisations souffrent que ce qui constituait une importante source de revenus ait disparu. Alors pour la première fois on voit des sociétés comme Midtown fermer leurs portes [Midtown existe toujours, ce sont d’autres qui ferment, NDA], et ce n’est pas bon signe, puisque si les grosses organisations coulent, ça sera très dur pour les petites de démarrer dans le futur puisqu’il n’y aura pas de scène sur laquelle se reposer.

En 1996 il y avait un seul DJ à Toronto qui mixait hardcore, DJ Dominik. J’allais à chaque soirée où il jouait et j’attendais son set à 7 heures du matin. Il jouait toujours à la fin ou au début.

Mais j’ai fini par apprendre qu’il y avait bien plus de styles de hardcore, et après en avoir eu assez d’attendre qu’il sorte de nouvelles mixtapes j’ai décidé de mixer moi-même. Cependant une fois que j’ai commencé à acheter des disques, le hardcore est soudainement devenu lent et ennuyeux. Alors j’ai découvert Shockwave et des labels anglais comme Area 51 et plus tard Deathchant. C’est là que j’ai décidé de jouer du hardcore rapide, ou du speedcore, comme on dit.

Alors j’ai rencontré Interrupt Vector qui produisait du speedcore, and nous avons décidé de créer notre propre label, Canadian Speedcore Resistance (CSR). Grâce à des soirées organisées par Terrorist Kriss en ce temps-là (vers 2001), les choses ont bien évolué, jusqu’à ce qu’après quelques tournées j’ai déménagé en Europe pour me consacrer entièrement à CSR.

Quant au masque, j’ai compris qu’on ne peut pas avoir se montrer en ayant l’air normal, dans cette musique. Tu dois ressembler à ce dont la musique sonne, alors tu dois avoir un masque. A moins que tu sois The Vizitor qui a suffisamment l’air dur comme ça [The Vizitor est un DJ hollandais fervent pratiquant du body-building, NDA].

Le death metal de la techno

Bien sûr que c’est possible. Regarde Insane Clown Posse, Slipknot, ou même Marilyn Manson. Tu as déjà vu Marilyn Manson sans maquillage ? Le mec a l’air complètement banal.

Eh bien ce sont tous des termes inventés dans différents pays. Au Canada nous avions seulement le hardcore (Neophyte, Paul, RTC etc..) et le speedcore (DOA, Deathchant, Shockwave etc…)

Quand je suis allé en Hollande, tout le monde a commencé à appeler ce que je jouais “terror”, donc je me suis dit, OK, c’est du terror.

Je pense que le terror est dur et rapide, souvent avec des guitars et des cris, et tourne dans les 230 à 290 bpm. Je dis aux gens que c’est comme le death metal de la techno. (Le frenchcore étant quelque part de 190 à 230, le hardcore généralement de 150 à 190 bpm et le plus souvent basé sur un gros kick et des synthés, et le speedcore étant censé être plus rapide que tout et concentré essentiellement sur des rythmes rapides. Certains parlent de « splitter », qui fait penser à des mitrailleuses). Mais tous ces noms sont un peu vagues, et les gens vont en débattre pendant des jours sur les forums du web.

OUI ! Cela aurait dû commencer il y a très longtemps déjà. C’est la même chose depuis 10 ans ou presque. Quand ça a ralenti je pensais que cette tendance durerait 2 ans, mais ça continue encore 10 ans après.

Difficile là encore… Et là encore, au hasard… Rotello vs GFB – “The Berzerk Manolo Macchetta” / Sonic Overkill – “Raise Ya Fist” / Mutante – “Money” / m1dy vs M-Project – “Squid vs Pantyhose” / D.O.A. – “New York City Speedcore” (un ultra-classique, NDA). La liste change tout le temps ! Il y a tellement de bons trucs…

Je ne considère pas du tout que CSR soit expérimental. L’idée était de combler le vide entre le hardcore trop lent, et le speedcore trop rapide et extrême. De rester rapide, mais de rester écoutable également. A Toronto il y avait toujours des frictions entre le breakcore et le speedcore. Le breakcore essayait d’être plus expérimental et intellectuel, alors que le speedcore était juste une question de dire fuck tout.

Mon idée du speedcore est plutôt d’éprouver des émotions brutes et de laisser tes frustrations s’extérioriser par la musique. Honnêtement il n’y a pas beaucoup de place pour l’expérimentation dans ce genre musical. Ca se limite à des kicks et des samples et comment ils peuvent être découpés, arrangés et masterisés. Je sais qu’il y a pas mal de gens qui se targuent d’être expérimentaux et branchés. Mais je veux juste une musique très énergique avec un bon rythme qui te fait bouger. Si tu es trop expérimental alors ça ne se passe pas bien sur le dancefloor, alors que si tu es un DJ tu fais justement en sorte de le faire bouger.

Une fois j’ai vu un type dans une soirée avec un t-shirt qui disait « Fuck art, let’s dance » (« L’art va se faire foutre, dansons »). Tout est dit en peu de mots.

Filmer le plus de filles

Difficile de dire ce qui a évolué. Je pense que c’est devenu un style à part entière plutôt que d’être dans la petite salle d’une soirée hardcore. Mais ça reste quand même encore pas mal confiné là-bas. J’ai vu récemment une vidéo de 1998 et la salle terror avait déjà exactement l’air de ce que c’est maintenant. L’énergie que la musique génère tendra à attirer les mêmes personnes, quels que soient l’époque ou l’endroit.

Donc plus les choses changent, plus elles demeurent.

Haha ! Loue une bonne caméra, ne filme pas un dancefloor vide, filme beaucoup de lasers, bouge avec la caméra, et filme le plus de filles possible.

Oui c’est possible. J’ai étudié les beaux-arts, et la réalisation de films en faisait partie. J’aime faire plein de choses, alors que faire juste du son ou du montage vidéo est limité. Je préfère faire toute la production, et créer tout un concept en ayant la main sur chaque étape du projet.

Vraiment au hasard, et plein de gens diront “Oh, il a oublié lui et lui !”… Mais bon…

Salle Hardcore / Terror / Speedcore : Sonic Overkill – The Speed Freak – Mutante – Smurf – Fishead – Micropoint – Ron D Core – Drokz & Akira – Noisekick – The Vizitor – Moshpit – The Berzerker – m1dy – Ozigiri – RoughSketch – Speedloader ;) – et moi…

Salle Early Rave (tous jouent le style qu’ils jouaient en 1997) : Ruffneck – Neophyte – Rotterdam Terror Corps – Predator – Masochist – Scott Brown – Dj Dominik (Le DJ de Toronto qui a lancé le hardcore au Canada) – Brisk – Clarkee – SOS.

En ce moment je travaille avec DJ Mutante sur un nouvel album. On a déjà quelques tracks et il en reste pas mal à faire. Pour le futur de CSR j’ai pensé à des façons de l’emmener un pas plus loin. Peut-être le transformer en bande dessinée ou même un dessin animé. Quelque chose qui puisse utiliser la musique comme une partie de toute une histoire. Une manière de lui donner une nouvelle dimension, comme ça elle n’est plus seulement confinée dans la petite salle d’une soirée hardcore. Il y aura toujours des gens qui voudront évacuer leurs émotions avec cette musique, alors cela est un moyen de toucher un public plus large. Ce qui est sûr, c’est que je travaillerai de plus en plus avec la scène japonaise. Ils ont plus d’un style qui m’intéresse. Une scène très éclectique, et un hardcore plein de variations, qui ne se repose pas seulement sur le niveau de dureté d’un kick. Ils ont plein de producteurs différents et ils ont plein de potentiel.

Nous verrons bien. Il n’y a pas de mort, juste des nouveaux départs.

Il y en a plein, mais ça dépend de tes goûts car il y a une grande variété de styles. Il y a Sharpnel, m1dy, RoughSketch, M-Project, Ozigiri, Chucky, C-Type, Shimamura, Akira Death et plein d’autres. Ca va du speedcore extrême au happy hardcore, mais tout est bien fait.

Le show de DJ Plague, tous les jeudis soirs sur Hardcore Radio

A Toronto il y a une scène très éclectique. Faite de plein de gens différents, de pays et de cultures différents. Il est impossible de faire une grosse soirée hardcore comme en Hollande. Il y a plein de clubs, tu ne peux pas demander plus de 5$ à l’entrée, alors c’est difficile de rentrer dans ses frais. Il est plutôt question de rassembler ses amis et de décider d’organiser une soirée. L’avantage de ça et que tu as plein de styles différents, et le public est généralement composé de gens qui aiment la musique. Puisqu’ils ont à rechercher ce genre de soirées, ça signifie qu’ils connaissent bien la musique et qu’ils viennent l’esprit ouvert.

De moins en moins. J’aime la musique et l’aimerai toujours, mais plus tu vieillis, moins tu as d’énergie pour faire la fête et boire des coups. C’est un autre facteur de ma décision de repartir au Canada. Je ne vais jamais totalement abandonner la musique, puisque je l’aime, et sans doute reviendrai-je pour des bookings particuliers. Mais ça ne doit jamais devenir un job que je fais seulement pour l’argent. Si tu le fais seulement pour l’argent et pas par amour de la musique, tu dois arrêter. Tu dois toujours être passionné par ce que tu fais.

–

Cet article a été initialement publié sur culture DJ

Crédit photo flickr CC: Christiano Betta; Roberto; Amandabhstater, miss_blackbutterfly

La prophétie annonce que 2010 sera la décennie de la Gloire Nouvelle de la nuit française. Pendant que certains valeureux s’activent côté institutionnel et médiatique, d’autres agissent sur le terrain et proposent enfin des évènements pour la génération New Clubbing. Rencontre avec Davy, tout feu tout flamme, oeil coquin et moue boudeuse en sus.

Nous avons trois concepts de soirées très distincts. Il y a les All Naked que l’on retrouve maintenant exclusivement au Batofar avec un style plutôt dirty, fidget (le côté sale de l’electro) avec des artistes tel que Gigi Barocco, Mightyfools, Toxic Avenger… et avec un coté booty puisque de nombreux groupes de Hip Hop participent à ces soirées (Da Krew, Comic strip, Gerard Baste, Panpan Master…).

Les soirées I Wanna Lick It ont lieu au Nouveau Casino. Le style est plus dutch / break / tropicale avec de grand producteurs de la scène electro mondiale tel que Miles Dyson, Sound of Stereo ou Will Bailey, des line-ups plus pointilleux pour une musique qui regroupe aussi tout le style underground du clubbing parisien.

Nous avons aussi les soirées Trash’n’Dirty qui se déroulent notamment à GlazArt. Nous privilégions plus la scène sur ces soirées, avec des groupes tel que Silvouplay ou Dick Lorentz, avec souvent des performances au rendez-vous et un gros spectacle live.

Concernant la soirée de La Machine c’est un projet totalement différent. Nous sommes trois associations réunies : Rewind, Bang Gang et Bass Society. Nous regroupons l’ensemble de la bass music sur 3 dancefloors avec les différents style de l’électro du moment, associés à la drum’n'bass et au dubstep !

Je lui promets une soirée pleine ! Un programme choux, jambon, pommes de terres, poitrine de porc : une vraie choucroute de l’electro !

Du beat en veux tu en voilà sur tout les styles de la bass music, qui fera trembler les murs et pas mal de surprises. Notamment visuellement sur le mainstage avec une installation scénographique de Mosquito Massala et surtout Mightyfools qui nous reviennent de la Hollande avec leur énergie (l’autre pays du fromage et sûrement un des premiers de l’electro). Aussi en dubstep les talentueux anglais Kromestar et Sukh Night ! Une salle de la chaufferie qui va faire transpirer la drum’n'bass avec notamment Ez-Rollers et DJ Panik. Et le bar à bulles Booty, Trash et Fidget en haut avec tout le gratin parisien de différentes organisations, notamment Captain Cadillac des Booty Call, Nostromo des Rewind, Hybu des Bass Society et nombreuses surprises ! C’est une soirée qui va tacher !

Essentiel que les gens s’amusent

En effet, nous avons déjà eu plusieurs expériences notamment dans le sud de la France, dans l’est et un peu partout en fait. Pas mal de projets sont en cours sur différentes villes et salles. Nous avons déjà fait pas mal de soirées sur Toulouse, Perpignan, Dijon. Pour le reste vous le saurez très bientôt !

Nous partons aussi sur plusieurs soirées en Belgique notamment à Liège le 20 novembre. Nous avons à grand coeur de souvent travailler avec les belges, très actifs sur la scène électronique, souvent invités dans nos soirées !

Ton top 5 albums, tous genres confondus ?
Rage Against The Machine – “Evil Empire” ; Phoenix – “Wolfgang Amadeus” ; Mano Negra – “Casa Babylon” ; Bérurier Noir – « Viva Bertaga » ; Svinkels – « Tapis Rouge »

Mon rêve est déjà de pouvoir en vivre et surtout de durer, et ce n’est pas forcément chose facile de nos jours avec toutes les contraintes que l’on nous met dans les pieds. Il est pourtant essentiel dans une société que les gens s’amusent, se défoulent et puisse jouir de la musique et de la fête. On nous parque et canalise dans certains lieux qui eux-mêmes sont souvent menacés… La France à réellement un cran de retard sur d’autres pays comme la Hollande, la Belgique ou l’Allemagne … et ça se ressent aussi sur les soirées …

Sinon la soirée idéale … Je pense qu’elle n’existe pas ou si elle existe tu dois vite te faire chier, c’est souvent emmerdant quand c’est trop parfait ! Ou alors il faut beaucoup d’alcool !

Ca va de la petite soirée en bar à la soirée en club ou Zénith … Je prendrai d’abord l’exemple des bars avec l’interdiction de fumer , les gens fument dehors , ça fait du bruit , ça dérange et ça compromet ce genre de soirées … En club il y a beaucoup de deals non équitables au vu du travail fait par les associations, certaines combines pas toujours honnêtes , des points de détail qui se durcissent et qui coûtent cher à l’organisateur alors que cela ne coûterait presque rien au club … Et pour les grosses soirées des soucis type sécurité dérisoire et prix exorbitants qui souvent empêchent les autorisations pour organiser… L’electro reste encore le vilain petit canard de la scène française et nombreux sont ceux qui voient la musique et le public d’un très mauvais œil, ce qui n’aide rien à la développer. Que ce soit venant des professionnels, les politiques ou le public.

Le problème #1 de la France

La France est en retard sur le professionnalisme, la fréquence et surtout la fréquentation des événements. On peut voir de nombreux français partir régulièrement tous les weekends dans ces pays pour faire la fête … On voit peu d’allemands ou hollandais venir faire la fête en France. C’est dommage car une ville comme Paris à les capacités et les moyens, ainsi que les lieux pour devenir une réelle capitale de l’electro mais hélas les problèmes dont j’ai parlé empêche notamment ce développement … Je ne sais pas si il y a des solutions à part faire évoluer les mentalités mais notre pays est très conservateur et n’aime pas trop les changements … Donner plus de moyens, plus d’ouverture et faire confiance à plusieurs organisations très compétentes pourrait déjà permettre des événements plus intéressants et originaux qui attireraient le public étranger (je pense a des festivals comme on voit en Hollande type Ground Zero, Q-Base, Dance Valley, etc … ). Des collaborations avec des pays étrangers genre bus/pack voyage… sur des soirées et une communication plus basée sur l’Europe que notre pays aussi … même si je pense que certains le font déjà.

Non ça c’est partout c’est le jeu ou le business comme on dit… Mais les pires pas gentils c’est en France !

Oui, produire des événements notamment. Mais je travaille aussi beaucoup sur les bookings avec mon agence Rewind Bookings afin de développer notre terrain de jeu et nos DJ sur d’autres soirées et essayer au maximum de bouger de Paris aussi. Car je suis de province comme la plus part des personnes qui travaillent avec moi dans Rewind. Nous avons à grand coeur de faire partager notre musique et notre énergie dans les contrées les plus lointaines du pays, et même de l’Europe et l’agence de booking nous permet de pas mal voyager.

En pour durer je pense qu’il faut continuellement se renouveler et garder le fil comme un DJ doit toujours être à la page de la musique. Les soirées, les projets doivent évidemment rentrer aussi dans ce contexte ! Monter en puissance aussi en proposant des événements et des concepts toujours plus novateurs car le public se lasse vite de nos jours et surtout encore et toujours garder la pêche !

C’est plus des tendances que des styles, tout évolue tellement vite. C’est un courant musical du moment et je pense qu’on peut tout regrouper dans l’electro . On peut ajouter à ça le grime, le trash, la dutch, la tropicale, etc … Et dans un an on trouvera d’autres noms et d’autres styles. Ils se mélangent même des fois dans un seul morceau… Les gens viennent pour faire la fête et danser quel que soit le style, c’est dancefloor donc ça marche ! Mais personnellement je suis plus electro-rock et dirty !

Ton top 5 des tracks de musique électronique de tous les temps ?
Rolando – “Jaguar” ; Daft Punk – “Aerodynamic” ; Vitalic – “Poney Part 1” ; Bloody Beetroots – “Cornelius” ; Paul Kallbrenner – “Sky And Sand”

En fait j’ai commencé dans le rock bien avant le hardcore … Mais concernant le string il est aussi mouillé qu’un bon treillis dans le hardcore. Il sent peut être un peu moins fort, c’est tout.

En fait ce n’est pas une évolution c’est juste une histoire différente … Je pense avoir fait le tour dans le hardcore, trop de soirées, trop de projets, peu de considération et surtout très peu de salles en France dans lesquelles développer cette musique. Le style fait peur … Les soirées devenaient toutes les mêmes et en général j’aime aller en soirée pour faire la fête plutôt que voir des gens faire la gueule, ce n’est pas une généralité mais c’est ce que je retrouvais le plus souvent. Et heureusement ce n’est pas le cas partout. C’est pour ça que j’aimais aller retrouver ce coté hardcore dans d’autres pays comme la Hollande ou les gens savent faire la fête … Or ce coté festif que j’avais perdu avec le hardcore je l’ai retrouvé dans l’electro. Mais quelque part le hardcore c’est de l’electro. C’est juste une branche du grand arbre tout comme la branche dans laquelle je suis en ce moment … J’avais juste besoin de changer d’air en fait, la boucle était bouclée !

Après on peut retrouver dans la fidget les nappes du gabber type PCP avec un coté dance et house, dans le dirty on retrouve le sale du hardcore, avec dans chaque style un coté très dancefloor. C’est un peu pour ça aussi que le hardcore m’a naturellement amené à l’electro, comme pas mal de DJ en fait aujourd’hui.

Incroyable festival en plein Paris

C’est simple qui dit fille dit mecs… Personnellement ça m’est complètement égal du moment que les gens s’amusent. Mais hélas pour un club il est vrai que pour son image et l’ambiance il faut un équilibre des sexes, même si les filles peuvent rentrer souvent sans mecs … le contraire c’est plus rare…

Mais elles sont souvent plus expressives sur un dancefloor, souvent décadentes et sexy. Ca chauffe l’ambiance et la soirée. Et même si elles sont ridicules au moins on se marre et c’est toujours ça de pris ! Un strip-tease d’un mec par exemple complètement bourré avec la raie du cul et les poils qui dépassent, ça fait tout de suite moins vendeur, même si moi ça me fait bien marrer aussi ! Et pour attirer les filles … Je mets du Axe…

Une “Dance Valley” parisienne du coté de Vincennes, le Parc de la Villette ou le Parc de Saint-Cloud sur une semaine avec différentes salles et scènes regroupant tout les styles du moment de l’underground avec spectacles de rue… Le Parc de la Villette serait génial pour ça, avec toute les salles et l’espace vert il y aurait vraiment moyen de faire un incroyable festival en plein Paris, avec de la nature en plus de ça ! En plus c’est à coté de chez moi … ça fait rêver !

En hip hop / electro je suis un gros fan de DJ Pone depuis toujours par sa technique, son originalité et son jeu de scène, son coté rock aussi. C’est pour moi l’un des meilleurs depuis l’âge d’or des Svinkels…

J’ai toujours aussi été très impressionné aussi par AK47, il a souvent osé et innové mêlant différents styles dans le hardcore en passant par la jungle, le hip hop, etc…

Sinon j’adore beaucoup aussi Elite Force aka Zodiac Cartel qui joue plutôt breakbeat, qui a vraiment une puissance incomparable. Je l’ai découvert il y a pas longtemps sur un mix 3 platines mêlant beaucoup de genres et j’ai vraiment pris une grosse claque !

Et forcément il y va y avoir 2 DJ de mon crew. DJ Ecarat car c’est réellement un véritable boulimique de tracks, un des seuls sûrement qui est autant à la pointe de l’actualité musicale en France sur un style electro allant de la dutch à la fidget et bien d’autre styles.

Le deuxième serait DJ Nostromo qui a une technique hors pair, pour moi l’un des plus confirmés et efficace sur un dancefloor à l’heure actuelle, que se soit sur un style minimal/techno ou fidget/dirty. Il a un grand pouvoir sur la scène, bref dj c’est un métier et ces deux là savent travailler !

–

Article initialement publié sur le blog Culture DJ

Crédits photos : Rewind.

Le rock en tant que culture, c’était du prêt-à-penser pour les baby-boomers de la génération consommation. La Techno en tant que musique, c’est l’étendard du fun dans une société post-triste. On aimerait s’y rallier dans une ferveur prophylactique. Mais voilà, on ne peut pas.

A la fin des années 80, il est de bon ton d’en rire après l’avoir affublée d’un « musique de pédés » sans appel. Au milieu des années 90, s’inscrivant dans le temps et s’arrogeant une popularité croissante, elle fait peur. Au début des années 2000, la Techno, devenu réservoir à fantasmes, voit les édiles organiser promptement sa cérémonie funèbre : le « retour du rock ». Parce que le format groupe / couplet-refrain / album / concert-qui-se-termine-tôt, c’est forcément mieux.

Le DJ est devenu une figure populaire, trop bien pour les meufs.

Est-ce que les BB Brunes, The Gossip et les Libertines ont libéré la France de l’angoisse qui poigne ses entrailles à chaque évocation du Mot ? La Techno fait-elle (encore et toujours) peur ?
Moins ! Car elle s’est banalisée.

- Après 25 ans dans le paysage, elle profite de l’effet « on-s’habitue-à-tout ».
- Le DJ est devenu une figure populaire, généralement affublée des valeurs de sympathie, fun, mode, trop bien pour les meufs.
- Les sonorités électroniques dansantes sont partout, de la musique de publicité à la pop de jeune fille à frange.
- La Techno a libéré les danseurs occasionnels de la honte d’avoir à effectuer des pas de danse imités d’un film ou d’un clip.

Les sonorités électroniques dansantes – boucles, beats – sont utilisées partout : pop, R&B, hip-hop

Mais toujours trop ! Car la France a peur.
- Après 25 ans dans le paysage, la Techno pâtit de l’effet « free party », dont l’ampleur en France la distingue de ses voisins européens
- Le DJ est devenu une figure populaire, souvent raillée, car bien peu de gens savent ce qu’il fait vraiment quand il n’a pas les bras en l’air.
- Les sonorités électroniques dansantes – boucles, beats – sont utilisées partout : Pop, R&B, Hip-Hop, mais signalées nulle part. Moderne ingratitude.
En France, Techno rime toujours avec malentendu. La réunion de conditions propices à son développement, grâce à l’expansion de la culture New Clubbing, n’y suffit pas : subsiste un goulet d’étranglement. Tentative de détection.

La Techno peine à faire reconnaître sa viabilité économique

Dans l’écosystème Techno, tout se joue sur le dancefloor. Tout s’y passe, tout en vient. A la base de la pyramide : les DJ bars. Puis, en montant : les clubs (le cœur de l’offre), les raves/events, et les festivals.

En France, la Techno peine à faire reconnaître sa viabilité économique car son circuit de diffusion physique est déséquilibré et rachitique. Il y a très peu d’évènements et de festivals, et les clubs qui tournent, au cœur de l’offre, sont peu nombreux. Par conséquent, les dernières années ont vu une scène Techno essayant de se développer par le point d’entrée le plus accessible, les bars.

Or, quel que soit leur équipement et leur communication, ils ne pourront jamais prétendre proposer un niveau d’ambiance équivalent à celui des clubs, et a fortiori des évènements. Les bars, c’est bien pour les before, et pour que les DJ débutants se fassent la main. Jamais ils ne rendront la nuit magique. Les bars sont une fausse piste.

Les angoisses gauloises, nourries de récits apocalyptiques de free parties saccageuses de pâturages.

Alors, lestée d’énormes contraintes, anémiée par la rareté des fondamentaux, la scène française est fertile en épiphénomènes et en figures extra-Techno (David Guetta, Justice, Daft Punk, à la Techno ce que les Beatles étaient au rock : une gentille initiation) constituant la marge d’un épicentre que l’on aimerait voir croître enfin.

Les associations, cœur et poumon de la scène Techno française.

L’éco-système Techno français, dynamique mais peu structuré, peinant à se doter d’évènements très visibles, souffre par suite d’un déficit de représentation médiatique. D’où la persistance des angoisses gauloises, nourries de récits apocalyptiques de free parties saccageuses de pâturages.
Les observations qui précèdent ne diminuent en rien le travail héroïque des associations, cœur et poumon de la scène Techno française.

Associations qui, malgré le coût exorbitant des lieux, les pressions subies pour tapage nocturne (accentuées par la législation sur la cigarette imposant au public de fumer dans la rue si le lieu n’a pas de fumoir), et la concurrence des DJ bars ayant reconverti leurs caves en piste de danse, continuent d’animer nos nuits.
Les observations qui précèdent ne diminuent en rien le travail courageux des clubs et lieux qui maintiennent des programmations audacieuses, drôles, innovantes, ou alors simplement distrayantes. L’entertainment n’est pas honteux.

L’arrivée de professionnels de la communication et du spectacle

Il reste que pour que la France arrive à vaincre sa peur de la Techno, il faudra que celle-ci réussisse son intégration économique à grande échelle. Celle-ci passe par la viabilisation d’une économie des clubs, raves/events et festivals. Et donc par un afflux massif de professionnels de la communication et du spectacle dans la conception et la promotion d’évènements Techno. La décennie 2010 sera celle de la rencontre entre son potentiel mal connu et une économie des clubs basée sur des modèles à renouveler. Espoir !
A suivre donc :
- La Techno, quel potentiel pour quel bénéfices ?
- Les clubs, quels modèles pour quel avenir ?

En gardant en tête que pour la Techno, tout se joue sur le dancefloor.

___

Cet article a été initialement publié sur Culture DJ

Crédits photo Flickr CC : iamdonte, little_fella_dynamics

L’univers sonore de Senbeï, c’est de la délicatesse, du fabuleux, du scratch et des paillettes, où l’on pourrait croiser Amon Tobin, Björk, Prefuse 73 ou encore edIT.

Après plusieurs collaborations studio (United Fools, Soul Revolution, O2Zen…), un premier album solo « Trouble toys » sur Banzaï Lab en 2008 et quelque scènes prestigieuses aux côtés de Tricky, Dub Pistols, Dj Krush, quelques Ghislain Poirier ou encore Wax Tailor, Senbeï dévoile son nouvel opus : « The Kid » qui défie toute catégorisation.

Toujours avide de bricolages sonores à base de hip hop, de dub, de ballades électro-instrumentales, Senbeï exprime son talent sans complexes sur des platines épanouies : « The Kid » deviendra grand!

Interview:

J’ai commencé la musique très jeune. De 10 à 15 ans, conservatoire de Paris, j’ai appris le solfège, la guitare classique et le chant en choral.
Tout le monde écoutait beaucoup de musiques très diverses dans ma famille et j’ai beaucoup appris de mon frère, qui était batteur, et qui me laissait taper sur sa batterie quand j’étais tout petit.
Ensuite, en entrant à la fac, je me suis tourné vers la musique électronique, mais en gardant une volonté de live, continuer à jouer. Je me suis acheté une paire de platine. Ca fait maintenant 10 ans que je scratche et 5 ans que je fais de la MAO sérieusement.

Comme la plupart des musiciens, je pense: vivre de ma musique en jouant constamment. Aller à droite à gauche, aux quatre coins du monde, ce serait parfait. Devenir intermittent aussi, ce serait un bon début et continuer à travailler en studio le reste du temps. Ne faire que ça, de la musique tout le temps, avec des horaires de bureau, voir pire, des heures sup à gogo!
Que penses-tu d’Internet et de ce que ça a changé par rapport à la musique?
Je pense qu’Internet a tout changé, dans tous les aspects de la musique, que ce soit dans la production d’un album, la vente, les maisons de disque, et même dans la création.
Aujourd’hui, beaucoup de groupes ne sortent plus d’albums, ils sortent seulement des singles, et vivent de leur concerts.

Avec l’évolution de l’informatique, n’importe qui avec un peu d’oreille et l’envie peut s’improviser musicien, créer ses morceaux et les poster sur youtube ou créer un myspace, se lancer dans sa propre production et démarcher tout seul devant son ordi.

Je dirais qu’Internet a ouvert le monde de la musique; j’ai découvert tellement de musiques et de choses, avec Internet, que je ne pourrais pas dire que ça porte préjudice à la musique.
Le seul regret que j’ai, c’est que Myspace ai tué les sites professionnels des groupes. Plus personne ne va sur ces sites alors qu’à une époque pas si éloignée, on allait encore admirer les sites de Ezekiel ou d’High Tone.

On vend probablement beaucoup moins d’album qu’avant. Les musiciens n’ont qu’à faire comme Bob Dylan, être constamment en tournée! (lol)

On essaie, mon label Banzaï lab et moi, de donner toutes les informations et l’actualité possibles me concernant via facebook et myspace. Je réponds à tous les messages qu’ont m’envoient si possible.

En concert, j’essaie de leur faire partager ce pourquoi je fais cette musique: le plaisir de raconter des histoires. Si je pouvais donner un concert dans une salle remplie de table rondes et de chaises confortables, ou avec des canapés partout, des gens qui viennent pour écouter avant tout, ça serait le pied! je voudrais les faire réagir comme s’ils étaient au cinéma, qu’ils ressentent différentes émotions, qu’on ressente la même chose, le temps d’un concert.

Bien que la différence soit énorme, je dirai que je suis les deux. DJ, de part le fait que je scratche beaucoup en live, et j’appelle ça être DJ bien qu’aujourd’hui, n’importe qui qui mixe deux mp3 pourrait s’appeler DJ. Mais bon, j’suis oldschool, j’y peux rien! :p
Je préfère quand même qu’on me prenne pour un musicien, parce que je joue mes morceaux en concert. J’essaie de faire un maximum pour “jouer” en live avec les machines que j’utilise. Je déteste aller voir un concert d’un gars que j’adore et le voir cliquer sur sa souris pendant 1h30…

Depuis 2005. Quand j’ai commencé à composer sérieusement et sous le nom de Senbeï, j’ai tout de suite crée un myspace après avoir entendu parler du site.
Je trouvais ça fabuleux, avant même d’avoir sorti un album, que les gens puissent entendre mes track, et me donner leur avis. Surtout que sur internet, la critique est variée, et aussi parfois sans pitié. Dans les deux cas, c’est toujours intéressant.
Je pense que tous les musiciens doivent avoir un espace publicitaire sur internet. C’est nécessaire et aujourd’hui, les bookers, les salles de concert s’en servent pour travailler. C’est beaucoup plus simple que d’aller faire la tournée des clubs et laisser des disques partout.
Et puis, c’est gratuit.

Oui. Avant d’avoir une identité sur le web, j’allais voir des labels et je leur laissais des démos. Ca tombe pas tout seul. Les artistes doivent se bouger les fesses, évidemment! A moins d’être un génie ou d’aller tenter sa chance sur American Idol! :p
Par contre, j’utilise beaucoup moins mon myspace aujourd’hui. Comme ce n’est pas, à la base, un site destiné essentiellement aux musiciens, c’est un peu le bazar, et on se fait spammer sa page de publicités en tout genre, de player ou de vidéos qui se lancent toutes seul, etc…
Je pense que facebook, c’est très bien pour tenir les gens informés. Au moins, c’est eux qui choisissent s’ils veulent être au courant. Et ils peuvent réagir très simplement.

Avant, et ça faisait rêver, on ne parlait pas aux musiciens. Et puis en électro, on ne savait parfois même pas à quoi ressemblaient certains musiciens jusqu’à ce qu’on les voit jouer. Maintenant, on peut leur laisser des commentaires, voir leur photos. Je pense qu’internet a démythifié les musiciens professionnels. Mais bon, si c’est cela, la destinée de la musique, alors soit! :p
Je pense que ça fait plaisir aux gens, moi le premier, de pouvoir rencontrer des personnes qu’on admire, et échanger quelques mots.
Et puis, c’est l’époque qui veut ça, on va dire.
Tout le monde passe tellement de temps sur leurs ordinateurs.

Je pense que la loi Hadopi, c’est une énorme blague, un non sens, ils auraient mieux fait d’appeler ça la loi Utopie!

Ca ne sera jamais mis en place, c’est évident.
Maintenant, c’est facile de pointer du doigt, je ne vends pas énormément de disques, l’argent que je gagne, c’est surtout sur les concerts que je fais. Et je pense que l’avenir des musiciens est là.
Après, à 1 euro le morceau sur iTunes, j’aimerais bien savoir s’il y a vraiment tant de pertes que ça…

Le problème d’Hadopi, et du téléchargement illégal, c’est que ça met des bâtons dans les roues des grosses compagnies. Ca doit être dur à avaler, quand on s’octroie le monopole de la culture, et que d’un coup, elle vous file entre les doigts, quand d’autres font eux même leur publicité pour leur propres produits, sans rien payer en plus!

Hadopi, c’est le dernier souffle d’une industrie en difficulté. Et c’est tant mieux. Fallait pas sortir le best of de la Star Ac’!

Quand mon deuxième album est sorti, il a été rapidement rippé et mis en téléchargement libre sur internet. J’ai retrouvé celui qui l’avait fait, je lui ai laissé un message de remerciement pour avoir spontanément propagé ma musique.

Je pense que je ne vais pas sortir d’album “Senbeï” avant un moment et me concentrer sur deux nouveaux projets:
Tout d’abord, “Smokey Joe & The Kid”, de mon label banzaï Lab.
C’est l’occasion de s’amuser, de faire la fête. On se déguise, on fait les fous sur scène. C’est que du bonheur, j’espère qu’on ira loin. Et oui, on a quelques dates de prévues: Les prochaines seront le 20 à Bordeaux, le 23 à Paris et le 28 à Toulouse.
Quant à l’autre projet, eh bien, je peux en profiter pour placer mon gros coup de coeur de l’année, et faire une conclusion idéale: j’ai rencontré cette année un groupe qui s’appelle Tha Trickaz. J’adore ce qu’ils font, ça se rapproche de ce vers quoi je tente d’aller avec Senbeï. Il y a des délires similaires dans nos univers respectifs.

On a bien accroché, et avec l’un des deux musiciens du groupe, on a crée “Tha New Team”. La toute première est pour le 6 novembre au Chaudron, à Melun. C’est parti d’Internet, on verra jusqu’où ça ira…

BANZAI LAB

“Banzaï” pour “longue vie” “Lab” pour “Laboratoire”, voici un nom qui nous rend sensibles, nous, chez OWNImusic. Banzaï Lab est un acteur important de la scène musicale en France. En France parce que la région dans laquelle ils sévissent ne promettait pas un tel succès et certainement pas aussi rapide. En tout juste deux ans, ce Label Bordelais intervient dans le domaine de la production musicale en passant par l’organisation d’événements et de concerts en France et en Europe. Banzai Lab se définit comme un laboratoire musicale à 360°, sachant mêler tradition(s) et modernité : faire une musique originale et actuelle… L’esprit d’innovation et de découverte est requis pour faire partie de cette aventure. Le label est souvent cité comme exemple du renouveau de la scène Bordelaise. En peu de temps, Banzai Lab est devenu indispensable aux jeunes générations bordelaises et alentour et si vous avez le temps de faire un tour voir leur roster, vous y découvrirez une quinzaine de petits diamants que Banzaï saura tailler.

Label à suivre…

A paraître: Le premier opus de Feldub meets Spraggy, le projet solo de Cat’s Eyes, (flûtiste de Wax Tailor, Improvisators Dub, Tony Allen, Emilie Loizeau) et le deuxième album de United Fools incluant des featuring inédits.

Cliquer ici pour voir la vidéo.